Le figuratif et le figural, la figuration du corps au cinéma

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On pourrait mettre ce dictionnaire dans n'importe qu'elle liste puisqu'il est très généraliste mais c'est toujours utile de rappeler l'existence de cet ouvrage incontournable.

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Même remarque que pour le Dictionnaire de la pensée du cinéma.
Un point de départ nécessaire afin d'appréhender rapidement certaines notions. Il a l'avantage d'ouvrir la réflexion sur d'autres pratiques artistiques que simplement le cinéma.

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Un dictionnaire essentiel pour avoir une première approche sur le corps. Comme souvent il est multi disciplinaire : Philosophie, sociologie, psychologie se mélange, un brin d'esthétique est aussi présente. Quel que soit votre questionnement vous trouverez un début de réponse ici.

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Voire ma brève critique.
Tout simplement un incontournable de l'analyse figurative au cinéma.

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Un recueil de textes écrits à différentes occasions regroupés ici sous le titre de Matière d'images. Aumont y traitera principalement des liens entre cinéma et peinture. De la reprise des annonciations par Pasolini à la couleur de 2001, l'odyssée de l'espace, les exemples sont au final peu nombreux mais travaillés en profondeur. Un excellent chapitre se consacre à la pellicule et à la matérialité du support comme surface entre la lumière de la projection et l'écran de cinéma. On regrette quand même un agencement étrange, avec une premier texte consacré à Hitchcock qui ouvre mal le livre, n'étant pas très représentatif de l'entreprise théorique à mes yeux, mais la nouvelle édition Matière d'images Redux y remédiera. Je créerai de plus une fiche spéciale pour la rééditon du livre qui est en réalité agrémenté de multiples articles.

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Un ouvrage incontournable concernant la notion de figural, ici Deleuze analyse le traitement des figures chez Bacon qui ne sont jamais des figurations explicites de corps en plus d'êtres toujours ancrées dans un espace abstrait. Deleuze développe alors une analyse figurale avec cette notion de "sensation", pour Deleuze les peintures de Bacon ne s'adresse pas à l'intellect mais directement au système nerveux. Des chapitres ont une approche plus précise, notamment un centré sur la chair nommé le "devenir animal" qui est assez passionnant. Il faut néanmoins encaisser le style "Deleuze" assez alambiqué dans ces formules remplies de métaphores .

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Il s'agit d'un ensemble de textes aux multiples auteurs, et plus précisément de textes issus d'une conférence. Des chapitres sur Grandrieux et Gus van Sant, sont essentiels pour appréhender le corps au cinéma, en plus de renvoyer sur une solide bibliographie.

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Ouvrage condensant les théories de l'image les plus importantes. Un livre donc très important pour avoir une compréhension rapide des différentes théories et une présentation sommaire des auteurs majeurs. Certains passages précis nous intéresse particulièrement comme celui sur la représentation, ainsi qu'un passage sur les notions de figures et figuration qui permettent d'avoir une première approche en douceur.

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Parce que c'est l'un des livres essentiels sur la pensée du cinéma et qu'il est indispensable de le lire pour pouvoir cerner le tome 2 (l'image-temps). De plus le chapitre consacré à l'image affection, nous intéressera pour tout ce qui concernera le visage, où bien le gros plan en général. Deleuze y distingue par exemple le visage intensif du réflexif.
Néanmoins de solides connaissances théoriques du cinéma ou philosophique (la pensée de Bergson) sont nécessaires avant de s'attaquer à cet ouvrage.

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Ouvrage phare de la pensée figurative du cinéma, qui si l'on veut schématiser part des films en soi et non pas à partir d'une approche historique ou sociologique (même si c'est à nuancer), les chapitres essentiels sont le 7 "La Pensée et le cinéma" et le 8 "Cinéma, corps et cerveau, pensée" qui sont centrés sur la représentation du corps et la pensée des images.
Je recommande évidemment la lecture de L'image-Mouvement qui est le premier Tome de Deleuze consacré au cinéma, les deux livres sont en effet indissociables et il est fortement recommandé de lire le premier avant le deuxième.
Néanmoins de solides connaissances théoriques du cinéma ou philosophique (la pensée de Bergson) sont nécessaires avant de s'attaquer à cet ouvrage.

