Créer une liste "Albums de 2017" - a.k.a Comment passer inaperçu sur SC

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-Avant-folk-

Compositions ingénieuses, jeu de guitare renversant, voix lancinante et lamentable, sens de la narration incroyable. Les choeurs de "Weaver" me hantent depuis ma première écoute. Toutes les mélodies résonnent dans ma tête, si mélodie il y a. Peasant dégage un aura si attachante, si misérable, si mystérieuse, si réconfortante. Gros coup de coeur du mois de juin.

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-Post bop-

Difficile de dire ce qui m'empêche de coller une note parfaite à ce nouvel opus de Vijay Iyer, entouré aujourd'hui d'un sextet qui, je l'espère, ne s'en ira pas de si tôt. Le pianiste teint ses mélodies d'abstraction et de dissonances, pendant que Steve Lehman et son saxophone brillent par leur jeu à la fois éclatant et ténébreux, ; le ténor Mark Shim n'oublie pas d'ajouter de la nuance avec ses contre-mélodies ou tout simplement en venant soutenir le jeu des deux précédents jazzmen ; Tyshawn Sorey tient un rythme souple qui permet aux joueurs de colorer au mieux le paysage resplendissant de Far From Over, sans oublier d'insuffler un groove diabolique à l'ensemble ; groove qu'on ne pourrait qualifier de diabolique si ce n'était pour la créativité de Stephan Crump, qui tient la basse ; finissant par le discret mais non moins brillant Graham Haynes qui teinte avec tendresse le sextet, à l'aide de son bugle et son cornet, d'une atmosphère plus posée et plus cool, contrastant avec l'aspect - à la limite - agressif de la section cuivre. Difficile de trouver des failles dans la composition de l'album ou dans la cohésion des joueurs, le sextet est complet, le résultat est incroyable.

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-Instrumental hip hop, glitch, plunderphonics-

fjnekln

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-Indie rock-

C'est en tant qu'ensemble que brille Sleep Well Beast. L'atmosphère dramatique et caustique que pose Matt Berninger au fil des textes est réussie, jonglant avec la satire et le sérieux, le politique et l'insouciance, le réel et l'idéal, l'amour et la mort. L'instrumentation est variée, avec des soupçons d'électronique et de synthétiseurs, un semblant d'orchestre symphonique lorsque les violons s'élèvent par delà les guitares, un combo basse-batterie relaxe et énergique (le tout à la fois, oui oui), et un piano prédominant qui donne à l'album une structure solide et efficace.

Cfr. ma critique pour plus de détails

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-Art pop-

Coup de coeur instantané. Mega Bog est un petit groupe de Brooklyn qui s'est crée autour de la voix et des idées de la multi-instrumentiste Erin Birgy. Cette dernière, non-contente de la scène expérimentale New-yorkais, a décidé de faire les choses à sa manière. En invitant saxophones et clarinettes, synthétiseurs et piano, Erin s'improvise chef d'orchestre pour crée une cacophonie surréelle. La dimension pop qu'elle injecte dans son projet se fracasse contre le free jazz insufflé par Zach Burba et Will Murdoch des IJI, ses ballades enfantines à la guitare se juxtaposent au kitsch théâtral des synthétiseurs, la douceur de ses mots contraste avec l'atmosphère jouïssiviement ténébreuse du saxophone. Happy Together est sans aucun doute l'un des plus au sommet de la pop féminine de cette décennie, rivalisant déjà avec les monstres que sont Julia Holter et Jenny Hval. Sur Happy Together, les hits croisent l'expérimentation, passant de l'un à l'autre, ce d'une manière si cohésive qu'on se demande comment un mariage tel peut exister. Et on ne rêve pas, ce mariage est bien réel, et Erin Birgy vous salue.

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-Singer-songwriter, folk-

https://youtu.be/QglFGVDcuX8

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-Chamber music, minimalism, drone-

Trois pièces modernes, oscillants entre minimalism et drone, écrites avec des accords et tonalités d'inspiration Renaissance, destinées à être jouées sur un type d'orgue précis - en l'occurrence des Scherrer - qui permettent l'utilisation des tempéraments mésotoniques et micro-intervalles requis par la composition For Organ and Brass. Ladite composition est exécutée à l'aide d'un trio de cuivre (d'où le "brass" dans le titre), léger et discret, et du fameux orgue, le tout sous la direction de la jeune musicienne allemande Ellen Arkbro. S'ils vous est déjà arrivé de vous demander la signification exacte du mot "blissful" en anglais, écoutez For Organ and Brass. Ces pièces vous donneront une illustration adéquate de sa définition.

