Liste ordonnée de films de 2012 (date de sortie en salle en France)

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Quelques heures dans l'existence de Monsieur Oscar, qui voyage de vie en vie. Tour à tour homme d'affaires, mendiante, créature monstrueuse, père de famille, vieillard, il joue une multitude de rôles, mais sans caméras apparentes, ni public averti. Il est uniquement accompagné de Céline, qui le conduit de rendez-vous en rendez-vous dans une immense limousine blanche qui lui sert de loge... Pas facile de décrire le nouveau film de Leos Carax, ni même une seule scène (même si c'est tentant : il y a des morceaux d'anthologie). L'exercice serait aussi vain que de paraphraser de la poésie. Car il s'agit bien d'un poème visuel, parfois assez trash, du cinéma total, dont les influences vont de Feuillade à Weerasethakul en passant par Franju et Lynch. Un hommage aux comédiens en général et à Denis Lavant en particulier. Une ode à la vie, qui nous impose plusieurs rôles simultanés. Peu importe qu'on n'y aime pas forcément tout, ce qui compte c'est "la beauté du geste"...

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Dans un immeuble de Lisbonne vivent trois femmes : Pilar, retraitée pieuse mais dévouée aux causes humanitaires (Pilar accompagne aussi parfois un homme amoureux d'elle qu'elle n'aime pas), Aurora, sa voisine octogénaire excentrique, et Santa, la femme de ménage noire de celle-ci. Juste avant de mourir, Aurora prononce le nom d'un homme, Ventura, qu'elle a connu au temps de sa jeunesse. Retrouvé, Ventura raconte son histoire avec Aurora dans les années 50-60 au pied du mont Tabou dans une Afrique pas encore décolonisée... C'est l'un des chocs cinématographiques de l'année. Le titre fait référence à Murnau. Mais autant dans le "Tabou" de Murnau l'histoire d'amour était contrariée en partie par l'avancée de la colonisation, autant la passion évoquée dans ce film, entre deux colons, l'est par les derniers soubresauts de la colonisation (pas montrée sous un jour positif). Tout le film est en noir et blanc, mais différemment dans la seconde partie. Celle-ci est muette dans ses dialogues, mais extrêmement lyrique par la musique des sixties, les bruitages, la voix off très belle du narrateur, le mystérieux crocodile, et rehausse rétrospectivement l'intérêt de la première partie. Miguel Gomes réussit une superbe synthèse entre un retour très premier degré à l'innocence du cinéma des origines, et une sophistication distanciée très moderne.

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On est en 2008, au coeur d'une banque d'affaires de Wall Street. L'entreprise a dépassé plusieurs fois depuis quinze jours les limites historiques de l'indice de volatilité. En clair, le risque est énorme. C'est un jeune analyste financier qui le découvre, à la suite d'un travail de son supérieur hiérarchique, licencié la veille (compression de personnel pour faire monter le cours boursier)... Unité de temps (48h, y compris la nuit), de lieu et d'action. Nous sommes au coeur du capitalisme financier. Le film montre bien, dès les premières scènes, l'inhumanité du management d'aujourd'hui, puis l'absurdité du système lui-même, et enfin les réflexes cyniques des financiers quand la catastrophe pointe. A ce titre, cette remarquable première oeuvre est un grand film de personnages, baignant tous dans le cynisme mais à des degrés divers, ce qui nous vaut des rapports entre eux passionnants. Le casting (Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore, mais il faudrait citer aussi Zachary Quinto, Paul Bettany ou Stanley Tucci) est également pour beaucoup dans la réussite du film.

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Fin décembre 2008. Camille a bientôt 40 ans, boit beaucoup et se fait larguer par l'homme de sa vie. Le soir du réveillon, elle s'évanouit et se réveille le 1er janvier 1985, à l'hôpital. Elle a 16 ans, vient de faire une tentative de suicide, et ses parents sont toujours vivants... Si l'époque est discrètement reconstituée, le film n'en fait pas trop dans le réalisme : la cinéaste et actrice principale (formidable Noémie Lvovsky) n'abuse pas de maquillage pour se forcer à ressembler physiquement à une adolescente. Les vêtements et les situations suffisent pour qu'on marche. Question de mise en scène. Et si nous étions projetés dans le passé, que voudrions-nous et que pourrions-nous changer ? En toute simplicité apparente, cette belle comédie donne des éléments de réponse subtiles...