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Comme le titre l'indique il s'agit à la fois d'un rappel théorique sur l'étude iconologique issus de la peinture ainsi qu'une application au film d'Hitchcock.
Au final peu centré sur la notion de figure mais reste une analyse figurale exemplaire. En analysant le lien entre les peintures accrochées chez Norman et la représentation de Marion Crane, Luc Vancheri propose une lecture figurale de la scène de la douche en liant la Figure de Suzanne à la posture de Marion.
Luc Vancheri propose dans ce livre très synthétique une analyse permettant de comprendre clairement et rapidement ce que peut être une analyse figurale des images.
Pour conclure une citation qui résume bien cette notion si abstraite de figurale qui " n'a pas d'existence matérielle dans le film, n'est jamais à voir littéralement, mais toujours à composer à partir d'un réseau de signes qu'il s'agit de recueillir"
Un court ouvrage à consulter d'urgence pour les néophytes.

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Pourquoi mettre une deuxième fois cette ouvrage ici ? Et bien parce qu'il ne s'agit pas d'une simple réédition mais bien de l'ouvrage tel qu'il aurait du être à l'origine. Une organisation bien plus cohérente des textes, certains à mes yeux indispensables qui n'avaient pas encore été écrits à l'époque. Par exemple un texte sur la lumière et l'ombre, qui nous intéresse particulièrement parce que les figures aux cinéma sont en étroites relation avec le traitement de la lumière, ainsi qu'une introduction revenant sur la notion de Figural en expliquant clairement (la définition la plus claire à ce jour que j'ai pu trouver) ce qu'est une analyse figurale au cinéma. De toute façon la précédente version n'est plus disponible, donc foncez sur cette réédition.

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Dans cet ouvrage Luc Vancheri propose comme son titre l'indique une étude sur l'évolution des pensées figurales de l'image. Mais qu'est ce que le figural ? C'est avant tout un mode d'analyse et non pas un élément en soi, rien n'est "figural" dans un image, c'est l'analyste qui se propose d'éclairer figuralement une image. Parce qu'avant tout les pensées figurales s’intéressent aux images comme acte de pensée, et se détourne selon Vancheri du figuratif et de la narration. Vancheri revient sur quelques auteurs clés, de Freud pour son mode d'analyse des images du rêve, qui a tant influencé les pensées de l'image à venir, en passant par Lyotard, celui qui à redonner une impulsion à cette notion en l'inscrivant dans la lignée Freudienne, ainsi que par Didi-Huberman. Jacques Aumont, Phillipe Dubois et Roland Barthes sont les seuls exemples de théoriciens directement concernés par le cinéma, les autres sont centrés sur la peinture (où le rêve). Mais Luc Vancheri ne se contente pas de nous faire une historique scolaire de cette notion, Chaque auteur voit sa pensée synthétisée, mais aussi commentée et mise en relation avec d'autres. Vancheri propose aussi en fin de chaque partie une petite analyse d'un film afin de pouvoir comprendre après avoir naviguer parmi des notions abstraite en quoi consiste une application au cinéma.
Il s'agit donc d'un ouvrage incontournable pour qui voudrait comprendre comment les analyses peuvent aller au delà du figuratif, comment cerner la relation entre les "forces et les formes" pour reprendre la terminologie de Vancheri. Il vous permettra de plus de comprendre rapidement la pensée de chaque auteur pour vous permettre d'aller approfondir ce qui vous intéresse par la suite.

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La lumière, élément clé de la figuration, d'autant plus au cinéma qui en propose des multiples variations.
Ce court essai consacré à la lumière au cinéma, propose une lecture de la lumière tirée de quelques exemples souvent de Dreyer et de Bergman. La lumière peut selon Aumont être lumière éclairante (lié au récit et à l'univers du film) ou lumière lumineuse (qui est donc symbolique et indépendante). Il se consacrera majoritairement à la lumière lumineuse qui est la plus insaisissable. Il proposera aussi d'examiner certaines caractéristiques du traitement lumineux comme son intensité ou ses variations.
Le souci majeur vient du format du livre, un format de poche de plus très (trop ?) synthétique avec 74 pages. Les exemples sont donc souvent peu développés et peu approfondis. Il reste néanmoins intéressant parce que Jacques Aumont est toujours un grand vulgarisateur et que sa plume est toujours aussi claire, il éclaire aussi (sans jeux de mot) les différentes modalités de l'apparition de la lumière au cinéma, ce qui permettra une première approche analytique. On approfondira par la suite avec d'autres ouvrages la question de la lumière qui est si vaste qu'elle mérite un traitement à la hauteur de son importance.