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-Jazz fusion, post-minimalism-

Wacław Zimpel, tête pensante de Saagara, souhaitait pour cet album être " (...) a bridge between Indian sounds and Western music logic in order to go against some popular trends". L'orchestre polonais d'origine majoritairement indienne, nommé Saagara, réalisa ce souhait lors de l'enregistrement de 2 à Bangalore. "Fusion" ne se rapporterait pas seulement ici au style de jazz qu'on essaie d'apposer l'album. Car la seule fusion que j'entends s'établit entre la musique traditionnelle indienne et les musiques d'inspiration occidentales - comprenez minimalisme, classique et jazz -. Et cette fusion fonctionne à merveille : les percussions carnatiques idiophones et membranophones maitrisées par les musiciens indiens subliment le jeu de clarinette exécuté par Wacław Zimpel. Une touche de violon ajoute de surcroit un aspect drone à l'ensemble, pendant que le producteur berlinois mooryc nous rappelle à la réalité en ré-équilibrant la fusion jusque là à dominance sud-indienne, en renforçant l'album d'instruments européens divers. Se dégage des compositions de Zimpel une sérénité parfaite. L'ambiance est pacifique lorsque que les claviers sont à l'honneur ("Morphidia"), cosmique lorsque le trouble violon-clarinette-percussions est mis en avant ("Uprise"). A vrai dire, il ne manque que le chant dans cet album pour le qualifier de spiritual jazz. Cette approche des raga (pratique musicale carpatique par excellence) est nouvelle pour moi et il ne va s'en dire que j'en suis comblé.

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-Progressive electronics-

En phase avec les textures transcendantes de Sevendeaths. C'est magnifique. L'atmosphère qu'il crée à l'aide de samples, synthés et d'enregistrements de violons et trompettes captés en live est tout simplement sublime. Il s'est dit inspiré de Bernard Parmigiani, Coil et Terry Riley pour achever Remote Sympathy, une aventure lunaire évoquant la fragilité et les failles de l'esprit humain.

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-Post industrial-

Ben Frost tempère sa patte habituellement froide et sévère avec des signaux électroniques doux et chaleureux sur ce nouvel album. La mécanique précise et martelante d'Aurora m'avait refroidi à bien des égards. Une écoute m'avait suffit : plus jamais je n'écouterais ce terroriste du son. Puis, au hasard d'une écoute de son récent The Wasp Factory, j'ai repris foi en ce musicien ; le mélange étonnant d'industrial avec de la musique d'opéra a éveillé mon appétit pour la suite des évènements. The Centre Cannot Hold est un disque qui appelle ma sympathie. Les synthétiseurs peuvent paraître cinglants au premier abord, mais les considérer comme des ennemis serait faire une erreur. Au contraire, la cacophonie sortant des machines de cet artisan australien enflamme mes oreilles, m'enthousiasme à la manière des premiers albums de tonton Tim Hecker.

Le résultat est sans appel pour moi : The Center Cannot Hold a une dynamique impeccable et possède une solidité et une cohésion telle qu'elle fait passer Aurora pour une démo. Un album à garder au chaud sur le coin de l'étagère, à ressortir lors du prochain blizzard hivernal pour réchauffer les membres engourdis de mon être.

Petit plus : la teinte de blanc sur la gauche de l'album. Ca mérite un coeur.

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-Indie pop-

Nous sommes début septembre, vous tombez par hasard sur ce groupe qui méconnait l'orthographe correcte du mot 'always'. Le bouton play est enclenché, In Undertow se met en route. Trente minutes se passent. Forget About Life s'étouffe dans ses dernières notes de guitare.

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-Kelly Lee Owens-

Oui, "Kelly Lee Owens" inventerait presque son genre à elle en ce moment. Depuis Londres, elle nous sort un album mêlant pop, dub, ambiant, house ... Rien que ça. Et ça secoue!

