Albums de rap français - Classement année 2017

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Lomepal un artiste singulier, deux passions : Skate et RAP. Sans jamais s’éclipser les deux sujets cohabitent sur cet album parfait qu’est FLIP. L’œuvre dépeint la morosité d’une jeunesse bercée par la rue, vu par un homme de talent.

L’artiste est mûr, une crédibilité acquise tout au long de sa carrière. Une expérience solide ponctuée de moments de grâces avec ce diptyque égotrip clair/obscure : « Seigneur / Majesté ». Sans forcer Lomepal maitrise son rap et met, sans hésiter, son talent de chanteur en avant. Les refrains, sublimes, permettent à FLIP d’atteindre une dimension supérieure. Un album fort, en une écoute il classe de nombreux titres au rang de classique. La musique hybride de Lomepal est l’héritage de toute une génération, il taille son art pour obtenir le meilleur à l’image de ses feat. De nombreux producteurs de talents apparaissent sur les crédits, la cohérence semble être imposée par Superpoze. De par ses choix, Lomepal prouve encore une fois la complexité de son talent hétéroclite.

L’œuvre laisse une émotion vive, une sensation de solitude dans la jungle parisienne. Probablement un des meilleurs albums de l'année, conçu pour s’étaler dans le temps. Atteindre de nouveau cette qualité, l’attente sera longue mais savoureuse.

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Sombre ambiance.

Inutile de déceler les secrets de ses textes, le fond n’est plus important au sein de ce tournoi, fermez la page Rap Genius. Le néophytes apprécies les arts martiaux sans rien expliquer, Népal est maître de sa discipline. Le flow est à Népal ce que le Kendo est au Samouraï, une arme d’entrainement dont il se sert afin de façonner des productions uniques et rares : des morceaux très techniques.

L’aura du rappeur impose un respect, un code d’éthique martial. Il agit comme ninja de l’ombre évoluant dans les nuits de Paris avec son équipe. Il performe sans jamais apparaître dans la lumière. La volonté d’anonymat en opposition direct avec la reconnaissance qu’il mérite font de Népal un acteur particulier au sein du paysage rap. Le parisien suscite la curiosité de l’auditeur de par sa discrétion, un objet de marketing ou une réelle volonté d’anonymat ? Peu importe, l’exercice est maitrisé, le projet fonctionne, une prouesse technique.

L’avenir de Népal est difficile à prédire mais il s’annonce rayonnant. La 445e nuit est seulement les prémices d’une série de tomes d’un Nekketsu passionnant.

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"Sarah" son amour, l’amour sa drogue.

Le projet d’Hyacinthe est à l’industrie musicale, ce qu’est la consommation de drogue à la société. Cette position divise l’auditoire en 3 parties poreuses.
Pour une partie de la population, "Sarah" ne se consomme pas, une ignorance volontaire. Le projet est lunaire, il apparait la nuit pour disparaitre le jour. L’obscurité du soir permet tous les excès. L’ombre offre une liberté d’exploration à Hyacinthe et guide sa musique à la lueur des réverbères en direction de pistes anarchiques. Un engagement vers l’inconnu qui partait repoussant.
La seconde partie ne rejette pas l’existence de "Sarah". Au contraire elle suscite une certaine curiosité, un intérêt pour une vie nocturne inconnue, un attrait envers l’interdit. Une fascination pour un univers dans lequel les règles sont difficilement applicables; un cosmos où cohabitent sans contradiction la violence et la liberté. Séduisant et dangereux.
La troisième partie consomme assidument "Sarah". La nuit, chaque dose propose d’atteindre avec aisance les sentiments les plus pures. La joie est balayée par la tristesse, qui est remplacée par la violence, pour enfin jouir d’une grande excitation, qui assure une retombée dans l’obscurité lorsque le crépuscule renaît mais invariablement le soleil et sa lumière disparaissent à nouveau.

Hyacinthe ne permet d’atteindre seul cet état. La définition du travail de Krampf sur les productions, est un exercice complexe de par ses choix éclectiques. Le producteur crée un sentiment dualiste entre passage aériens cassés par des bruits industriels. Le vertige est souvent défini comme un problème d’oreille interne, Krampf prouve que l’ouïe peut affecter ce sentiment. Avec "Sarah" Hyacinthe démontre une personnalité originale dont Krampf fait partie intégrante, il est avec le rappeur architecte de cet univers.
Les thèmes abordés renforcent la controverse de cet album entre violence et amour, l’opus se frotte à la pop avec des chansons à textes, la technique du Nekfeu sous drogue dure, positionne le projet dans une case underground restant accessible. Un monde où Sexy Sushi serai classé dans la chanson française au côté de Christophe.

