Histoire Vraie

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King Vidor s'attaque à une des plus coriaces légendes de l'Ouest américain, Billy le Kid, et en propose un portrait à la fois âpre, dur et plutôt touchant. Billy est ici un garçon plutôt gentil, ayant souvent des raisons de faire ce qu'il fait. La finalité est d'ailleurs un peu décevante, notamment par rapport au rôle de Pat Garrett. Toutefois, l'ensemble reste bien dirigé, avec un King Vidor vraiment à l'aise derrière la caméra et intégrant parfaitement bien le parlant. Il sublime l'Ouest et le sens du mot western, avec quelques séquences plutôt mémorables.

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Si dans l'ensemble ce biopic semble trop dicté, voulant mettre en place toute la vie de Lincoln sans en avoir le temps et manquant de vraie puissance dramatique, il n'en reste pas moins efficace et intéressant sur plusieurs points. Après cela, le talentueux Griffith ne tournera plus qu'un film en 1931 et mourra en 1948 dans l'indigence, laissant derrière lui un formidable héritage ainsi qu'une immense empreinte dans l'histoire du cinéma.

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Si c'est dommage que cette fresque soit un peu trop rapide pour tout ce qu'elle a à raconter, Cléopâtre permet a Cecil B. DeMille de retranscrire l'aspect fascinant de Cléopâtre, immortalisée par Claudette Colbert, pour une oeuvre qui manque ni de charme, d'intérêt, de démesure ou de légèreté.

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C'est en pleine mer que Frank Lloyd nous emmène en signant Les Révoltés du Bounty, mettant en scène une mutinerie et par ce biais ce qu'est la nature humaine. Il axe néanmoins son récit sur l'aventure, la fascination de la mer et le contexte de la fin du XVIIIème siècle. Les décors somptueux et Frank Lloyd sublie les paysages, tandis que l'atmosphère est tour à tour joviale puis intense, toujours avec un parfum d'aventure. Les relations entre les personnages sont bien écrites et mises en scène, alors qu'ils sont aussi parfaitement bien joués par de remarquables comédiens, avec un duel au sommet entre Clark Gable et Charles Laughton.

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Quelle oeuvre et quelle claque ! John Ford nous emmène ici au coeur d'une prison pour y suivre la détention d'un médecin accusé d'avoir tué Lincoln alors qu'il a juste aidé, sans le savoir, le réel assassin. L'écriture est juste parfaite, sublimé par une puissante et nerveuse mise en scène de John Ford, ce dernier met en avant le calvaire que vivra cet homme et nous fait sentir proche de lui, faisant ressortir toutes les sensations et émotion des enjeux et personnages. D'ailleurs, ils sont tous très bien écrits et gérés tandis que la tension est tout le long palpable et devient de plus en plus forte plus on avance dans le récit. De nombreuses scènes sont mémorables (celles en prisons, la tentative d'évasion etc) et sublimé par une Ford en parfait et brillant chef d'orchestre derrière la caméra. C'est à la fois sobre et tragique, bien aidé par une belle photographie en noir et blanc, utilisés à merveille, ainsi que d'excellents interprètes. Du vrai et du très grand cinéma, tout simplement.

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C'est une œuvre bien étrange que signe Sergueï Eisenstein avec Alexandre Nevski, un film de propagande peu de temps avant le conflit mondial de 1939, où la nation Russe est poussée à se sublimer pour repousser l'envahisseur allemand, où la force visuelle, le génie formel et la dimension lyrique prennent le pas sur le fond.

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John Ford revient sur une partie plutôt méconnue de la vie de Lincoln, axé autour de sa jeunesse lorsqu'il débutait dans le métier d'avocat. C'est vraiment le premier procès du futur président qui intéresse le cinéaste américain et, allant de rebondissements en rebondissements, force est de constater que c'est fort passionnant. Le rythme, l'ambiance, les personnages, le sens du détail… tout est brillament maitrisé par un John Ford inspiré, mettant bien en avant la façon de penser de Lincoln (honneur, fierté, justice…), bénéficiant d'une excellente reconstitution et surtout un immense, comme souvent, Henry Fonda, livrant une très grande performance d'acteurs.

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En signant La Vie privée d'Élisabeth d'Angleterre, Michael Curtiz va mettre en scène une relation aussi amoureuse que tumultueuse, au cœur d'un royaume en crise et dans un monde politique cruel, s'appuyant sur deux très bons comédiens et un cadre particulièrement intéressant.

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En signant L'aigle des Mers, Michael Curtiz se montre à la hauteur de ce remarquable projet, parabole entre deux époques et aventure maritime ne manquant pas de souffle, d'intensité ou encore de grandeur, tout en étant emmené par de formidables comédiens, Errol Flynn en tête.

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Vu les performances fournies par les comédiens, Errol Flynn en tête, devant la caméra ainsi que de Michael Curtiz derrière, La Piste de Santa Fé aurait mérité un tout autre traitement politique, même s l'œuvre demeure agréable à suivre, grâce au savoir-faire des artistes qui y sont associés.