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-Psychedelic, Garage, Krautrock-

Le premier des cinq albums à paraitre pour 2017. Et à l'écoute de Flying Microtonal Banana, l'année s'annonce rock'n'roll, coco.

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-Hypnogagic pop-

En voilà un digne successeur à Pom Pom. Si le Hauted Graffiti possède une renommée bien établie parmi les fans de pop lo-fi, la carrière solo d'Ariel Pink ne fait que débuter. Brillant début s'il en est. Pom Pom était un bonbon plein d'arrangements loufoques et de paroles insensées, Dedicated to bobby Jameson poursuit la folie burlesque du monsieur aux cheveux roses. Mais plus sérieusement cette fois-ci : au placard les riffs plagiés ironiquement, les effets sonores bouffons et les textes candides et enfantins. Place maintenant à une hypnogagic pop grandie et glorieuse, faite d'arrangements mélodieux, savoureux, et plus inventifs que jamais. L'album est très concis, alors que sa durée frôle les 50 minutes. Ne dit-on pas que le temps passe vite quand on s'amuse?

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-Drone, medieval-

J'ai rien compris à ma vie c'est génial. Déjà que ce putain de drone au violon/cornemuse m'a foutu à quatre pattes, j'ai jubilé à l'instant où la voix est apparue. Vielle à roue, boîte à bourdon, j'avais encore aucune idée de l'existence de ces instruments y a une heure de cela. L'histoire contée par le ménestrel est difficile à suivre, mais les bribes de phrases qui retiennent mon attention me mettent bien dans l'ambiance "revival" XIVè siècle. Ne craignez guère Dame Aliénor, mon destrier m'aidera dans ma quête, vous libérant des donjons sordides du Roi d'Angleterre. Putain merci Guy Strume pour la reco.

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-Industrial, Bass music, power noise-

Troisième album de l'évadé des Fuck Buttons. On retrouve ce que Blanck Mass sait faire de mieux, et encore plus : de la vaporwave (Minnesota/Ears For/Naked), de la musique concrete (John Doe's Carnival of Error), de l'UK Bass (Please, Silent Treatment) et puis de l'industrial, beaucoup d'industrial qui tape fort (Rhesus Negative, The Rat).
World Eater est un pot pourri de sons qui fracassent tes tympans, tout en les faisant doucement vibrer.
Y a de quoi faire lever mamie de sa chaise au final.

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-Progressive electronics-

Il se passe pas mal de chose sur ce disque. Particulier et unique, c'est comme si on avait Boards of Canada qui revisitait le répertoire de Pharoah Sanders avec des musiciens live. James Holden se serait pas mal inspiré des musiques orientales, surtout en provenance du Maroc (musique gwana), et ça s'entend fort dans les percussions. Le rythme est dansant, construit comme du jazz classique mais fait à base de séquenceurs et synthétiseurs modulaires. Bref un disque qui appelle à l'élévation, à la transcendance, spirituel et chamanique à souhait.

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-Death doom metal-

Eroded Corridors of Unbeing, voilà un album fascinant. D'une part, il a connu un buzz phénoménal sur Rate Your Music alors qu'il n'a joui de pratiquement aucune promotion de la part des sites spécialisés, d'autre part il a un son colossal. Cet album réalise tout ce qu'un album de doom/death peut faire en l'espace d'une quarantaines de minutes. On a notre dose de 'spooky-core' avec ces samples de bruits cryptiques et caverneux ; l'atmosphère est étouffante et anxiogène dans le bon sens du terme, le masochisme est présent ; la section rythmique épouse parfaitement la puissance des riffs ; la voix grondante de Eli Wendler atteint une profondeur sonique abyssale. Tout participe à l'immersion complète dans cet album, le voyage est effrayant et passionnant, bref, c'est du grand art. Les climax évidents sont les treize minutes ébouriffantes que nous procure "Visions of Psychic Dismemberment" et le closer cathartique délivré par "Dissolution". Les trois autres morceaux ne sont pas dénués de sens, ils participent tout autant à la construction d'une atmosphère claustrophobique et menaçante. Spectral Voice, un futur grand nom à bien retenir en conclusion.

