Alors ce film ??? LA BANDE SON est une TUERIE

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POUR INFO:

Les chansons (10) de cette comédie musicale ont été composées par le chanteur Paul Williams qui incarne également le rôle de Swan, lequel personnage apparaît être une caricature du producteur américain Phil Spector.

Dans la scène où Swan se félicite des modifications de la voix de Winslow après lui avoir ajouté des filtres audio, c'est en réalité Paul Williams que l'on entend chanter.

Le groupe du film the Juicy Fruits est un hommage au groupe Juicy Lucy qui fut celui de Paul Williams en 1970.

Le groupe français de musique électronique Daft Punk se serait (selon Paul Williams) grandement inspiré du film dans leur décision de se cacher derrière des masques.

https://www.youtube.com/watch?v=az7qk9IzMTQ

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POUR INFO:

Requiem for a Dream - Original Music Composed by, du compositeur britannique Clint Mansell (featuring the Kronos Quartet), est la bande originale distribué par Nonesuch. Deux titres de cet album, Bialy & Lox Conga et Bugs Got a Devilish Grin Conga, sont composés et interprétés par le groupe The Moonrats.

Un morceau de la BO du film est samplé sur la chanson Throw it up de Lil' Jon sur son album Kings of Crunk.

Le morceau En mode pause du rappeur français Mystik est également samplé sur la musique principale du film.

Le morceau Chérubin issu de l'album Rock (2004) du groupe Pleymo fait référence au film.

https://www.youtube.com/watch?v=yVIRcnlRKF8

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POUR INFO:

Tyler Bates commence à travailler sur la bande originale du film en novembre 2007 en prenant comme inspirations celles du Sixième Sens, de Blade Runner et de Police fédérale Los Angeles38. Les parties les plus orchestrales de la musique sont interprétées par l'ensemble Hollywood Studio Symphony39. Le principal défi que Bates doit relever est d'assurer une transition musicale efficace entre les différentes chansons célèbres qui sont également utilisées dans la bande originale40. Une version rallongée de The Times They Are a-Changin' de Bob Dylan est utilisée pour le générique de début, alors que le groupe My Chemical Romance reprend une autre chanson de Dylan, Desolation Row, pour celui de fin.

La musique du film reprend aussi, pour les scènes sur les origines du Dr Manhattan, deux morceaux composés par Philip Glass pour le film Koyaanisqatsi (1982)41. Deux albums différents, Watchmen: Music from the Motion Picture (pour les chansons) et Watchmen: Original Motion Picture Score (pour la musique originale), sortent le 3 mars 2009 chez Reprise Records et Warner Bros. Records. Certaines chansons que l'on peut entendre dans le film, 99 Luftballons de Nena et une version muzak de Everybody Wants to Rule the World de Tears for Fears, ne figurent pas sur le premier album.

http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18823831&cfilm=57769.html

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BO pas comme les autres. Aussi électrique et décalée que peuvent l’être les Gardiens et composée de morceaux cultes des années 70 et 80, cette partition reflète littéralement l’âme du film, et surtout celle du personnage principal Peter Quill: Cette vieille cassette audio que sa mère lui a laissée avant de mourir représente son dernier souvenir de la Terre et des années 80, auxquels il fait souvent référence avec nostalgie.

Plus qu’une très bonne compil pop des 70s concoctée avec amour par maman Quill, la BO des Gardiens de la Galaxie est donc avant tout l’alter-ego musical de Peter, qui le suit partout dans son vieux walkman.

http://www.dailymotion.com/video/x28eog9_awesome-mix-vol-1-gardiens-de-la-galaxie-bo_tv

Donc un énorme coup de coeur pour cette BO qui fut foudroyant dès où j'ai entendu MON CLIP FAVORI et totalement déjanté (ce que je préfère) que je recommande à VOLONTE:
https://www.youtube.com/watch?v=PJQVlVHsFF8

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POUR INFO:

La trame sonore du film fut composée par Ennio Morricone, collaborateur régulier de Leone. Sa musique fut en grande partie écrite avant le début du tournage, ce qui représentait une amélioration par rapport aux films précédents, où des limitations de budget ne permettaient pas une telle flexibilité. Ainsi, Sergio Leone put faire jouer une partie de la musique sur le plateau de tournage. Cela créait l'atmosphère de la scène et influençait clairement les interprètes. Cette méthode plaisait beaucoup à Clint Eastwood.

