Mes 35 plus belles rencontres cinématographiques de 2015

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Vu dans sa version de 3h 40. Énorme claque. De ses débuts ponctués par de magnifiques scènes de danse (entre autres) à sa seconde partie nettement plus violente, on ne voudrait jamais que ça s'arrête. Cimino réalise ici un monument du western, dont les valseurs, le nombre de figurants, la qualité des lumières, l’âpreté de la dramaturgie donne le tournis. Le bougre est arrivé à me passionner notamment avec un triangle amoureux, ce qui est un exploit en soi.

Christopher Walken est d'ailleurs toujours aussi éblouissant, son rôle est quasiment aussi marquant que dans "Voyage au bout de l'enfer". Isabelle Huppert, avec son accent français et son irrésistible manie de faire tourner nos deux hommes en bourrique vaut aussi bien la Claudia Cardinale de "Il était une fois dans l'Ouest".

Un western politique, un western romantique, crépusculaire et pourtant baigné de lumière, sans concession, sans fioriture. Parfait, en somme.

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L'émotion ressentie durant le film est assez inexprimable. Gus Van Sant est parvenue à filmer l'infilmable avec une méticulosité terrifiante. Cette succession de plans-séquences ne fait que renforcer cette atmosphère d'un fatalisme qui laisse sans voix. On s'attache à chacun des personnages, et on souffre littéralement avec eux. On ressort de la dernière séquence lessivé, comme si "Elephant" avait appuyé là ou çà fait mal. Un grand moment de cinéma.

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Je découvre enfin le film de Spielberg sur la Shoah, dont j'attendais énormément. J'ai beau tenter de faire la part des choses entre mes attentes et ce que le film est réellement, j'arrive au constat suivant : il est quasiment parfait. 3h 15 de pur génie, un face à face inoubliable entre Liam Neeson et Ralph Fiennes, une volonté de coller au plus proche de l'effroyable vérité. Il n'est pas édulcoré comme "La Vie est Belle" et se veut beaucoup plus solennel que "Le Pianiste", tous deux d'excellents films soit dit en passant.

"La Liste de Schindler" pourrait paraître trop académique pour être érigé au rang de chef-d'oeuvre du cinéma : il n'en est rien, car Spielberg multiplie les effets de mise en scène éblouissants et audacieux. Il y a bien deux ou trois plans qu'on pourrait critiquer mais cela serait vain. Le film devrait par ailleurs être étudié en cours d'histoire de collège/lycée tellement son réalisme implacable et l'émotion qu'il transmet en fait un indispensable pour tout cinéphile, et même un indispensable pour tout être humain.

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Terry Gilliam édifie ici un univers proprement monstrueux : rarement la science-fiction n'a connu de décors aussi grotesques et désincarnés, foisonnants et décrépis, dans un style innommable, qui s'approcherait du steampunk mais ce serait vraiment trop réducteur de parler de l'univers du film en ces termes.

Distopique à la manière de "1984", "Brazil" montre un enfer bureaucratique, un totalitarisme de la paperasse et des procédures. Castrés, réduits à leur fonctions, les personnages de ce film sont tous fous à lier, une constante chez Gilliam. Reste un havre de paix fugace, incarné dans cette jeune fille aux cheveux courts, signe d'innocence et de sérénité pour notre pauvre Sam. Signe surtout d'un bouleversement dans sa vie trop bien rangée, il ne lui en faut pas plus pour tout foutre en l'air, quitte à en payer le prix... Avant un épilogue proprement terrassant.

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Le film trônant à l'heure où l'écrit ces lignes à la douzième place des films préférés des internautes Senscritique, je dois dire que je m'attendais à un bon film... Et quel bonheur !

Au-delà de la performance d'acteurs du couple mémorable que forme ici Jim Carrey et Kate Winslet, et de la réalisation exemplaire de Michel Gondry, avec une esthétique onirique enchanteresse et une mise en scène plongeant véritablement le spectateur dans les rêves du personnage principal, c'est le travail du scénariste Charlie Kaufman qui est admirable par-dessus tout.