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Louise Wimmer est le nom d'une femme proche de la cinquantaine, employée dans l'hôtellerie, en recherche d'un logement. En attendant, elle n'a pour lieu privatif qu'un box et dort dans sa voiture. Comment en est-elle arrivée là ? L'un des grands mérites de ce film est de n'être jamais démonstratif, et de se déployer tout entier dans le présent. Bien sûr on en saura plus au fur et à mesure. Mais l'autre grand mérite de cette première oeuvre réside dans son énergie. L'énergie de son personnage principal, peu liante mais toujours révoltée et digne, interprétée de façon magistrale par Corinne Masiero. L'énergie de la mise en scène aussi, qui évite tous les écueils : ni film coup de poing, ni film exagérément formaliste, la caméra trouve la bonne distance, sans coller à son héroïne ni la surplomber. Un coup d'essai déjà très maîtrisé.

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Georges et Anne, anciens professeurs de musique octogénaires, vivent ensemble depuis des décennies. Puis un jour Anne a une attaque cérébrale, et l'opération qui suit ne se passe pas bien... Au début, le brio des premières scènes (tel le plan-séquence du début d'un récital de piano, où la caméra ne scrute que les spectateurs, au milieu desquels Georges et Anne, et jamais la scène) laisse redouter une mise en scène surplombante, comme dans "Le Ruban blanc", précédent film du cinéaste. Par la suite rarement on aura aussi bien senti l'agencement de l'appartement, lieu quasi unique du film. Et pourtant on oublie assez vite cette maîtrise formelle pour être en empathie, ce qui est rare chez Haneke, avec les deux personnages principaux (Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva), immenses dans le rétrécissement apparent de leurs vies. Ce sont les convenances sociales portées par d'autres personnages, notamment leur fille (Isabelle Huppert), qui sont montrées de manière plus grinçante, mais sans manichéisme.

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Le personnage principal, Curtis, est un ouvrier (ce n'est pas si fréquent dans le cinéma américain). Marié et père d'une petite fille, il est en proie à des rêves qu'il suppose prémonitoires, des visions d'apocalypse imminente, et est obsédé par l'idée d'en protéger les siens. Comme "Melancholia" de Lars Von Trier, le film associe maladie mentale et catastrophe céleste. Mais le traitement est différent. Jeff Nichols montre notamment les conséquences sociales de la maladie (ou du don) de Curtis, pour quelqu'un de son milieu. Le film vaut pour son interprétation (Michael Shannon, extraordinaire, et Jessica Chastain très bien en épouse douce et mélancolique, comme dans "Tree of life"), et surtout pour le brio de la mise en scène, digne des meilleurs films d'angoisse.

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Révoltée par la vente du cheval d'obstacle qu'on lui avait promis, Gracieuse, cavalière surdouée, claque la porte de l'élevage qui l'employait. Elle redémarre à zéro en acceptant de rentrer comme palefrenière dans le haras de dressage qui jouxte la ferme de son père... C'est le début du nouveau film de Patricia Mazuy, mais ce n'est peut-être pas la meilleure façon de l'évoquer. Car celui-ci n'a rien à voir avec une plate illustration d'un scénario. La cinéaste nous entraîne habilement dans cet univers sélect peu connu, par les divers rapports de subordination entre les personnages (mention spéciale à Bruno Ganz et Josiane Balasko), et également entre ceux-ci et les chevaux, mais aussi par des images bien senties (ah le bandeau vert de Gracieuse !). Marina Hands trouve en Gracieuse son meilleur rôle depuis "Lady Chatterley". Une réussite.