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On s'attaque ici aux théories de la couleur en commençant par Kandinsky. Ce qui étonne au premier abord est qu'il ne s'agit moins d'une théorie pratique que d'une philosophie générale sur l'importance de l’œuvre d'art. La première partie est un traité philosophique tandis que la deuxième propose une théorie de la couleur. Il y a beaucoup de choses à y trouver sur la relation entre l'organique et l'abstrait, les perceptions des couleurs, et les combinaisons possibles entre l'abstrait et le figuratif, et même sur la relation entre la nature et l'artiste. Le tout baignant dans une conception "spirituelle" de l'art censé être l'expression d'une "nécessité intérieure" selon ces propres termes. Si on n'adhèrera pas à tous ses propos, il est suffisamment riche pour s'intégrer dans cette liste, notamment concernant les couleurs dont les remarques me paraissent souvent (mais pas toujours) assez justes bien que non scientifiques, chose qu'il précise explicitement, proposant une analyse perceptive des couleurs plutôt qu'un véritable traité scientifique.

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Une approche historique de l'utilisation de la couleur majoritairement en peinture. Le style de Aumont rejoint son livre "L'Image" en vulgarisant des dizaines et dizaines de théories, en citant d'innombrables auteurs jusqu'à l'indigestion. Il est indéniable qu'il s'agit d'un ouvrage phare sur la question mais l'écriture trop académique empêche d'apprécier pleinement l'ouvrage.
Il faudra environ 200pages pour conclure qu'il n'existe aucun système signifiant de la couleur (contrairement à ce que je pensais) en dehors de périodes et contexte historique produisant leur propre système symbolique, la couleur est donc à étudier au cas par cas. L'ouvrage permet néanmoins d'avoir un large panorama condensé en un seul ouvrage, la documentation et la vulgarisation est tellement conséquente qu'il reste très instructif, il inclut de plus une réflexion sur le cinéma dans son dernier chapitre.

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L'ouvrage est scindée en trois parties. Une première proposant une histoire des techniques d'éclairage, commentant la lumière classique sur-signifiante en opposition à la lumière moderne plus friande de rupture de ton à l'image du monde dont elle s'inspire. Il propose bien entendu plusieurs sous-catégories comme le classique-baroque, ou la période pré-classique, etc...
La deuxième partie propose un ensemble de chapitres centrés autour d'une notion : symbolique du noir et blanc, fonction dramatique, faculté défigurante, etc...
La troisième est un guide pratique, un peu hors propos nous concernant.
L'ouvrage étant par définition assez généraliste, on finit par forcément trouver des choses intéressantes, notamment sur les questions de typologies : Ce film est-il d'un point de vue de la lumière, classique, baroque, moderne, post-moderne ? Vous trouverez de plus quelques exemples assez parlant dans la deuxième partie. A lire en priorité afin de cerner toutes les possibilités de traitement de la lumière au cinéma

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Ouvrage collectif s'intéressant intégralement à la notion de figure. L'intérêt premier de l'ouvrage est l'ouverture absolue des champs de recherche. La figure n'étant pas exclusivement l'apanage des images, un texte sera consacré aux multiples évolutions qu'a subit le terme de figure, axé sur la littérature, il s'agit en réalité d'un long commentaire de l'ouvrage "Figura" de Auerbach (une entreprise philologique sur le terme de figure). Un autre article s'intéresse tout particulièrement à la notion de Figural mais cette fois ci en partant des images. D'autres que je n'ai pas lu s'intéressent à la question problématique de la figuration dans l'Islam, ou bien va questionner les périmètres figuratifs du langage musical. C'est l'ouvrage le plus complet que je connaisse sur cette notion. A vous d'aller piocher ce qui vous intéresse ou pas : d'où l’absence de note de ma part n'ayant lu que la moitié de l'ouvrage.

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Il s'agit d'une immense entreprise philologique sur la notion de figure en remontant à son origine latine figura et dépliant les multiples modifications sémantiques que le terme subira. Vous pouvez néanmoins si votre intérêt pour la figure est moindre vous reporter au premier texte de l'ouvrage "Figure, figural" qui est un commentaire du Figura de Auerbach.

