Denis Villeneuve - Commentaires

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C’est une plongée dans les déchirures d’un pays en guerre doublée d’une poignante recherche des origines. C’est aussi un cri d’espoir en la capacité de l’homme à surmonter ses tourments, malgré les épreuves traversées. Dans un style à la fois physique et élaboré, à la faveur d’une construction subtile qui entretient sans relâche l’attention du spectateur, Denis Villeneuve dénonce le pouvoir destructeur de tous les fanatismes et exalte les vertus curatrices de l’amour familial, la reconnaissance de l’autre comme image de soi, la grandeur d’un destin maternel. Réalisme et pudeur, démesure et cataclysme animent ce drame de la séparation, du déracinement et du pardon qui puise dans les ressorts de la tragédie grecque, et dont la puissance dramatique est encore amplifiée par une superbe interprétation.
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Le cinéaste s’empare une nouvelle fois d’un sujet bien maousse et l’applique aux conventions éprouvées d’un genre normatif entre tous – le polar noir comme un café serré. L’Amérique et ses vieux démons, la foi dévoyée, le Mal et ses visages, l’ambigüité de la justice : gros enjeux éthico-sociaux à la Fritz Lang, pas toujours traités très finement et souvent tributaires du diktat hollywoodien du signifiant à tout prix (dès les premières images, qui voient Jackman sortir avec son treillis militaire et son crucifix autour du cou, on entend le crissement du stabilo). Surplus de solennité et dolorisme chargé donc, mais compensés par une supériorité technique (à commencer par la très belle photo de Deakins) qui agrippe l’intérêt et sait favoriser d’authentiques moments de tension. C’est bien l’essentiel.

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Ce film a déjà été réalisé par Kieślowski, sur un pendant féminin : c’était "La Double Vie de Véronique". L’affirmation est certes abusive tant le registre anxiogène convoqué ici s’en éloigne et tant l’inspiration, bien moins spirituelle, en diffère. Bonne surprise : là on l’on pouvait redouter une énième polanskerie lynchoïde, Villeneuve évite les effets de manche, déjoue les attentes formelles (malgré l’image jaune pisse obligée) et ne cherche pas à emberlificoter son public pour lui prouver crânement qu’il est le plus malin. Tirant le meilleur parti du décor urbain de Toronto, l’atmosphère engourdie et opaque de ce thriller mental laisse filtrer une angoisse très contemporaine liée à la dépossession de soi, au refus de l’engagement conjugal, qui lui confère sa singularité relative mais appréciable.

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Difficile de nier l’implacable efficacité de ce gros suspense bien testostéroné par lequel le cinéaste affirme un art (ou une formule) consommé de la noirceur sous stéroïdes. Indiscutablement, Villeneuve sait dégager le maximum de tension d’une scène d’extradition urbaine, tirer tout le profit d’un espace exploité jusque dans sa dimension abstraite, insuffler une dynamique continue à un récit sans accroc où la guerre contre les cartels se réduit à un banal enjeu de vendetta personnelle. On peut néanmoins tiquer sur la facture assez cérémonieuse de ce cinéma rouleur de mécaniques, bandant constamment les muscles, et dont le nihilisme forcené, conjoint à une fascination révulsée mais ambigüe pour les dérives fascisantes des méthodes de police, tient peut-être plus de la pose que du désarroi.

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Il faut un certain courage pour s’emparer d’un sujet que d’illustres prédécesseurs (de Spielberg à Zemeckis) ont déjà marqué de leurs glorieuses empreintes. Le cinéaste a le bon goût d’y adjoindre une humilité appréciable, choisissant de tenir toute emphase à distance en lui préférant une approche intimiste, un tempo ralenti, un penchant assez peu conventionnel pour l’interrogation rêveuse. Sa faculté à entretenir un climat de tension angoissée et son obstination à conférer un visage humain à une expérience extraordinaire favorisent de belles variations sur les potentialités du langage, la relativité du temps, les choix découlant d’une introspection à rebours, mais ses élans poétiques finissent par buter sur les écueils explicatifs d’un récit qui, par sa précipitation confuse, atténue la force de l’ensemble.

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Le risque était considérable de profaner l’un des plus grands films de tous les temps. Mais Villeneuve a su assumer l’héritage et en prolonger les aspects esthétiques et thématiques sans tomber dans le piège de l’explicitation à tous crins. S’il flirte parfois avec la lourdeur solennelle du débat philosophique ou de l’allégorie socio-mythologique, c’est pour mieux affirmer la tristesse élégiaque et contemplative d’une quête identitaire où s’esquisse un lancinant goût d’inachevé, où efflore un bouquet de doutes et de regrets que la mise en scène transmet avec une belle poésie. Voilà pourquoi cette œuvre fragile, imparfaite mais le plus souvent émouvante séduit : on y décèle l’humble assurance d’un réalisateur toujours maître de ses choix, et dont le sens du spectacle n’étouffe pas l’expression du sentiment.

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Une fois de plus, Villeneuve ne tremble pas devant l’ampleur de la tâche. On peut même estimer son approche un tantinet martiale, hiératique, écrasante, tant chaque option formelle, chaque détail de l’imaginaire convoqué, chaque élément participant à son élaboration (du monumentalisme ascétique des décors à la partition bruitiste) y est imposé avec une assurance qui verrouille l’entreprise sur sa propre aridité. En résulte une proposition assez singulière en ce qu’elle déroule les termes d’une dramaturgie complexe sur un espace traité comme un imposant théâtre, une scène assumant les origines littéraires du matériau mais ne lésinant jamais sur les promesses du grand spectacle. Au second volet de transformer le potentiel de ce qui, sur le strict plan de l’émotion, ne s’envole toutefois jamais vraiment.