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Seong-jun, professeur de province autrefois cinéaste, revient passer quelques jours à Séoul avec un vieil ami. Au passage il retrouve une ex le temps d'une nuit... Du Hong Sang-soo pur jus. C'est d'ailleurs en sa qualité de cinéaste obsessionnel qu'il est qualifié par des critiques français paresseux de Rohmer sud-coréen. Car dans ses films on boit et on couche plus que chez Rohmer... Si ce film-ci est l'un de ses plus beaux des dernières années - il faut remonter à 2005 ("Conte de cinéma") pour en retrouver un aussi réussi -, c'est dû à la qualité existentielle de cette chronique amoureuse, à l'apparente simplicité du dispositif derrière laquelle se cache de subtiles répétitions, au superbe noir et blanc, à la neige qui tombe à petits flocons...

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Deux frères aux antipodes l'un de l'autre : Not (Benoît Poelvoorde) est le plus vieux punk à chien d'Europe, Jean-Pierre (Albert Dupontel) est représentant en matelas. Quant à leurs parents (Areski Belkacem et surtout Brigitte Fontaine, irrésistible), ils tiennent une Pataterie. Un jour, Jean-Pierre est licencié... Les réalisateurs, avec leur humour très noir et très politique, réussissent une comédie très corrosive sur le capitalisme et la société de consommation. Il n'y a qu'à voir de quelle façon ils filment la zone commerciale dans laquelle se passe l'essentiel du film. Aucun compromis dans la mise en scène, audacieuse dans chaque plan. Résultat à la fois désespéré et revigorant.

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Anna est une étudiante qui fait des petits boulots pour payer ses études à l'université. Là-bas, elle tombe amoureuse d'un mystérieux garçon, très différent des autres. Elle découvrira son secret : c'est un homme-loup. Ensemble, ils vont avoir deux bébés, Youki, l'aînée, et Ame le benjamin. Alors que le père disparaît tragiquement, Anna se pose des questions : comment élever des enfants qui peuvent se transformer à loisir en loup ? Voudront-ils devenir des êtres humains ou des loups ? Conte initiatique, réflexion sur l'éducation, sur nos rapports avec la nature : Mamoru Hosoda, signe un excellent film d'animation, très beau visuellement même si assez différent des productions du studio Ghibli.

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Sébastien Lifshitz a basé son documentaire sur des rencontres avec des personnes homosexuelles, la plupart septuagénaires, voire plus âgées encore. Ce sont des "invisibles", dans la mesure où même les associations LGBT mettent surtout en avant les jeunes. Ces personnes ont été choisies par le réalisateur pour l'aisance avec laquelle ils parlent d'eux-mêmes. Leur parole est d'autant plus précieuse. Dans la diversité de leurs parcours (et de leurs milieux sociologiques), elles et ils reviennent sur leur évolution intime, leurs souffrances, leur combat pour s'accepter et se faire accepter, et leur capacité à aimer, plus forte que tout. Leurs témoignages dépassent cependant le cadre de l'homosexualité, sur deux plans : d'une part ils font revivre soixante ans de société française à travers la question des moeurs, et d'autre part, au présent, ils dessinent ce que peut recéler encore la sexualité et les relations amoureuses à l'heure de la vieillesse.

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Un homme dans la quarantaine, marié et père d'une adolescente de 14 ans et d'un jeune garçon de 8 ans, apprend qu'il est atteint d'une tumeur au cerveau et qu'il ne lui reste plus que quelques mois à vivre. C'est le début de ce film qui ne verse ni dans l'émotion facile ni dans une stylisation qui se mettrait à distance de son sujet. Au contraire, c'est une sorte d'hyperréalisme qui domine (tous les interprètes sont excellents), avec ses moments grinçants et ses sentiments paradoxaux, avec parfois quelques échappées oniriques pleines de dérision. Comme dans "Septième ciel", son précédent film, sur la sexualité des personnes (très) âgées, Andreas Dresen fait preuve d'un regard humaniste et réussit un grand film, d'ailleurs récompensé du prix de la sélection Un certain regard au festival de Cannes 2011.