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Avec La Charge fantastique, Raoul Walsh retrouve Errol Flynn pour une oeuvre pleine de panache, de fougue, à l'image du portrait du général Custer, et remplie d'émotion ainsi que d'aventure. C'est du cinéma beau, parfois intense et porté sur l'émerveillement, le vrai, comme on en fait plus, le tout étant réalisé avec une réelle passion. Ici, la vérité historique n'est pas forcément respectée, mais le contexte demeure passionnant, surtout que Walsh parvient à le sublimer, tandis que de remarquables comédiens (le duo Errol Flynn / Olivia de Havilland est parfait) sont capable de porter l'oeuvre sur leurs épaules.

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C'est bien plus qu'un biopic que propose Raoul Walsh avec Gentleman Jim, emmené par un acteur au sommet de son art, il y mêle sport, humour, charme et émotion pour un film passionnant, énergétique et attachant. Un vrai régal.

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Eisenstein propose là une oeuvre d'une rare puissance, tant sur le fond, passionnant, complexe, intriguant ou encore intelligent, que la forme, avec plusieurs innovations, des trouvailles remarquables ou encore une magnifique photographie, le tout servi par de remarquables comédiens, ainsi qu'une émotion très forte.

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Elia Kazan propose avec Boomerang une oeuvre efficace et passionnante, notamment grâce à une atypique et étrange galerie de personnages, tout en mettant à mal le système judiciaire américain et emmené par d'immenses comédiens, à commencer par Dana Andrews, Arthur Kennedy et Lee J. Cobb.

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John Huston propose avec Moulin Rouge une retranscription de la vie de Toulouse-Lautrec parfois maladroite mais prenante et d'une infinie tristesse où l'on suit dans un magnifique Paris de la belle époque, le spleen d'un artiste en mal de vivre.

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Destination Gobi représente surtout une curiosité, un film qui manque d'ambition par rapport à son sujet mais qui reste orchestré avec efficacité et savoir-faire, sachant être suffisamment bien rythmé pour éviter tout ennui, le tout étant emmené par de bons comédiens, Richard Widmark en tête.

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Elia Kazan signe avec Man on a Tightrope une oeuvre qui, malgré une certaine maladresse, se révèle captivante et agréable à suivre, où l'on s'attache aisément aux personnages jusqu'à une parfaite dernière partie sous tension.

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Si Robert Wise ne transcende jamais vraiment son sujet avec Les Rats du Désert, il n'en reste pas moins un minimum efficace et propose une oeuvre intrigante, sublimant d'intéressants portraits humains portés par d'immenses interprètes, Richard Burton en tête.

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Premier film tourné en CinemaScope, La Tunique bénéficie d'abord d'un sujet passionnant, tournant autour la religion chrétienne au sein de l'empire Romain pendant les dernières heures de Jésus, et surtout après la crucifixion de celui-ci.

L'oeuvre est surtout axée sur le tribun Marcellus Gallio, et sa découverte de la religion, alors en totale contradiction (et hors la loi) avec l'empire romain. C'est lui qui porte le film, il est bien écrit et attachant, avec une excellente interprétation de Richard Burton (les comédiens sont, dans l'ensemble, très bons).
Malgré tout, le film a des faiblesses, à commencer par un ton parfois pompeux ainsi qu'une absence de sensation particulière, Koster n'arrivant pas forcément à sublimer cette passionnante histoire. Il reste tout de même de belles séquences, ainsi qu'une reconstitution et bande originale à la hauteur de ce sujet.

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Reprenant là où s'arrêtait La Tunique, Les Gladiateurs se révèle être moins contemplatif et plus dans l'action, suivant de près un remarquable Victor Mature devant faire face à la folie de Caligula. L'aspect religieux est un peu mis en retrait, l'action est plus présente et surtout, Daves a la bonne idée de ne jamais lâcher Mature. Tout n'est pas parfait, notamment dans l'atmosphère ainsi que des émotions peu présentes, mais Daves se montre efficace à la réalisation, retranscrivant assez bien l'aspect fascinant de cette époque mais aussi la cruauté de cet empereur se prenant pour Dieu et la quête divine de Demetrius.

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Riccardo Freda revient sur la vie, romancée évidemment, de Théodora et filme l'empire romain d'orient comme il le ferait pour celui d'occident, avec son empereur, ses intrigues, sa femme fatale ainsi que des courses de chars et des décors fastes.
C'est la force du film, la plongée dans Constantinople, avec des décors variés, intérieurs comme extérieurs, rendant quelques séquences mémorables (toute la première apparition de Théodora, la révolte dans l'arène etc).
Gianna Maria Canale et Georges Marchal composent très bien le couple impérial.
Pourtant, le film marque d'importante limite en ne dégageant guère d'émotion ou de sensation, c'est un film qui s'oublie vite finalement, qui pêche par quelques approximations ainsi que d'un manque de temps pour mieux développer les personnages (notamment les comploteurs).

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Marlon Brando et Jean Simmons donnent vie à Napoléon et Désirée Clary, future reine de Suède, devant la caméra d'un Henry Koster plutôt inspiré, notamment pour créer une ambiance romantique, puis fascinante liée à l'époque décrite. Imparfait, manquant notamment d'émotion, Desirée tient sur les épaules des deux comédiens principaux, notamment un Brando, parfait et surprenant dans le rôle du célèbre empereur français.

