Stradale Italia : Voyage au coeur du cinéma italien

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En son temps, Quo Vadis ? fut le film le plus long jamais projeté, avant d'être battu par le remarquable Cabiria, et Enrico Guazzoni jette, en partie, les bases du grand film historique, qui va traverser les époques et les modes.

Mettant en scène les persécutions subissent par les chrétiens durant le règne Néron au Ier siècle, Quo Vadis ? mélange violence, histoire et romance. Malheureusement, le film souffre de plusieurs défauts, à commencer par un côté inégal, avec des moments bien plus intéressants que d'autres, mais aussi une mise en scène trop statique, avec une caméra qui ne bouge presque pas et trop de plan fixe, il n'y a pas vraiment de travail particulier sur les cadrages.

Heureusement, tout cela est compensé par une remarquable plongée dans le Rome antique, avec de superbes décors et un certain sens du gigantisme (avec d'ailleurs un figurant mort sur le tournage, dévoré par les Lions) assez prenant, et prémices des premières grosses productions Hollywoodienne. Quelques scènes sont assez marquantes à l'image d'une ville enflammée, de quoi oublier le fait de passer trop vite d'un rebondissement à un autre ou d'un côté théâtral un peu trop prononcé.

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Participant pleinement à poser les bases du cinéma dans la forme que l'on connaît actuellement, Giovanni Pastrone propose avec Cabiria un péplum non sans faille mais particulièrement spectaculaire, et passionnant par son contexte et ses personnages.

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L'un des films fondateurs du mouvement du néoréalisme qui n'a rien perdu de sa puissance et de son réalisme à travers le temps malgré une post-synchronisation non sans défaut et une restauration qui se fait attendre. Rosselini propose une oeuvre forte et juste sur la vie romaine durant la guerre et signe le premier film d'une trilogie complétée par Paisà en 1946 puis Allemagne année zéro en 1947.

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Régulièrement dans sa fiction, Rossellini parvient à (presque) basculer vers le documentaire, et de mêler les deux, ici une femme étouffée sur une île austère et difficile, et la vie sur cette île, la pêche, le village, les comérages. Bergman est belle, fragile, parfois insupportable mais si talentueuse, elle porte le film qui n'est lui pas vraiment austère, et parvient même à donner un peu d'émotion à ce portrait de femme rejeté.

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Grand prix au festival de Cannes en 1951, "Miracle à Milan" est une fable humaniste, touchante, légère et poétique bien que parfois légèrement maladroite où De Sica inclue de belle manière le fantastique au néo-réalisme.

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En signant Don Camillo, Julien Duvivier tire le portrait social de la campagne italienne d'après guerre sur fond de comédie et d'opposition entre "rouge et noir".
Cela donne une comédie réussie, jamais excessive, avec un fond intéressant et un certain humanisme, s'appuyant sur d'excellents dialogues (beaucoup sont mémorables!), ainsi qu'une opposition géniale, débordante d'idées et parfaitement interprétée, entre Fernandel en Don Camillo et Gino Cervi en Peppone.

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Riccardo Freda revient sur la vie, romancée évidemment, de Théodora et filme l'empire romain d'orient comme il le ferait pour celui d'occident, avec son empereur, ses intrigues, sa femme fatale ainsi que des courses de chars et des décors fastes.
C'est la force du film, la plongée dans Constantinople, avec des décors variés, intérieurs comme extérieurs, rendant quelques séquences mémorables (toute la première apparition de Théodora, la révolte dans l'arène etc).
Gianna Maria Canale et Georges Marchal composent très bien le couple impérial.
Pourtant, le film marque d'importante limite en ne dégageant guère d'émotion ou de sensation, c'est un film qui s'oublie vite finalement, qui pêche par quelques approximations ainsi que d'un manque de temps pour mieux développer les personnages (notamment les comploteurs).

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C'est une oeuvre d'une infinie tristesse, mélancolie et humanisme que Federico Fellini met en scène avec La Strada, un film inoubliable porté par d'excellents interprètes et dont chaque image se révèle riche et émouvante.

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Avec Ulysse, Mario Camerini met en scène avec brio les écrits d'Homère, sachant en retranscrire la fascination, l'Histoire ou encore le fantastique, avec une atmosphère prenante, parfois sombre ou mystique, et emmené par de très bons comédiens, en particulier un Kirk Douglas habité.

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Roberto Rossellini sublime sa femme d'alors, Ingrid Bergman, et propose un intriguant voyage, étudiant le couple et bénéficiant de très bons comédiens pour proposer des personnages intéressants, bien que l'oeuvre manque cruellement de sensation et d'une dimension réellement prenante.