Déjà scénariste de l'excellent "Dans la peau de John Malkovich", il signe ici l'écriture d'un film romantique d'une profondeur monumentale, subtil dans son déroulement, passionnant dans sa réflexion. Si le réalisateur arrive aussi bien à faire passer les émotions, c'est justement grâce à un scénario aussi bien écrit.

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Une expérience sensorielle hors du commun. Esthétiquement à couper le souffle. Au-delà d'être un défi technique accompli pour presque chaque plan, ce film propose une vision de l'humanité écrasante, instable et désespérée, où chaque élément prend sa futile ampleur, un remue-ménage absurde, une errance perpétuelle et immuable. Il oppose à tout cela une vision de la nature solide comme un roc, bien que mise à mal par l'humanité. Du Kubrick sans la moindre parole, ni le moindre personnage.

C'est pourtant lorsque Reggio filme l'humanité dans son individualité, à travers des portraits de passants au ralentis, ou de personnes sur leur lieu de travail, dans le métro (le plus bel exemple est celui du pilote devant son bolide) que son travail prend tout son sens. Le monde est tellement vaste et tourmenté à en être absurde, mais ce serait oublier qu'il comporte en chaque individu un monde à part entière. Une note d'espoir en quelque sorte, noyée dans ses fascinants accélérés en milieu urbain, où la foule est comparée à de la chair à saucisse.

Enfin, le film n'aurait pas cet aura unique sans les musiques plus qu'omniprésentes de Philip Glass, qui enrobe les images dans un berceau envoûtant et abstrait, appuyant la force des plans avec une maestria admirable.

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Film d'évasion magistralement orchestré, "Le Trou" fascine par le mécanisme astucieux et parfaitement huilé que les cinq prisonniers conçoivent pour s'évader. Il y a quelque chose de complètement grisant à les voir s'affairer jour et nuit à l'application de leur échappatoire, avec une volonté inébranlable.

On est transporté par l'espoir distillé tout au long du film, les rebondissements, et bien sûr par des acteurs aux gueules marquantes, qui ajoutent un aspect très réaliste au film. Chaque détails amplifient d'ailleurs cette sensation de réalisme, tout comme la mise en scène qui se place souvent au plus près des personnages. Reste un plan, où deux des prisonniers, bougies en mains, s'enfoncent dans un tunnel. La caméra fixe, située derrière eux, filme leur lente avancée, plongeant peu à peu le cadre dans l'obscurité. L'effet est saisissant.

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Une oeuvre touffue malgré un déroulement des plus classiques : tiré d'une histoire vraie et réparti sur une journée, le scénario comme le cadre de l'histoire n'ont rien d'exceptionnels. La réalisation, bien qu'impeccable, ne l'est d'ailleurs pas non plus. C'est plutôt dans le développement des personnages, leur humanisation que Sidney Lumet arrive à des sommets. Al Pacino est flamboyant, attendrissant même, tout comme John Cazale. C'est un véritable trio de névrosés qui s'attaque à un cambriolage qui ne se passera pas comme prévu, et ce des les premières minutes : l'un des trois braqueurs se taille sitôt l'arme dégainée.

De la critique des médias à celle du pouvoir policier, "Un après-midi de chien" est avant tout une ode à la tolérance, faisant de deux braqueurs paumés les victimes de leur propre cambriolage. Face à l'implacable force de la loi, la sensibilité d'Al Pacino se montre à fleur de peau : il hurle, pleure, enrage, se dévoile au grand jour avec une sincérité touchante. Etant l'homme de deux femmes (dont l'une d'elle est d'ailleurs un homme) il va revoir pour la dernière fois les êtres qui lui sont chers, tous aussi tarés que lui. Car il n'y a personne, dans ce film, qui semble bien sain d'esprit. Le portrait d'une Amérique une fois de plus aux abois, où tous semblent lâcher prise.