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Un recueil de texte issus de conférences, questionnant la figure humaine au cinéma. Conférences oblige, le livre propose une multitude d'auteurs chacun avec une thématique précise. On passe de la couleur, aux vampires, de la marche a pied, à la question de l'horreur. Un ensemble de textes forcément inégaux, qui restent avant tout une transcription de présentation orale, rendant le tout facile à lire mais très répétitif et manquant de style, en plus d'être toujours centré autour d'une projection et d'un commentaire de séquence, ce qui finit à la longue par ennuyer. A consulter selon vos besoins vu qu'il brasse large.

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Lyotard conceptualise ici le premier le "figural" (terme proposé par Merleau-Ponty mais néanmoins pas autant conceptualisé), inspiré par la pensée Freudienne, et plus précisément concernant la formation des images de rêves. Impossible d'expliquer en quelques lignes la pensée de Lyotard, fort complexe, dense et riche (plus de 400 pages), disons néanmoins pour commencer que l'ouvrage s'intéresse comme son nom l'indique au discours et à la figure. Au discours , c'est-à-dire au système langagier en général, ce qu'il appel l'espace textuel, qu'il opposera à l'espace figural qui est celui de la figure. Je synthétise à outrance pour faire court et parce que je n'ai pas tout lu. J'ai passé sous silence principalement les parties sur le discours qui m'intéresse moins, bien que Lyotard arrive à rendre ça passionnant, pour me concentrer sur sa conception du figural qui est directement introduite par le premier chapitre "le parti pris du figural". Je recommande aussi chaudement le chapitre "La ligne et la lettre" qui synthétise clairement l'entreprise de l'ouvrage dans une opposition entre langage et figure. L'un n'est jamais au dessus de l'autre chez Lyotard, il ne cesse de dire que les deux se valent et qu'en plus le figural se trouve aussi dans le texte. Concernant l'inspiration freudienne le chapitre "le travail du rêve ne pense pas" et "connivences du désir avec le figural" sont parmis les textes les plus commentés et cités de l'ouvrage. Lyotard développe alors un mode d'analyse propre aux images qui prend ces distances avec les entreprises sémiologiques alors en vogue.
Le figural étant un concept fort abstrait, la lecture de ces textes permettent de saisir ses nuances "à la source", puisque chaque auteur en proposera sa version.

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Nous prenons un peu de recul dans nos recherches avec l'ouvrage de Aumont plus généraliste que les précédant. Ici Aumont nous propose une réflexion sur l'analyse filmique, en s'opposant aux lectures psychanalytiques, ou études sémiologique des films. Pas que ce soit inintéressant aux yeux de l'auteur mais parce qu'elles bloqueraient la lecture du film en lui appliquant un schéma de pensée qui ne lui appartiendrait pas. Aumont au travers de plusieurs textes réfléchit à un mode d'analyse qui redonnerait à l'image ses plein pouvoirs. Le livre présente en alternance des textes théoriques, des analyses de films (Tarkovski, Godard, l'animé Goldorak, Pasolini). C'est une vraie bouffée d'air frais que de lire cet ouvrage, il ne s'agit en aucun cas d'un manuel un peu bête mais bien de penser l'analyse de film, que peut-elle ? Comment les images sont-elles vecteurs de pensée ? L'analyste a donc pour objectifs de mettre à jour les procédés figuratifs des images de films.

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Non il ne sera pas question ici de clarifier l'impénétrable scénario conçu par Lynch mais bien de mettre à jour les procédés formels du film. Guy Astic ne proposera jamais une analyse narratologique du film, il prend le parti pris d'analyser le film à partir de ces images, de ces procédés figuratifs. Et des procédés figuratifs le film en est bourré. Guy Astic met en avant une poétique du flou et de l'obscurité, sûrement le film de Lynch le plus jusqu'au-boutiste ur ce sujet. Un chapitre se concentre sur la question du voyeurisme et plus généralement de la surveillance avec l'importance de l'enregistrement dans le film mais aussi sur les cadrages de Lynch qui prolonge cet aspect. Il est difficile d'être exhaustif puisque même si l'ouvrage n'est pas très long (170 pages), l'analyste propose plusieurs entrée très riches : la question du double, du désert, du traitement sonore, et plus généralement des figures. Le livre est alors largement recommandable afin de prolonger le visionnage du film, même s'il est peut-être un peu difficile d'accès pour les novices.