Les compositions uniques de Morricone, dans lesquelles il utilise des détonations, des sifflements (d'Alessandro Alessandroni) et du yodel contribuent à créer l'atmosphère qui caractérise le film. Le thème musical principal, semblable au hurlement d'un coyote, est une mélodie de deux notes devenue célèbre. Dans le début du film, ce thème est exécuté d’une façon originale : deux voix masculines vocalisent en duo, l'une criant « Ah ! » et l'autre « Eh ! ». Les « Aaah ! » et les « Eeeh ! » mêlés imitent l’animal et selon Morricone évoquent la férocité animale de l'Ouest sauvage. On utilise ensuite ce thème dans le film pour représenter les trois personnages principaux, en utilisant un son différent pour chacun : une flûte soprano pour Blondin, un ocarina de type arghilofono pour Sentenza et une voix humaine pour Tuco. Cette mélodie se répète tout au long du film comme un leitmotiv appuyant l'entrée en scène ou la sortie d'un personnage.

Sergio Leone ne souhaitait pas que la musique se limite à la répétition des thèmes de chaque personnage, et en attendait un rôle complexe, passant de l’humour au lyrisme, tragique et baroque. La musique devait être un accompagnement de l’histoire, marquant soudainement les changements de rythme, comme lorsque la diligence fantomatique sort de nulle part, au milieu du désert, ou accentuant l’aspect tragique de la séquence du camp de concentration, lorsqu’un orchestre de prisonniers couvre les cris des torturés.

La bande originale fut publiée en 1966 et obtint un grand succès, tant auprès du public que de la critique : l'album se classa en quatrième position du Pop album chart du Billboard Magazine au cours de l'année 1968. Une nouvelle édition fut publiée par Capitol Records en 2004, contenant des morceaux supplémentaires, tirés du film.

Pour plus d'anecdotes: https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Bon,_la_Brute_et_le_Truand#Musique

Place au son:
https://www.youtube.com/watch?v=NjdCcKTXn-Q

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POUR INFO:

La musique du film a été composée et dirigée par Ennio Morricone une fois de plus, complice de Sergio Leone. Selon certaines interviews du compositeur, Leone lui aurait fait refaire le travail vingt fois avant de se déclarer satisfait. La musique était jouée sur le plateau durant le tournage afin de mieux imprégner les acteurs - comme pour le Bon, la Brute et le Truand.

Chacun des quatre thèmes principaux est joué à l'apparition d'un personnage du film. L'harmonica désaccordé pour Charles Bronson, une séquence grinçante à base de cordes puis s'étendant à tout un orchestre pour Frank, une phrase très séquencée pour Cheyenne. Pour Jill, une séquence de ragtime, ou une mélodie romantique, avec des voix angéliques3.

L’accompagnement musical, lui aussi très célèbre de Morricone, accentue les effets, de sorte que la théâtralisation de l’image et la musique très expressive font penser à un grand opéra baroque. La musique et l'image procèdent en effet l’une de l’autre, se nourrissent l’une de l’autre. Il suffit d’évoquer la terrible séquence des deux frères, l’aîné juché sur les épaules de son cadet jouant de l’harmonica, dont toute la force provient précisément de cette alliance intime entre ce qui est montré au travers d’une image saisissante et ce qui est entendu dans une partition musicale allant crescendo.