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-Post punk, noise pop-

Alvvays a de quoi trembler : Ill se révèle être un rival coriace face à Antisocialites. Makthaverskan est né en suède, autour de la chanteuse Maja Milner et du guitariste Hugo Randulv. Leur musique fait penser à une Harriet Weeler (The Sundays) ayant bu trop de café qui s'improviserait à chanter sur des hits de the Cure, avec l'aide de Johnny Marr pour la partie guitare. J'adore, j'adhère. Le single "Witness" avait été dévoilé il y a maintenant deux ans, il a été ré-enregistré avec des effets dream pop plus proéminents à l'occasion de la sortie de l'album.

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-Un peu de tout-

26 morceaux.
4h20 de musique.
260 minutes de glitchy-instrumental-hip-hop grandiose.
15.600 secondes d'illumination intense.
26 raisons de pas sortir avec tes amis pour boire un verre jeudi prochain.
1 moyen de se réconcilier avec les lettres de l'alphabet.
1 album.
Et le mieux dans tout ça?
C'est que c'est pas mauvais du tout.


Impossible Nothing vous présente Lexemenomicon

https://impossiblenothing.bandcamp.com

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-Techno-

Tzusing au dessus du game, comme d'hab.

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-Ambient-

La première compilation de PAN tient ses promesses. Ce label fondé par Bill Kouligas en 2009 a su séduire pas mal de monde au fil des années, en ramenant des pointures de tout horizon, que ce soit en matière d'IDM, de musique concrète ou de pure techno (coucou Lee Gamble). Cette année, avec Mono No Aware, PAN a réuni le gratin des artistes qui sont passés par chez lui pour nous donner 17 morceaux représentant le meilleur de l'ambient, passé et à venir. La track de James K accompagnée du saxophone de Eve Essex est mon principal coup de coeur, mais je suis retourné tellement sur cet album ces derniers jours qu'au final aucun morceau ne me déplait réellement. Le côté génial de cette compilation est aussi que les artistes mieux établis (je pense à Helm et M.E.S.H.) ne font pas d'ombre aux petits nouveaux (la liste est plus longue de ce côté), rendant le tout aussi harmonieux que jouissif, chacun des artistes ayant su faire de son morceau une pépite parmi les autres pépites.

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-UK bass, bubblegum, footwork, drill, wonky-

JUST.

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-Thrash metal-

Les Big Four ont du soucis à se faire, la nouvelle génération ne se laisse pas marcher sur les pieds. Power Trip arrive avec ses riffs les plus destructeurs pour poser un album qui terminera dans le top 3 de fin d'année de tout les bon thrasheurs.

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-Chamber pop, neo-psychedelia-

Magnifique, poignant, inespéré, suave, ce ne sont pas les adjectifs qui manquent à l'écoute du petit frère de Bluffer's Guide to the Flight Deck, premier album des Floatation Toy Warning qui ne cesse d'enchanter les adorateurs de pop de chambre underground depuis 2004. The Machine That Made Us fera frémir les fans de Sparklehorse ou de la période 'The Soft Bulletin' des Flaming Lips, avec ses boucles électroniques envoutantes et son instrumentation grandiose. Une nostalgie - qui ne devrait pas être - me gagne lors de l'écoute de The Machine That Made Us. Cet album me transporte tout droit vers la fin des années quatre vingt-dix, qui hébergèrent les derniers artisans d'une pop indé ayant atteint son paroxysme, à savoir l'écurie Elephant 6, Mercury Rev, Tindersticks et autres Belle and Sebastian. Je me vois dans une chambre d'étudiant, en 1999, poster des XTC accroché au mur, lisant des poètes anglais et écoutant une mixtape réunissant les Magnetic Fields et Stereolab, et des mélodies provenant de The Machine That Made Us qui auraient fait le voyage depuis 2017 pour se coincer dans la tape, attendant que la nuit tombe sur Londres, probablement dans un quartier du sud de la Tamise. Ou à Notting Hill. Les deux me conviennent. C'est à peu près l'effet que me font les "tum dum dum dum dum" lancinant chantés par TFW qui dominent le dernier morceau, "The Moongoose Analogue".