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Armand (Denis Podalydès), pharmacien, est à l'heure des choix. Il s'apprête à quitter sa femme (Isabelle Candelier) pour sa maîtresse (Valérie Lemercier), et doit choisir l'entreprise de pompes funèbres ("Définitif" ou "Obsécool") qui enterrera Mémé, sa grand-mère un peu oubliée qui vient de décéder. Parallèlement, il prépare un tour de magie pour l'anniversaire de la fille de sa maîtresse... Sur le papier, c'est déjà loufoque, sur l'écran c'est très drôle. Certains thèmes des précédents films du réalisateur sont retricotés (indécision masculine, magie), mais il y a du nouveau dans leur humour : des croque-morts concurrents désopilants (Michel Vuillermoz, Bruno Podalydès), des personnages féminins non sacrifiés, et une utilisation réjouissante de musiques classiques.

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Un père et sa fille de 15 ans, Alejandra, déménagent et s'installent près de Mexico. On comprend assez vite que Lucia, la mère, a été tuée dans un accident de la route quelques temps auparavant. Si le père tente de reprendre son activité professionnelle de chef cuisinier, tout en restant assez déprimé, Alejandra, plus souriante, semble mieux résister et intègre un nouveau lycée. Jusqu'au jour où une bande de camarades friqués l'emmène en week-end... La progression du film est imprévisible. Et même si la fin est moralement discutable, la mise en scène, faite de plans séquences rigoureux et d'ellipses, est implacable et tient en haleine.

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Quatre ans après "A côté", formidable documentaire en creux sur la prison, qui recueillait la parole de la famille et des proches des détenus, la cinéaste Stéphane Mercurio suit l'équipe du Contrôleur général des lieux de privation de libertés (CGLPL), une autorité administrative indépendante créée en 2008, et pénètre cette fois dans les murs de l'institution carcérale, mais aussi dans un hôpital psychiatrique. Si ce documentaire est consacré au contrôle des droits fondamentaux des personnes enfermées, c'est aussi la pertinence de l'enfermement, et en particulier des longues peines, qu'on peut questionner. Comme le dit un détenu de la centrale de St-Martin de Ré, "on ne peut pas condamner un homme à 25 ans de prison et espérer qu'il sorte meilleur. Vous fabriquez des fauves !"

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Un ovni filmique composé de trois court-métrages (et de drolatiques transitions) qui n'ont pas peur des sorties de route et qui cultivent un remarquable sens de l'absurde. Très original, l'humour a un petit quelque chose des Monty Python mais il y a aussi un peu de critique sociale : c'est fantaisiste mais absolument pas naïf. C'est assez soigné du côté formel, en particulier le dernier court-métrage. Mais cela ne ressemble à rien de formaté et c'est relativement dense tout en étant cohérent : ce ne sont pas de petites idées mises bout à bout, même s'il y a des effets de surprise (les scénarios ont tendance à bifurquer). Mention spéciale à Darius, le comédien commun aux trois histoires (mais dans des personnages différents).

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Martha se réfugie chez sa soeur après avoir fui une secte. Elle tente de garder le secret de son absence prolongée, mais les épreuves passées ressurgissent dans sa mémoire... Peu de films traitent de la difficulté à sortir d'une secte (à part celui-là et "Holy smoke", l'un des meilleurs Jane Campion). L'une des saveurs du film est que la vie embourgeoisée de la soeur et son mari semble elle aussi aliénante. Néanmoins, ce premier film n'est pas satirique, c'est un puzzle psychologique tout en suggestion. Elizabeth Olsen est impressionnante dans le rôle titre.

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Dans la Belgique flammande, Jacky, éleveur taciturne et violent, prospère dans le trafic d'hormones avec la complicité d'un vétérinaire véreux. Il s'inflige même le même traitement hormonal que les boeufs qu'il élève. Mais l'assassinat d'un policier bouleverse Jacky, tout comme ses retrouvailles avec un ami d'enfance... On peut reprocher au film un excès de testostérone, mais c'est le sujet qui veut ça. On pense d'abord à un film de mafia, mais c'est un traumatisme d'enfance qui est la clé du film. Dans le rôle principal, Matthias Schoenaerts est sidérant, tout en muscles, colère et frustration.