Il était une fois dans l'Ouest est un album de Ennio Morricone, sorti en octobre 1969, comme bande originale du film Il était une fois dans l'Ouest. Sur cet album, l'orchestre est dirigé par l'auteur.

https://www.youtube.com/watch?v=juqTxbUiYnQ

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La bande-son du film reprend de nombreux standards du rock. Certaines chansons sont toutefois anachroniques puisqu'elles ont été enregistrées après 1966, année durant laquelle se déroule l'histoire du film.

https://www.youtube.com/playlist?list=PL6498D882FAC79A40

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https://www.youtube.com/watch?v=pr2RWS1mZTo

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POUR INFO:

Aucune musique originale n'est composée pour le film, Quentin Tarantino préférant utiliser à la place un assortiment de morceaux de pop, de soul, de surf music et de rock 'n' roll. La reprise de Misirlou par Dick Dale est le morceau que l'on entend pendant le générique de début du film. Le réalisateur explique son choix d'introduire de la surf music dans la bande originale en disant qu'elle « ressemble à du rock'n'roll de western spaghetti». Certaines chansons ont été suggérées à Tarantino par ses amis Chuck Kelley and Laura Lovelace, qui sont crédités en tant que consultants musicaux. Lovelace apparaît également dans le film dans le rôle d'une serveuse, rôle qu'elle a repris dans Jackie Brown. Le réalisateur a aussi pensé utiliser My Sharona, des Knack pour la scène du viol de Marsellus Wallace avant d'y renoncer car l'effet aurait été trop comique.

L'album, sorti le 27 septembre 1994, a atteint la 21e place du classement Billboard 200, alors que la reprise de la chanson de Neil Diamond, Girl, You'll Be a Woman Soon, par le groupe Urge Overkill est parvenue à la 59e place du classement Billboard Hot 100. La musique du film a également remporté le prix de la meilleure bande originale aux Brit Awards en 1995. La combinaison de chansons peu connues, représentatives d'une sous-culture basée autour d'un style de vie résolument apolitique, avec des classiques comme Son of a Preacher Man ou Flowers on the Wall a été décrite comme jouant un rôle important dans la reconnaissance du film en tant qu'œuvre postmoderne et dans son lien le rattachant à un public jeune et cinéphile. La bande originale est composée de 20 titres qui sont, pour sept d'entre eux, des extraits de dialogues du film. Une version collector en double CD a été commercialisée en 2002. Elle contient les titres remastérisés de la première version ainsi que cinq titres bonus et une interview de Tarantino.

https://www.youtube.com/watch?v=Y4cLmXml8O0

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https://www.youtube.com/watch?v=1_xgecR0ifo

https://fr.wikipedia.org/wiki/Conan_le_Barbare_(film)#Bande_originale

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La bande originale a une place prépondérante dans Drive. Elle sort en France sur le label français Record Makers et aux États-Unis sur le Lakeshore Records. La plupart des morceaux dans un style électro-pop sont composés par Cliff Martinez, qui a travaillé sur la bande originale de Sexe, Mensonges et Vidéo, bande originale dont Refn est particulièrement fan. Refn désire une musique électronique et de temps en temps abstraite pour que les spectateurs puissent voir les choses du point de vue du chauffeur. Il donne un échantillon de chansons qu'il aime à Martinez et lui demande de composer dans cette veine-là ; il en résulte une bande originale « un peu rétro, années 1980, europop au synthétiseur ». Matt Newman, monteur attitré de Winding Refn, suggère à ce dernier que la chanson d'ouverture du film soit Nightcall, du compositeur de musique électronique français Kavinsky.

Winding Refn cherche dans le catalogue du mixeur Johnny Jewel, et choisit Under Your Spell du groupe américano-canadien Desire et A Real Hero du groupe français College parce qu'il imagine Drive comme un conte de fée. Au climax du film, la mélodie au synthétiseur de la chanson A Real Hero. Ce titre illustre la transition, la scène de l'ascenseur avec le changement de statut du conducteur. Dans un premier temps, Jewel s'inquiète d'un titre peut-être trop littéral. Mais il est convaincu en visionnant le film, trouvant également que Under Your Spell est utilisé « exactement de la même façon qu'il le ressentait quand il l'a écrit. Refn a définitivement capté la tonalité de la chanson, et compris ce qu'elle était supposée signifier, et il a voulu transmettre cette émotion-là au spectateur.