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Ouvrage assez facile d'accès qui offre de multiples clés théorique et qui s'intéresse en partie à des questions de représentations et fait un bref retour sur l'histoire de la notion de figure ainsi que sur la relation figure-fond. Une brève explication du concept de figural est aussi présente, malheureusement trop synthétique pour en cerner toute la richesse.
On y trouve à peu près de tout donc ce sera à chacun d'aller chercher ce qui l’intéresse. L'un des ouvrages à consulter en premier lorsque l'on commence à étudier le cinéma.

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Présent ici parce que les remarques de Bresson éclairent à la fois son cinéma mais pas que. On peut se projeter sur de multiples films et périodes du cinéma. C'est ici que l'on trouvera explicitée sa pensée du "modèle" son rapport à l'acteur, à son corps et à sa direction.
Très court, très facile à lire, passionnant.

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Ouvrage collectif sur la question de la plasticité au cinéma. Il m’intéresse principalement pour son introduction avec une mise en corrélation de la pensée de Élie Faure et Gilles Deleuze sur la notion de plasticité. Vous y trouverez de plus un texte de Philippe Dubois sur la notion de figural, qui est de loin le plus accessible que j'ai eu l'occasion de lire, il y explicite la relation entre le figuratif et le figural, ainsi qu'un court descriptif des possibles du figural au cinéma. Forcément incomplet, et assumé comme tel par l'auteur, le texte est une excellente introduction à la notion, je le recommande donc chaudement. Dominique Chateau revient quant à lui plus généralement sur la notion de plasticité. Mais l'ouvrage ne se résume pas qu'à ça. Vous trouverez des études de cas sur Godard, sur le montage, sur la question du son, etc...

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Fernand Léger qui n'est plus à présenter, réalisateur d'avant garde, peintre, etc..., compile ici un ensemble de textes sur la peinture mais aussi en partie sur le cinéma. Ce qui ressort à la lecture de ses textes et sa grande confiance en la plasticité du cinéma, qui ne doit pas se réduire à une dimension dramatique. De plus certains textes esquisses une pensée de la figure humaine qui ne doit pas prendre le dessus dans la composition de l'image qui "n'est pas plus important(e) dans l'intérêt plastique qu'un arbre, une plante, un fragment de rocher, un cordage." Ouvrage assez petit mais avec beaucoup de chapitres aux approches multiples.

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Deuxième ouvrage publié de Jacques Aumont, votre appréciation du livre dépendra de votre connaissance au préalable de son auteur. Pour quiconque ayant un bagage théorique un minimum fourni, l'ouvrage pourra paraître répétitif par rapport à ses essais ultérieurs. Néanmoins on y trouve beaucoup de choses. Deux textes sur des auteurs : Lumière et Godard, censés représenter les deux extrêmes en ce qui concerne le lien peinture-cinema, un auteur qui s'ignore et un autre hyper réflexif. Parce qu'il s'agit bien d'une réflexion sur les liens entre peinture et cinéma dont il s'agit ici. On s'attache à la question de l’expressivité et de expressionnisme (en démontant au passage tous les raccourcis historiques habituels sur cette période), à la question du cadre et de l'espace, ainsi qu'à la lumière. Aumont n'a pas pour objectif de vous convaincre que le cinéma est de la peinture en mouvement, il se sert simplement des liens inhérents aux arts représentatifs en général (peinture, photo, et donc cinéma) pour développer une réflexion sur la représentation au cinéma. Sont aussi présents une chapitre sur le temps, et sur le regard qui m'apparaissent comme éminemment plus faible que les autres, surtout au regard des réflexions de Deleuze sur la question du temps. Il s'agit alors d'une bonne introduction théorique à toute ces questions pour les novices, et d'un approfondissement de certains point pour les plus confirmés.

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L'ouvrage de référence sur le sujet, du moins le plus connu quand on s’intéresse au gore au cinéma. Et en effet l'ouvrage brasse large, une introduction propose une brève approche étymologique du gore, permettant une bonne contextualisation. L'ouvrage enchaîne ensuite sur une approche historique du gore au cinéma et ses mutations (chapitre non lus jusqu'à présent), puis dans une troisième partie (celle qui nous intéresse) l'auteur propose une approche esthétique du gore. Mais malheureusement il ne s'agit ni de la plus fournie ni la plus aboutie. La fin de l’ouvrage se consacre a de très (trop !) brève études sur des cinéastes et leur rapport au gore. Il s'agit je pense d'un ouvrage à consulter pour son aspect exhaustif et historique (le rapport au grand guignol par exemple) que pour y trouver une recherche esthétique approfondie.