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Un père de famille boxeur qui vit de petits trafics ou de petits boulots (videur de boîte, agent de sécurité) rencontre une jeune femme qui dresse des orques dans un Marineland. Celle-ci va avoir un terrible accident... Le point fort n'est pas le sujet en lui-même mais son traitement. Matthias Schoenaerts (la révélation de "Bullhead") et Marion Cotillard construisent admirablement les deux éclopés du film (elle, handicapée physique et lui, handicapé moral et oral). Et Jacques Audiard filme sans faux fuyants (et bénéficie d'excellents effets spéciaux).

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Buenos Aires, en été. Trois soeurs, Marina, Sofia et Violeta se retrouvent dans la maison familiale alors que leur grand mère qui les a élevées (on comprend qu'elles ont perdu leurs parents depuis longtemps), vient de mourir. Marina, l'aînée, plus responsable, se concentre sur ses études et l'intendance du foyer, Sofia est obnubilée par ses tenues (qu'elle refuse jalousement de prêter à ses soeurs) et Violeta, la dernière, se traîne du lit au canapé et reçoit de temps à autre un garçon. Les mois passent et la situation évolue... La réalisatrice, dont c'est le premier long métrage, parvient à rendre passionnantes les trajectoires esquissées par ses héroïnes, grâce à une caméra qui les ausculte tout en faisant parler le lieu unique (la maison et son jardin).

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C'est la fin de l'année. Les élèves d'un lycée du Bronx grimpent dans le bus pour un dernier trajet ensemble avant l'été. Nouveau film de Michel Gondry, en mode indépendant, après avoir réalisé un film de commande hollywoodien ("The Green hornet"). Le générique fait penser à une déclinaison de "Soyez sympas, rembobinez" avec la maquette de bus. Mais ensuite on est en terrain inconnu, avec ces interprètes débutants ou non professionnels (issus du Bronx). Au fur et à mesure des dessertes du bus, belle progression du groupe large (avec ses caïds) aux conversations d'égale à égale entre individus.

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Quatre petits cercueils sont embarqués dans un avion. Une jeune femme déprimée est en observation à l'hôpital. Que s'est-il passé ? Même si on le devine à cet instant, le film nous le fait oublier en remontant au début de l'histoire. Cette jeune femme, Murielle (Emilie Dequenne, dans sa plus impressionnante composition depuis "Rosetta"), rencontre Mounir (Tahar Rahim). Ils s'aiment éperdument, décident de se marier. Mais unissent également leur destin au docteur Pinget (Niels Arestrup), le père adoptif de Mounir. Le film décrit des liens pervers et l'évolution de Murielle, qui passe progressivement d'un état radieux à une sorte de dépression (ne pas manquer la scène où elle chante "Femmes je vous aime" dans sa voiture). Une belle réussite jamais démonstrative.

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Une kyrielle d'actrices et acteurs connus (Sabine Azéma, Pierre Arditi, Anne Consigny, Lambert Wilson, Anny Duperey, Michel Piccoli) apprennent la mort d'un auteur dramatique, et sont conviés dans sa résidence secondaire. Ils sont invités à visionner une captation d'une jeune troupe qui reprend "Eurydice", l'une des pièces du disparu que tou-te-s ont joué par le passé... Si l'ouverture du film, très solennelle, fait peur, la suite est délectable, et on se prend au jeu. Célébration de l'amour qui défie la mort et le temps, ode aux grands interprètes, à l'artifice du théâtre et du cinéma (qui ici se marient bien). Beau testament de Resnais, avec son film le plus vif depuis "On connaît la chanson".