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-Sound collage-

Joni Void est un artiste lillois qui a rejoint Montréal et le label Constellation Records en 2012. Côtoyer la maison de GY!BE et de Colin Stetson ne l'empêche pas d'avoir des héros qui dépassent les frontières canadiennes, au rang desquels se situent la pionnière de musique concrète britannique, Delia Derbyshire, ou encore le fameux duo écossais d'IDM et de joyeusetés électroniques, Boards of Canada. Selfless est un pari risqué entreprit par Joni Void, puisque le spoken-word délivré par une amie poète côtoie freestyle de rap abstrait, techno à penchants industrial et tape-music. Un joli bric-à-brac. Mais Joni Void a un talent certain pour le collage. Sa musique paraît si naturellement construite, l'écouter en devient une expérience réjouissante. Tous les samples s'emboitent de manière logique, les effets sont là au bon endroit au bon moment, rien n'est laissé au hasard et pourtant tout paraît si spontané, jamais accablant.

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-Lo-fi, singer-songwriter, folk-

Les années 90 avaient Elliott Smith, nous on a Alex G (avec le côté depressif-mélancolique en moins). Ca faisait plusieurs années déjà que je suivais de près ce songwriter américain, et je peux affirmer avec certitude que Rocket est son chef d'oeuvre. Le morceau qui ouvre l'album, "Poison Root", annonce la couleur avec le violon et la voix marmonnante de Alex. "Proud" continue avec un refrain à rallonge portant sur sa chérie, sur lequel il chante jusqu'à se couper le souffle ("If i sink / i don't waaaant to beee the oooone to leeeaave my baaaaby dooooown without no money in her bank"), tandis que le poignant personnage "Bobby" constitue une personnification de son amour, de ses erreurs et de sa determination à changer. "Brick" coupe brutalement le ton de l'album avec son noise rock/industrial hip hop surprenant, mais "Sport Star" rattrape le coup avec la voix drôlement nasillarde d'Alex G. "Powerful Star" et "Guilty" constituent les deux cadeaux de la fin de l'album, avec leur mélodies sublimes d'influence country. Rocket est un petit bijou mêlant au final la folk lo-fi et l'art-country, magnifiés par le doux chant d'Alex, des paroles niaises mais véritables et assumées, et un sens de la composition quasi-parfait.

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-Musique folklorique ukrainienne-

Sublime, céleste, généreux, Oj Borom Borom est d'une plénitude étonnante, considérant que les seuls instruments faisant apparition sur l'oeuvre sont une voix et une contrebasse. Maniucha Bikont et Ksawery Wojcinski, polonais de sang, ukrainiens de coeur. Ils interprètent avec une sincérité merveilleuse la musique ukrainienne, un pan du folklore slave qui s'efface souvent derrière la richesse de la culture russe, polonaise, roumaine, tchèque ou serbe. Ne laissez pas cette perle vous glissez entre les doigts.

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-Death metal-

Excellente sortie de ce nouveau projet mêlant black et death metal, distribué conjointement par Voidhanger et Fallen Empire Records. La durée de l'album m'avait refroidie au départ, mais le voyage s'est révélé savoureux. Markov Soroka, le leader du projet, s'était déjà fait remarqué par le passé avec son projet Aureole. Tchornobog est à l'image du dieu slave Czenobog ayant donné son nom au projet : épique, terrifiant, mortel, obscure et malfaisant. Un petit solo de saxophone fait irruption de temps à autres sur cet album éponyme pour contraster avec l'atmosphère sordide qu'insuffle Markov dans ses compositions. Pour ma part, je déménage en Ukraine prêter allégeance au dieu de la nuit. Zoubi.

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-Art pop, synthpop-

Suuuuuuuuuurprise, Lorde délivre l'album pop qu'on attendait tous depuis ses débuts. Chaque morceau est très travaillé, avec des sous-structures intéressantes et des choeurs et harmonies délectables. Chaque refrain touche là où ça fait du bien. La voix de la demoiselle fonctionne à merveille sur les diverses prod'. Melodrama est ambitieux, dramatique, plein d'âme, dansant, nostalgique. Melodrama est l'album qui fait enfin de Lorde un artiste marquant de la décennie. Melodrama sera le souvenir le plus précis du paysage pop de 2017 que je garderai.