Le mixeur Johnny Jewel explique à Nicolas Winding Refn que la musique doit être considérée comme un élément de base du film et que pour certaines scènes, la basse doit être évitée afin d'être utilisée spécialement pour les parties émotionnelles ou de mauvais augure, ce qui renforcera son effet. Jewel pense que la musique devrait être dans un registre onirique. Pour s'aider dans le processus d'écriture, il évoque des mélodies ; le mixeur effectue une procédure où il a souligné de nombreuses phrases du roman, puis imprimés ces mots en gros caractères et les a accrochés sur les murs où sont dessinées des images lors du visionnement du film.

https://www.youtube.com/watch?v=bSdvSXJblzk

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Le film allie chansons inédites et compositions déjà existantes. Parmi les titres inédits, 100 Black Coffins de Rick Ross coécrit et produit par Jamie Foxx, Who Did That to You? de John Legend, Ancora qui d'Ennio Morricone et Elisa et Freedom d'Anthony Hamilton et Elayna Boynton. Un mashup de Untouchable de Tupac Shakur et The Payback de James Brown se retrouvent dans le film.

Frank Ocean a enregistré une chanson pour le film, que Tarantino a rejetée : « Ocean a écrit une ballade fantastique, c'était très romantique et poétique, mais il n'y avait tout simplement pas de scène pour ça. » L'artiste a cependant dévoilé le morceau, Wiseman, sur internet.

La bande originale est commercialisée le 18 décembre 2012. Dans le livret de l'album, Quentin Tarantino explique ne pas avoir voulu utiliser des versions numériques des musiques, mais bien les versions de ses propres disques vinyles avec tous les « pops and cracks »

https://www.youtube.com/watch?v=_srXkgV8dis

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Le compositeur Howard Shore commence à travailler sur la musique du film dès sa phase de production. L'essentiel de la bande originale est enregistrée à Londres, Shore dirigeant le London Philharmonic Orchestra pour l'occasion. Le thème musical de la communauté évolue tout au long du film pour prendre différentes nuances, étant au départ une simple ritournelle, trouvant sa pleine dimension héroïque lors du départ de Fondcombe, puis devenant plus mélancolique à la disparition de Gandalf.

Pour le thème de la Moria, Shore fait appel à une chorale de chanteurs polynésiens, qu'il enregistre en Nouvelle-Zélande. Il introduit un thème exotique pour la Lothlórien, en utilisant des instruments africains et indiens, et un thème industriel en rythme 5/8 pour l'Isengard. La chanson In Dreams, écrite par Fran Walsh, est chantée par Edward Ross, un jeune garçon de douze ans, accompagné par un chœur d'enfants. L'artiste irlandaise Enya participe au film en chantant Aníron et May It Be

https://www.youtube.com/watch?v=bfnfUzUP8Xg

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George Lucas souhaite au départ faire un montage de musique classique et de musique de l'âge d'or du cinéma américain pour illustrer son film. Alors qu'il en parle avec son ami réalisateur Steven Spielberg, ce dernier lui conseille d'engager pour ce travail John Williams avec lequel il a travaillé pour Les Dents de la mer. Après avoir rencontré le compositeur, Lucas l'engage. Williams visionne alors un pré-montage de cent quarante minutes du film puis choisit avec Lucas les emplacements de la musique, leur durée et le style des thèmes joués. Le réalisateur souhaite un thème différent pour chaque personnage principal à la manière de Pierre et le Loup (1936) de Sergueï Prokofiev et de la bande originale de Robin des Bois (1938) d'Erich Korngold. Le thème Star Wars ressemble d'ailleurs au motif de Crimes sans châtiment écrit en 1942 par Korngold associé à des musiques d'Edward Elgar et de Gustav Holst. Pour le thème des Jawas, Williams s'inspire des marches d'Igor Stravinsky. La scène du bar n'est pas prévue au départ dans la partition de Williams. Mais, comme elle comporte un groupe de musiciens extra-terrestres, Lucas demande au compositeur de réaliser un air de « Jazz extra-terrestre ». Il compose alors deux morceaux, Cantina Band à la manière de Benny Goodman et Cantina Band 2 à la Duke Ellington.

