L’érosion d’un système de valeurs au profit du matérialisme

Avec Gagne ton ciel, le cinéaste québécois, dans une veine proche de celle de Xavier Legrand, propose un drame contemporain ancré dans la communauté maghrébine du Québec. Il suit Nacer Belkacem, père de famille intégré, travailleur appliqué, homme en apparence stable, qui se laisse peu à peu happer par une obsession : correspondre à une image de réussite sociale. Au départ, rien d’extravagant. Seulement un léger décalage entre ce qu’il est et ce qu’il pense mériter d’être. Et là, le film est juste dès son postulat : la réussite comme fiction sociale intériorisée.

Nacer ne vise pas la grandeur spectaculaire. Il aspire à un léger surplus, un confort supérieur. Ce minimalisme rend sa dérive d’autant plus troublante. Car cette obsession du statut transforme progressivement l’ascension économique en impératif existentiel. L’argent devient l’unique étalon, la seule valeur lisible. Dès lors, le film entreprend de filmer une chute qui ne serait pas fracassante mais une chute par conformité. Nacer glisse par rationalisations successives, convaincu d’agir pour stabiliser sa place, répétant des décisions erronées qu’il estime provisoires.

Les notes du cinéaste évoquent l’érosion d’un système de valeurs au profit du matérialisme, et le film traduit cette idée par la conviction intime du personnage que l’argent fait le bonheur, croyance qui en vient à justifier tous les moyens. Pourtant, narrativement, cette maxime pose problème. Lorsqu’une œuvre adopte une thèse aussi frontale, elle s’expose au risque de la démonstration. Par moments, le film semble illustrer son propos plutôt que le laisser émerger. Le matérialisme n’est plus seulement un thème, il devient une clé explicative presque exclusive.

Sur le plan dramaturgique, cette linéarité pourrait nourrir une tension tragique, celle d’un homme lucide sur sa propre chute sans parvenir à s’arrêter. Mais chaque décision prolonge la précédente sans véritable intensification. On devine trop tôt l’issue. La mise en scène accompagne ce mouvement. Plans fixes, cadres rigides : par instants, cette immobilité traduit l’enfermement d’un homme prisonnier de son propre récit. Cependant, la fixité s’installe comme un régime dominant, sans modulation. Elle n’évolue pas avec la dérive. Les zooms numériques donnent l’illusion d’un rapprochement sans réel déplacement : on avance vers le visage, jamais vers le trouble. Le procédé, cohérent avec le thème de l’illusion, finit par s’épuiser à force de répétition.

Les surfaces vitrées, les reflets, les miroirs constituent alors le motif le plus pertinent. Nacer y apparaît fragmenté, médiatisé, comme s’il ne pouvait exister qu’à travers le regard supposé des autres. L’idée est forte, mais elle demeure au stade du signe. L’image reste trop sage pour rendre sensible la véritable dislocation intérieure. Une scène, notamment, où la caméra se retourne lentement au cours d’une conversation, crée un basculement réel : son intériorité vacille. Pourtant, la réitération du procédé atténue sa puissance. Ce qui aurait dû rester un point de non retour devient signature.

Enfin, la dimension communautaire, pourtant centrale dans l’argument, demeure en retrait. La pression sociale est évoquée plus qu’incarnée. Le collectif pèse dans le discours, moins dans la mise en scène. Le film parle du regard des autres sans toujours lui donner corps.