Contrairement à la consommation de drogue, à l’apogée du streaming les écoutes des "Sarah" sont quantifiable, le pouvoir organisateur est donc capable de savoir puis définir la place du produit au sein de notre société, cependant les conséquences sur la population resterons mystérieuses.

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La cécité te séduit.

La fête est synonyme de célébration, amusement et gaieté. En apparence la fête permet de rigoler, partager des idées ou faire des rencontres. La fête est une pratique collective culturelle ancrée dans la société et apparaît sous différentes formes. Cette idée utopique de ce que doit être une soirée est opposée à une vérité beaucoup plus sombre. Surconsommation, violence, tristesse, font de la vie nocturne une illusion frustrante et jouissive.

Soirée, reflet d’une vitre sans tain de notre société de consommation, Orelsan l’observe. Il vit la vie, décrit la vie en se servant de sentiments amplifiés par ce moment enivré. Pour le rappeur, la vie est une fête, sans dissociation chronologique. Le temps est confondu, raccourci ou rallongé, permettant de rendre le projet multigénérationnel. Orelsan est capable d’associer la nostalgie d’un enfant aux projets futurs d’un sénile.

La force d’Orelsan, appuyé par l’énorme travaille de production, est d’arriver à ressembler ces sentiments pour les synthétiser en un album. Sur ce projet, comme sur les anciens, il excelle dans l’exercice et offre un troisième opus plus subtil et nuancé. La dualité entre apparence festive et réalité contraire, permet à l’artiste de jouer son récent premier degré pour finalement contourner un message apriori simple.

« Bonne meuf » est le titre qui illustre le mieux cette idée. Le texte et la répétition de la production laisse imaginer un travail basique alors que le morceau jouie d’une facilité plus que complexe. Dans le monde festif, la bonne meuf est une illusion réputée. L’intelligence d’Orelsan est de revenir avec le pont de silence en avouant qu’il ment pour ensuite laisser place à une instru’ dansante contraire au sample saccader ; synthèse de l’album.

A la fin de la fête résulte un sentiment de plénitude, la certitude d’avoir aperçu des chimères avant de progressivement perdre la vue dans l’ombre. Conscient que ce bonheur est un leurre; une nouvelle journée recommence, le soleil se lève : la fête est finie.

En attendant la prochaine.

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Pacifique est une œuvre surréaliste.

La maturité d’une longue carrière permet à Disiz de se libérer du contrôle de la raison. En utilisant toutes les forces psychiques de l’auditeur, l’artiste lutte contre les valeurs reçues. Cette absence de contrôle exercé par la raison inscrit l’album Pacifique comme surréaliste, il néglige le mécanisme de pensées afin résoudre la question de l’intérêt de sa place dans le rap, le milieu artistique.
L’œuvre finie rayonne sur le paysage musical comme un projecteur de cinéma, Pacifique offre des productions aériennes et atteint un style contemplatif. En signant chez Polydor, Disiz se donne les moyens de réaliser un album de qualité et laisse un sentiment d’achèvement, rare dans le rap. L’écoute du travail complet s’achève et le sentiment de plénitude résulte.
C’est dans cette quête de qualité que l’artiste puise sa force, l’accueil de l’auditeur dans cet univers complet et fini, lève la barrière de la méfiance afin de profiter pleinement de la richesse de l’album. Le pouvoir de Disiz est sa vision sincère du monde ambiant, il arrive sans dévaloriser le terme surréaliste en classant le premier fait un peu bizarre ou inhabituel, à livrer une ambiance magnétique attirant l’œil et l’oreille. Naviguant sur le radeau de Truman, conscient du décor, le rappeur s’autocritique et suscite la réflexion sans dépeindre la société actuelle, sa vision globale reste lumineuse : « Pugiliste, fuck les nihilistes » (L.U.T.T.E – Prod’ Soulchildren toujours au top).
Les choix artistiques de Pacifique traduisent un certain isolement de l’équipe de Disiz dans ce courant rap. L’avantage de cet isolement est l’originalité de productions éléctro ou pop, sans influence trop soulignée, le chant est très maîtrisé et le propos intéressant. Cependant l’inconvénient de cet éloignement des évolutions contemporaines, créé un format long malgré une tracklist variée. Sans mettre en cause l’écriture du chanteur, certains schémas de rimes ne sont pas au niveau actuel, ce qui produit une écoute imparfaite.