Arrivé à la fin de son travail d'écriture, Williams demande à Lucas de lui octroyer un véritable orchestre symphonique pour l'enregistrement. Le réalisateur lui répond qui n'a plus assez d'argent pour cela. Par chance, Williams est ami avec André Previn, l'administrateur de l'orchestre symphonique de Londres. Il parvient à convaincre celui-ci de lui laisser la direction de l'orchestre pour l'enregistrement de la musique du film. L'enregistrement se déroule au studio Denham en Angleterre du 5 au 16 mars 1977. Présent lors du second jour d'enregistrement, George Lucas est enchanté par le travail du compositeur et le félicite grandement.

La bande originale du film sort en CD en 1986 dans une version écourtée sous le label Polydor. Dix ans plus tard, une version longue de la bande originale est rematricée d'avril à juin 1996 par Dan Hersch sous la direction de Michael Matessino. Cette nouvelle version est commercialisée en 1997 pour accompagner la sortie de l'édition spéciale du film.

https://www.youtube.com/watch?v=sFvQOc4xS2k

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https://youtu.be/D8DLdXwrDEI

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https://youtu.be/r4WlNj1TTqA

L'ouverture de « The Grid » se caractérise par des notes lentes et tenues jouées par des cuivres. Puis la musique évolue en vitesse et en dynamique sonore. À sa vitesse maximale, un synthétiseur joue la ligne de basse en ostinato. Pour ce choix musical, Philip Glass disait : « J'ai choisi de larges et lents clusters de cuivres ... une vision allégorique de ce qu'il y avait à l'écran ... Ce n'est pas vraiment important que des nuages sonnent comme des cuivres ... mais que le choix de cuivres soit une décision artistique convaincante »

La musique du film devint si populaire que le Philip Glass Ensemble fit une tournée mondiale, jouant devant un écran où était projeté le film Koyaanisqatsi.

La bande originale fut publiée en 1983, après la sortie du film. Alors que la musique accompagne l'ensemble du film, la durée de la bande originale n'est que de 46 minutes et ne contient pas l'ensemble des compositions. En 1998, Glass réenregistrera l'album, intitulé Koyaanisqatsi, qui sera publié chez Nonesuch Records. Cet enregistrement contient deux pistes additionnelles et des versions plus longues que dans l'album original.

La version complète de l'enregistrement fut publiée en CD en 2009 sur le label de Glass Orange Mountain Music

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https://youtu.be/I1-uzsfFjss

La bande originale du film, Gladiator: Music From the Motion Picture, a été composée par Hans Zimmer et Lisa Gerrard. L'album est sorti en 2000, un peu avant la sortie du film, produit par Decca Records. L'orchestre est conduit par Gavin Greenaway.

La musique du film a remporté plusieurs prix cinématographiques, dont le Golden Globe de la meilleure musique de film, et a été nommé pour l'Oscar et le BAFTA Award de la meilleure musique de film, mais ces derniers furent remportés par le film de Ang Lee, Tigre et Dragon (Wo hu cang long).

Les chants de Lisa Gerrard sont similaires à ceux qu'elle a chanté pour la bande originale de Révélations. Certaines musiques accompagnant les scènes de bataille ont des similitudes avec Mars, the Bringer of War de Gustav Holst, et en juin 2006, Hans Zimmer est poursuivi en justice par The Holst Foundation pour violation du droit d'auteur. D'autres ressemblances musicales ont été relevées à propos de la scène de l'entrée triomphale de Commode à Rome, évoquant le prélude de Das Rheingold et la marche funéraire de Siegfried dans Götterdämmerung, qui composent le cycle Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner. Le chant de guerre germain de la scène d'ouverture est emprunté au film Zoulou, l'un des films préféré de Ridley Scott. Enfin, le morceau lent qui intervient à la fin de cette même scène reprend un thème d'un téléfilm de 1988, The Secret of the Sahara, mis en musique par Ennio Morricone.

Un deuxième album est sorti en 2001, proposant 18 chansons additionnelles tirées du film (incluant des remix) et reprend également des dialogues du film.

En 2003, le ténor Luciano Pavarotti a chanté une version d'une des pistes entendues dans le film, et a ajouté qu'il regrettait avoir refusé l'offre initiale de chanter pour la bande originale.

Le 5 décembre 2005, Decca a édité Gladiator: Special Anniversary Edition, une édition spéciale de deux CD, contenant les deux disques précédemment produits.