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"Le Plongeon" est d'un surréalisme fascinant. Burt y est flamboyant, désespéré, terriblement touchant. En rejoignant sa maison de campagne de piscine privée en piscine privée, il multiplie les rencontres incongrues, et accomplit sa descente aux enfers dans l'échelle social et les méandres de la névrose. Des riches hypocrites, il rejoint les pauvres dans la piscine municipale bondée de monde, en passant chez une ancienne maîtresse, toujours à la recherche d'une sensualité et d'une reconnaissance qu'il a définitivement perdu. Une quête hautement symbolique, ponctuée par une mise en scène parfois expérimentale, toujours surprenante. Une expérience incroyable, empreinte de mystère et faisant le portrait lucide d'une société de l'apparence, du mépris et de l'amertume.

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Avec comme cadre un Los Angeles aride et surexposé au soleil, l'intrigue de "Chinatown" est menée d'une main de maitre. Si on ne voit pas où il veut en venir au premier abordm le récit prend des proportions inattendues avant une fin déchirante. Où l'impuissance d'un détective privé face à des évenements qui le dépassent prend tout son sens.

Mais surtout "Chinatown" transpire la classe par tous les pores. Par sa vedette Jack Nicholson en premier lieu, mais aussi par sa mise en scène redoutablement maitrisé, posée et élégante. Portée de plus par une bande-son des plus marquantes. Enfin par l'histoire d'amour qu'il distille en filigramme, symbole d'une jeunesse perdue et irrécupérable.

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Un très bon Satoshi Kon. Si la qualité de l'animation laisse parfois un peu à désirer, la narration, les personnages et le propos du film donnent le vertige : intimiste, chaotique, étrange, très symbolique, Perfect Blue développe ses personnages avec une rare intensité, et un aura mystérieux qui scotche.

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Avec "Dumbo", l'un des meilleurs films que j'ai pu voir sur l'altérité, l'acceptation de l'autre. Avec son noir et blanc picturalement maîtrisé, sa bande-son grandiose, ses performances d'acteurs remarquables et ses moments de purs poésie, "Elephant Man" s'impose comme un film majeur de David Lynch.

Il questionne notre rapport à l'individu, et même à la mort, avec une grande justesse, et surtout avec force d'émotions. La fin est dans cette optique sidérante.

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Avec Requiem for a Dream, Aranofsky signe son tout premier chef-d'oeuvre, un film à l'ampleur absolument incroyable. Loin d'être une oeuvre moraliste sur la drogue, il veut avant tout retranscrire ses effets à courts et longs termes, la terrible descente aux enfers qu'elle peut procurer. C'est avec une mise en scène sublime et inventive qu'Aronofsky distille des séquences émotionnellement très forte, à couper le souffle. On en ressort lessivé, mais en aucun cas déprimé, malgré le message très négatif que le film transmet. A vrai dire, il m'est impossible de dire quel film du réalisateur je préfère entre celui-ci et "The Wrestler" tellement ils s'approchent tous deux de la perfection.

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Récit dystopique au propos visionnaire, "Soleil Vert" peint un monde surpeuplé, où les inégalités sociales sont plus que jamais omniprésente. J'ai d'ailleurs rarement vu un film qui faisait aussi bien ressentir la sensation de faim, le manque d'une nourriture saine et délectable, à travers le personnage du grand-père. Avec ses images fortes, à commencer par son générique de début, il n'oublie jamais qu'il n'y a rien de plus percutant que l'image. D'où des scènes d'actions sans la moindre musique. Mais lorsqu'il s'agit de représenter l'idylle disparu, la musique classique devient une évidence.

Profondément pessimiste, écologique avant l'heure, le film se permet même un retournement final des plus marquants. Un classique de la science-fiction.

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Après avoir vu "Her", il est passionnant de voir qu'on retrouve les mêmes thèmes, les mêmes obsessions chez Spike Jonze dés son premier film. Il réalise ici comme avec "Her" une véritable réflexion sur le désir humain. Des acteurs brillants et parfois hilarants, un univers particulièrement touchant, la patte du réalisateur est posée dés les premières séquences. Le film est évidemment moins abouti que "Her", notamment dans l'écriture de ses personnages, mais les idées qu'il développe sont tout bonnement fascinantes, et il pousse le concept de son film jusqu'au bout, ce qui est pour le moins remarquable.

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