Depuis toujours, Disiz explore avec sincérité les univers variés de la musique, parfois avec succès. A l’image de l’océan, Pacifique est un vaste et riche projet qui prend le temps de se former dans l’inconscient des mémoires.

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L'augmentation est vitale.

Intitule de recasser le passé Psmaker le Belge, Isha débarque avec la force d’un rookie. L’artiste est resté implanté comme une robuste graine dans le paysage rap, mais proche d’un abandon, sa rencontre avec l’équipe de JeanJass, évoluant en Bundesliga permet l’éclosion de son talent jusqu’alors cantonné à la ligue Jupiler.
L’atout de Isha c’est de raconté une histoire, parfois complexe (et avec un plan cul), d’une force incomparable avec la sincérité d’un homme torturé par la vie. « Frigo Américain » est le meilleur résumé de ce sentiment, le morceau d’un homme humble affecté par de la folie enfermée dans une enveloppe charnelle robuste.
L’effet produit par sa voix est sans comparaison, La vie Augmente Vol.1 est le projet qui arrive enfin à donner une ligne directrice artistique à Isha l’électron libre. La clôture sonore électro cachée de l’EP est sublime. Les productions sont parfaitement adaptées à l’univers résumé par cette pochette.

Avec ce projet le rappeur trouve son salut, prouve qu’il faut persévérer et provoque une importante attente autours du volume 2. Isha donne presque envi de visiter le salon de l’auto.

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JJ Caba c’est la base.

Sans être un groupe, l’alchimie est parfaite entre Caballero et JeanJass. Un album très fourni avec de nombreux thèmes sur fond d’égo-trip. La force du duo résulte dans la façon d’exposé leur vision, parfois sincère, parfois sur-jouée, et souvent avec humour. Néanmoins ils ne tombent jamais dans la caricature et présentent avec intelligence leur univers.
Look professeur de chimie, JeanJass est un surdoué. Ce bousillé de musique est un beatmaker de talent (le sample de Mike Brant!). Sa technique lyricale portée par son flow nonchalant, font de lui un des meilleurs.
Caballero, sa rencontre avec JJ a augmenté ses capacités déjà reconnues. Toujours avec beaucoup d’aisance, son univers singulier oscille entre polo Ralph Lau’, weed et gastronomie. Le rappeur complète avec brio cette formation originale.

Caballero et JeanJass sont complétement décomplexés, portés par cette dynamique, la suite sera radieuse.

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Georgio talent inné pour le rap, est un véritable artiste dans le sens où il fait sans cesse évoluer sa musique.

« Bleu noir » signe un tournant dans cette évolution. En tâtonnant et explorant de nouvelles sonorités, le Parisien ose emprunter de nouveaux chemins. Un passage sombre qui participe à la construction de sa carrière pour aboutir à cette réédition de « Héra ». Ce complément de 9 morceaux permet d’équilibrer les deux albums. Difficile de qualifier sa musique parfois pop, rock ou électro, Gerorgio est dans une sphère particulière lui permettant de toucher tous les auditeurs, sur lesquels il repend des textes magnifiques et poétiques. Sa passion pour la lecture, importante dans son évolution, apporte une réelle crédibilité à ses textes sincères et touchants.

Le rap de Georgio pousse à la réflexion sur de grands thèmes sans paraître pompeux, et offre à ce courant musical une place particulièrement réjouissante. Sans prétention, l’artiste continu son ascension vers une musique de qualité, la curiosité pousse à se questionner : où mène la pente ascendante que Georgio gravit à chaque projet ?

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La division fait la force.

Malgré des sujets évoqués classiques pour un premier opus, un fond qui tourne en rond autour de la fête, les addictions et l’amour; le polak puise sa force dans la maitrise de son flow et ses rimes. Le travail sur l’image est décevant mais la musicalité du projet, au format intelligent de 11 titres, prime sur tout le reste.