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Ingrid Bergman en princesse, c'était une évidence, en plus en français dans le texte ! Elle porte Elena et les Hommes sur ses épaules, et si Jean Renoir s'est déjà montré plus inspiré, il parvient à faire une oeuvre plutôt drôle, agréable à suivre et élégante, avec un triangle amoureux plutôt bien mis en scène, grâce notamment à de très bons comédiens, ainsi qu'un cadre hautement charmant et exploité.

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En signant Le Pigeon, Mario Monicelli parvient à mêler à la fois comédie, burlesque, gangsters ainsi que chroniques de vies et sociales. Il joue sur plusieurs tableaux et se montre à l'aise dans tous, créant à partir de ces ingrédients une recette atypique et alléchante.
Les personnages, des petits caïds de rues dont l'ambition se résume juste à avoir un train de vie honnête, sont attachants ou, au moins, intéressants, et ils s'inscrivent avec ce qu'il faut de mélancolie et fatalité dans un paysage social italien qui a du mal à se relever depuis la fin de la Guerre.
L'humour n'est jamais vulgaire mais provient de bien des éléments différents (situation, dialogue, habitude des personnages, joutes verbales ou manuelles ...), ils sont souvent pathétiques dans ce qu'ils entreprennent, et ils en deviennent irrésistibles.
Difficile non plus de ne pas mentionner les comédiens, tous remarquables, tant par le jeu, que le débit de paroles ou juste le visage.

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Il y a bien quelques qualités dans Les Derniers Jours de Pompéi, mais celles-ci sont limités par une écriture un peu plate, des personnages qui manquent de charismes voire même d'intérêt ou encore un rythme qui ne se trouve jamais. Dommage, le sens du gigantisme est là sur certaines et séquences, et dans le même temps l'aspect intimiste est intéressant.

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Si Chabrol perd en justesse lorsqu'il charge la bourgeoisie, À Double Tour n'en reste pas moins une oeuvre un minimum intrigante, avec des personnages intéressants, ainsi qu'une tension qui s'accentuera (un peu, et heureusement) dans la dernière partie du film.

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Insufflant de la commedia dell'arte dans sa vision de La Grande Guerre, Mario Monicelli joue avec plusieurs codes cinématographiques pour livrer une œuvre géniale et atypique, dénonçant l'absurdité de la Guerre de manière drôle, tragique et terriblement humaine, bien aidé par deux immenses comédiens.

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Hannibal revient de manière romancée sur le combat qui opposa le général Carthaginois à la république romaine. L'oeuvre est axée sur la relation qu'il entretien avec la fille d'un sénateur romain, et c'est d'ailleurs la partie la plus réussie du film. Victor Mature et Rita Gam sont vraiment remarquables dans la peau de ces deux-là, et l'alchimie entre eux fonctionne.
On regrettera plus des combats qui fonctionnent moins et un manque de maîtrise technique pour ceux-ci (alors que visuellement, il y avait tout pour rendre ce spectable vivant et complet).

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Messaline n'est pas mis en scène pour l'aspect historique, mais bien pour les complots menés par son personnage principal ainsi que sa liaison avec un tribun, et si Vittorio Cottafavi ne parvient pas vraiment à faire un film marquant, il signe tout de même une œuvre intéressante à plus d'un titre.

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En signant Austerlitz, Abel Gance continue de sublimer la vie de Napoléon et offre une fresque superbe d'un bout à l'autre, captant les tensions, les doutes et le génie d'un empereur joué avec profondeur par un Pierre Mondy inoubliable.

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Avec La Ciociara, Vittorio De Sica nous entraîne dans la difficile vie en temps de Guerre, peignant des tableaux justes, fragiles et pertinents d'humain, avec les qualités et failles dans un tel contexte. L'oeuvre est bien écrite, et sublimée par une mise en scène juste, sachant, avec intelligence, faire ressortir une émotion forte de passionnants protagonistes. L'ambiance est pesante, et intense dans les moments clés, tandis que Sophia Loren brille de mille feux dans un rôle compliqué, faisant preuve d'une vraie force de caractère, tout en étant bien épaulé par de bons seconds rôles, Jean Paul Belmondo en tête.

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Gabin découvre le rôle de gangster retraité qui lui ira à merveille par la suite, Grangier lui offre un rôle sur-mesure donc, il en est de même à Blier, et les deux s'amusent, avec une bonne distribution autour d'eux.
Si au final on ne retient presque qu'eux et les dialogues d'Audiard, c'est en fait déjà beaucoup, ça tient le film et Grangier impose un rythme plutôt élevé, une certaine maîtrise de l'intrigue et de l'équilibre fragile entre l'avancement de celle-ci et des personnages en roue libre.

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Avec Le Cid, Anthony Mann met en scène le libérateur et unificateur de l'Espagne face à la menace Maure et propose une fresque épique, spectaculaire et même intimiste lorsqu'il le faut, à hauteur d'Homme et historique, avec une atmosphère sombre, intense ou encore grandiose, ainsi qu'un vrai souffle et emmenée par deux formidables comédiens.