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Ernest est un ours musicien de rue, clodo qui peine à manger à sa faim, dans la ville des ours construite à la surface (avec des emprunts malicieux à la société de consommation : le père d'une famille ours travaille dans un magasin de sucreries, tandis que la mère est vendeuse dans la boutique d'en-face, complémentaire, de dents). En-dessous se trouvent les souris, dont Célestine, élevée dans la crainte du grand méchant ours, mais qui n'y croit guère. Ces deux-là vont se croiser involontairement, et se lier peu à peu d'amitié malgré leurs propres préjugés racistes : Ernest refuse d'abord d'accueillir Célestine sous son toit : "Quand on accueille une souris, il en vient ensuite des milliers d'autres...". Un certain anthropomorphisme est donc convoqué dans cet épatant dessin animé pour dénoncer les travers humains. Le film n'est ni mièvre ni démonstratif, grâce à un humour peut-être dû à Vincent Patar et Stéphane Aubier, les espiègles réalisateurs de "Panique au village".

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Depuis la mort de leur fils qui a mené à leur séparation, Mado a refait sa vie, tandis que Jacques, qui est reparti dans son Amérique natale, ne s'est jamais reconstruit. Lorsque de passage en France, il retrouve Mado, il fait la connaissance du petit Paul, le nouveau fils que Mado a eu avec son nouveau compagnon. Le tout début peut agacer, avec l'interprétation un peu larmoyante de William Hurt (qui joue Jacques). Mais ça bifurque assez vite avec l'étrange relation qui se noue entre Jacques et Paul (on sort du naturalisme). Sandrine Bonnaire réalisatrice sait faire naître une remarquable tension dans ce film, sans explication psychologisante superflue, mais qui bénéficie d'un très bon scénario et d'une interprétation solide (William Hurt finalement, mais aussi Alexandra Lamy, comme un double de Sandrine Bonnaire, et le petit Jalil Mehenni).

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Simon, un gamin de 12 ans, vit seul avec sa grande soeur dans une cité de la Suisse d'en-bas. Mais il grimpe tous les jours sur les pistes d'une station de ski, pour aller dérober le matériel des touristes, qu'il revend ensuite à ses voisins... Comme dans "Home", son premier film, la cinéaste s'intéresse à une famille dans une situation hors normes. Elle ne s'embarrasse pas d'explications, même si on finit par apprendre dans la deuxième moitié du film comment le préado et la jeune femme en sont arrivés là. C'est un véritable conte social, où tout n'est pas forcément vraisemblable, mais est rendu possible par l'ambiguïté insufflée par Kacey Mottet Klein et Léa Seydoux (décidément épatante) à leurs personnages.

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Dans la prison centrale de Rebibbia, près de Rome, des détenus du quartier de haute sécurité répètent puis jouent le "Jules César" de Shakespeare. Tout est vrai ou presque : les détenus sont vraiment des condamnés à de longues peines (pour trafic de stupéfiants, association mafieuse, voire homicide). Mais le film n'est pas tout à fait un documentaire : on voit bien que les cadrages millimétrés sont trop beaux pour être improvisés. Mais quelle que soit la frontière avec la réalité, l'expérience produit son effet : ces anciens criminels, à travers la pièce, se réapproprient la question du mal et du châtiment, et en même temps s'évadent par le jeu. Mais ce film court (1h15) laisse également le spectateur libre de son interprétation.

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14 juillet 1789. En quatre jours, Versailles passe de l'insouciance à la panique. Benoît Jacquot évoque cette fin de régime en suivant certaines des femmes de la Cour, notamment à travers les yeux de Sidonie Laborde, la jeune lectrice (énamourée) de Marie-Antoinette. Benoît Jacquot reconstitue ces journées historiques comme si elles étaient au présent (n'est on pas à la fin d'un monde ?), en filmant amoureusement ses actrices (Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen), tout en étant caustique vis-à-vis de ses personnages. Contrairement à d'autres tentatives ("Marie-Antoinette" de Sofia Coppola), le point de vue ne peut pas être suspecté d'être contre-révolutionnaire, même si le peuple en mouvement est hors champ.