En restant proche de 1995, PLK réussi à digérer cette influence et en fait bon usage. Issu de cette école du freestyle, de la performance, la confection de morceaux aboutis est une activité récente pour le membre du Panama Bende. Cette expérience permet à la musique de PLK, d’acquérir une forme d’authenticité crédible au sein du milieu rap.
Au contact des multi-talents de l’ingé son a.k.a. DeLaFuntes (Krisy), le jeune rappeur d’une vingtaine d’année fait preuve de maturité dans le choix des productions et dans la méthode dont il bâti sa sphère musicale.
Avec une technique très contemporaine, le emcee (âgé de 17ans lors de son premier Bataclan) arrive à l’aide de son placement de rimes à transmettre une énergie sincère, ressassant les codes employés aux prémices d’un rap « old-school » ; un sentiment de nostalgie sans paraître archaïque. A souligner le retour du storytelling sur le morceau « Casino », exercice maîtrisé pour ce technicien.

Valeur sûre, l’avenir du paysage musical sera composé de PLK. Avec cet EP, signé chez Panenka Music (label de Fonky Flav), le jeune rappeur, arrive à imposer son art sans trahir sa horde. Captivant en solo, avec son aisance à attirer les regards, un charisme naturel, sa carrière est à suivre avec attention.

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Ipséité c’est l’album de la temporalité.

Depuis la sortie de l’album, le titre n’est plus à définir. Une personnalité évolue dans le temps et semble donc insaisissable. A l’image de cette quête, ce qui caractérise la musique de « Ipséité » c’est ça durée de vie. Dans la chronologie chaque chanson a de manière distincte, un début et une fin de vie. A l’inverse d’un freestyle, Damso appréhende l’instrumental et se sert de cet outils pour chanter sa tristesse, rapper. Derrière un rideau sale, les chansons vont alors dévoiler une histoire, un décor, puis une ambiance amplifiée par la parfaite maîtrise de la puissance du flow. La force du narrateur réside dans sa sensibilité personnelle enfouie dans un être à l’apparence tourmentée. L’équilibre entre la musicalité et la dureté du propos élève Damso dans une sphère d’artistes difficiles à caser mais identifiable à la première vibration ; s’appuyant sur un passé assumé.
Au sujet des productions, l’oreille de l’artiste belge ne permet pas le débat et accorde les auditeurs sur son talent concernant sa fibre musicale, qui sonne parfois proche de la chanson française au sens noble. Un exercice qui semble indissociable de sa personnalité, preuve de sa vision pointue.

Sans aller vraiment au bout des thèmes, le jeune rappeur offre sa version parfois dérangeante de la société de consommation sans jamais lâcher l’auditeur, tenu par les multiples qualités présentent dans « Ipséité ». Si la flamme d’un artiste s’éteint lorsqu’il trouve sa voie, espérons que la voix de Damso ne cesse de conter les histoires de sa recherche de personnalité.

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Masque de chair est un album qui attise la réflexion, Scylla part à la quête d’une identité dissimulée.

Moins tourmenté, plus lumineux, le belge dévoile une facette évidente de son identité: il est un parolier de talent. Sa facilité d’écriture et son choix de productions grandioses parfois mélancoliques, lui permettent des interrogations, subtilement abordés sur ce sujet complexe. Une voix incroyable portée par une technique naturelle, Scylla fait preuve d’une large ouverture musicale.

Habité par un devoir de transmission, cette sincérité bouleverse la curiosité. La suite de la carrière de cette force munie d’une plume semble prometteuse.

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Morale 2 est le projet qui synthétise la forme du rap actuel.

La dextérité de Roméo Elvis accordée aux productions aériennes de Le Motel, intègrent cet album dans un paysage avant-gardiste connoté d’éléments d’archives.
Paysage construit par les architectes d’un rap alternatif du début des années 2000 (représenté par Grems) et du retour rap technique qui est en mutation (ici Lompeal).
Ce décor est nuancé par les influences musicales variées des protagonistes (Roméo cite Hendrix, Rage Against the Machine, Mc Solaar…) ; La présence de Jan Paternoster (Rock) illustre cette variété.

Roméo Elvis est finalement le rappeur qui a le mieux compris le classique « Classez-moi dans la variet’ ».

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La complexité du passage de l’adolescence à l’âge adulte.