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En signant Le Calice d'argent, Victor Saville propose un péplum fort intéressant dans l'Histoire qu'il raconte et les réflexions entamées, notamment autour de la religion, des prophètes, de leur importance dans l'Histoire et de la vulnérabilité de l'humain. Il s'appui sur une scénario bien construit, à défaut d'une mise en scène inoubliable, manquant de force et d'une réelle atmosphère prenante. Heureusement, quelques éléments viennent aussi sublimer cela, à l'image des somptueux décors, d'un certain charme, d'une bande-originale parfaite ou encore de très bons comédiens, à l'image d'un jeune Paul Newman imposant déjà tout son charisme (et on notera une jeune Natalie Wood déjà parfaite, malgré une teinture blonde !).

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Enfin, on est loin de l'exact vérité.

Abel Gance adapte Dumas et signe un mélodrame excessif et historiquement à la ramasse avec La Tour de Nesle. Ce qu'on en sait historiquement est bien plus intéressant que ce que l'on voit dans le film, tout juste sauvé par un Pierre Brasseur cabotin et génial dans un rôle à sa mesure. C'est très théâtrale, trop à certains moments avec l'impression de passer d'une scène à l'autre sans aucun lien. En plus de Brasseur (qui surnage parmi les autres comédiens, dont un jeune Michel Bouquet), quelques décors, séquences ou moments sauvent un peu cet ensemble qui ressemble parfois plus à une farce qu'autre chose.

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Si Hélène de Troie montre quelques faiblesses dans l'écriture ainsi que l'atmosphère proposée, ça n'en reste pas moins une oeuvre assez efficace, bénéficiant notamment d'une production pharaonique et du savoir-faire du futur metteur en scène de West Side Story.

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En voilà une oeuvre intrigante mais inquiétante, où John Wayne se retrouve dans la peau de Gengis Khan, fondateur de l'Empire mongol, le plus vaste de tous les temps. Au delà des problèmes de casting et de perception du monde asiatique, il y a d'immenses failles au niveau de la mise en scène, incapable de donner un réel souffle à l'oeuvre, ainsi que diverses émotions, et finalement, Le Conquérant se révèle trop ennuyant malgré quelques passages réussis.

Pour l'anecdote triste, l'oeuvre fut tournée près de terrain d'essais nucléaires, qui ont eu lieu peu de temps avant, et plusieurs personnes ayant bossé sur le film ont développé un cancer avant 1981 (91 sur 220, dont 46 fatals).

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Vincente Minnelli livre avec Lust for Life une oeuvre aussi forte que surprenante, à l'image du personnage qu'il met en scène. Il ne tombe pas dans les pièges dans les biopics, mais s'imprègne de l'homme, ses inspirations et son esprit. Il s'éloigne des légendes entourant le personnage, pour mieux cerner l'artiste, sa vision de l'art et sa façon de vivre. C'est tout simplement passionnant et parfaitement mis en scène, avec des images magnifiques, des décors colorés et imaginatifs ou encore de grands comédiens.

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En signant Les Sorcières de Salem, Raymond Rouleau s'attaque au maccarthisme via les procès pour sorcellerie dans la Nouvelle Angleterre du XVIIème siècle. Alors, le film est loin d'être irréprochable, avec un rythme mal géré, des personnages pas toujours bien dépeint ou encore un aspect historique mal exploité, et c'est dommage car il y a de bonnes choses et cette oeuvre aurait méritée mieux. Sans être extraordinaire, les comédiens sont eux plutôt bons, et arrivent à donner de la consistance à leur personnage.

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C'est une oeuvre vraiment surprenante que propose Mark Robson avec L'Auberge du Sixième Bonheur, une aventure captivante, la découverte et le partage d'autres cultures, ainsi qu'un portrait de femme passionnant, avec une Ingrid Bergman moderne et rempli de conviction pour aller au bout de ses idées.

Le film est rempli de petits détails passionnants, comme la barrière de la langue, la religion ou la vision de la femme selon les pays, et tout cela est bien traité, avec respect et une certaine finesse. On peut regretter une certaine fadeur dans les seconds rôles, tant dans l'écriture que l'interprétation, mais Ingrid Bergman parvient quand même à porter tout cela sur ses épaules, grâce une composition juste et intelligente.

Le scénario est assez bien construit, nous emmenant à la découverte d'un pays avec un œil occidental. Sans être transcendant l'aspect émotion est aussi assez réussi, alors que Robson met bien en place les dilemmes d'une femme, d'un peuple et d'un pays. Enfin, les décors sont chouettes, la reconstitution immersive, et c'est avec émotion que l'on suit cette aventure tirée d'une histoire vraie.

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Alors qu'il enchaîne les films à une vitesse folle, Robert Wise propose Je Veux Vivre! et capte parfaitement le sort de Barbara Graham, première femme condamnée à mort, tout en mettant en avant les failles dans la justice ou encore les médias et en créant une atmosphère sombre, jazzy et prenante.