L’auditeur adore ou déteste Columbine. Le premier album "Clubbing for Columbine" ayant apriori fait office d’entonnoir, seuls les curieux et les chanceux de la sélection naturelle, peuvent accéder à "Enfants Terribles" qui pourtant est susceptible d’atteindre un plus large auditoire.
Malgré un projet qui semble plus ouvert, l’analyse complexe, délivre le premier point positif de l’album des niños. La force du collectif est, l’aisance avec laquelle ils incitent à la réaction hâtive, qui devient maladroite face à l’œuvre complète.
A l’image d’un désordre ambiant d’une chambre adolescente, chaque phrases est posée minutieusement à l’endroit idéale de l’album. Les productions ressassent l’incompréhension des parents quant à la musique qui s’échappe de cette pièce malgré leurs qualités indéniables.
Les constructions de rimes sont simples mes percutantes, les phases rappées par Foda C et Lujipeka atteignent un haut niveau. Des thèmes intéressants comme la banalisation du fameux « Je suis Charlie » ou de l’ennui et une utilisation intelligente du plugin Auto-tune notable. Mention spéciale au morceau « College Rules » qui transpose l’ambiance du film « Elephant » de Gus Van Sant, chère au groupe.

Sous une apparence chétive, Columbine délivre avec une force incroyable un album majeur du rap français et s’y impose comme un acteur incontournable.

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Olaf c’est l'univers du meilleur Rookie.

Au sein de la nouvelle école, le projet d’Eden Dillinger est notable. Après un coup d’essai réussi avec le High Five Crew, la carrière solo du rookie prend un nouveau tournant (à l’inverse de Lady Di).
La recette de ce projet, très réussi, rassemble tous les ingrédients. Eden pur produit de la génération « L’entourage », se sert du meilleur dans cette époque révolutionnaire du rap. Le succès, Nekfeu en tête d’affiche, a ouvert des portes à la nouvelle génération qui arrive avec une maitrise évoluée combinée à une certaine fougue. Eden Dillinger est l’héritier de Espiiem, pour la maitrise du flow et la direction artistique, et de Fonky Flav’ pour le management.
Le projet déboule comme un album de rock, l’artiste ose des prises de risques : chant, voix travaillées et des choses parfois étrange. Les innovations sont payantes, sa technique assure la qualité de l’album et les références sont plaisantes.

Olaf appartient à une liste d’albums, qui permet aux groupies de rappeurs comme Eden Dillinger, d’écouter du rap de qualité, impensable quelques années en arrière.

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Drapeau Noir est l’étendard que Lord Esperanza a hissé pour déclarer la guerre au rap morne.

L’artiste, soutenu par Majeur-Mineur, à la manière d’un directeur artistique a su s’imprégner du meilleur afin de façonner un projet de qualité. Le travail sur l’image est maitrisé, le format est contemporain, les productions tabassent et la technique est à son apogée sur des thèmes intéressants.
Sur ce court format, le jeune insolent semble tellement aisé, que son futur en devient excitant.

(« Je fais paisiblement ce qu'ils font péniblement ») - Emily

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Rythmes et botanique est un EP audacieux qui permet de redécouvrir un artiste dont on n’attend pas de surprise.

Gaël Faye n’a plus à prouver sa qualité d’écriture, entre poésie (« Paris-métèque ») et texte incisif (« Irruption »), le chanteur semble libéré musicalement. Moins de cuivres, des productions très mélodieuses s’appuyant sur des marqueurs hip-hop qui tendent parfois vers l’électro. Le projet offre 5 morceaux très riches, l’artiste créé une harmonie entre la force des textes et le rythme offrant un mélange incroyable.

Avec cet EP, Gaël Faye brûle son étiquette d’artiste aseptisé, il prend des risques et c’est réussi.

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P’tit con, cas d’école.

Après une longue attente, une grosse quantité de freestyles, Le Bon Nob revient avec ce "P’tit Con" au meilleur rap.
L’artiste puise sa singularité dans un rap très pur, c’est le premier de la classe au sein de l’école du micro d’argent. Pas de compromis pour Le Bon Nob, un flow technique, capable d’accélérations – le morceau « Des couplets » est incroyable. D’agréables story-telling jouissent de schémas de rimes très intéressants, en s’adressant directement à l’auditeur, l’auteur permet d’investir l’album.
La faiblesse de l’album se trouve dans le nombre de pistes et l’organisation de la tracklist. Malgré une longue période gestation quelques rimes semblent forcées pour les jeux de mots. Problème récurrent pour un chanteur technique.

Bien veillant et festif malgré une dimension scolaire, le projet est facile d’accès, cool à écouter. Un exercice difficile réussi pour cet artiste qui prend le temps de la production.