Mes Années 1940 au cinéma

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En signant L'aigle des Mers, Michael Curtiz se montre à la hauteur de ce remarquable projet, parabole entre deux époques et aventure maritime ne manquant pas de souffle, d'intensité ou encore de grandeur, tout en étant emmené par de formidables comédiens, Errol Flynn en tête.

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Quatrième film américain de Lang, premier western et premier film en technicolor. Si ce n'est pas encore un grand film, c'est néanmoins un bon film, non dénué de sens, maîtrisé et emmenés par un très bon Henry Fonda et une belle Gene Tierney.

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Le Cavalier du Désert se révèle être un bon film, bien qu'on peut être déçu par le fait que ce soit William Wyler qui se trouve derrière la caméra alors que l'oeuvre ne surprend jamais vraiment et ce malgré des personnages vraiment intéressants et bien interprétés alors que l'ensemble se regarde sans ennuie.

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Cecil B. DeMille signe avec Les Tuniques écarlates une oeuvre assez étrange, tant elle comporte plusieurs failles tout en restant plutôt captivante à suivre. Il propose une honnête mise en scène, misant sur l'aventure, le romantisme ou encore le coloré (il ne faut pas être allergique au rouge !!). Excepté un charismatique Gary Cooper, les comédiens ne sont pas vraiment transcendants, tandis que l'écriture comporte quelques maladresses, notamment dans le traitement des métisses qui n'ont pas l'air bien doués, sans que ce soit totalement préjudiciable

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En signant Christmas in July, Preston Sturges propose une comédie plutôt sympathique à défaut d'être transcendante, avec quelques bonnes idées, de bons comédiens ou encore un charme résistant à l'épreuve du temps. Néanmoins, si les comédiens sont bons (le duo Dick Powell / Ellen Drew fait des merveilles), on peut tout de même regretter quelques petits excès, dans les bons sentiments principalement, et s'il n'y a pas de quoi bouder son plaisir non plus, ça reste tout de même une petite déception.

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Vu les performances fournies par les comédiens, Errol Flynn en tête, devant la caméra ainsi que de Michael Curtiz derrière, La Piste de Santa Fé aurait mérité un tout autre traitement politique, même s l'œuvre demeure agréable à suivre, grâce au savoir-faire des artistes qui y sont associés.

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Qu'il paraît loin le temps où l'on pouvait mettre en scène des films comme The Lady Eve, pouvant nous rendre mélancolique d'une époque que l'on n'a pas connue. C'est léger mais tellement bien écrit, on se laisse entraîner avec des personnages forts, de piquants dialogues ainsi qu'une petite satire bien ficelée sur les mœurs, le mariage ou encore le milieu riche. Léger oui, mais cruel tout de même ! Et on s'attache à ce pauvre et niais Henry Fonda, qui va succomber à une piquante mais douce Barbara Stanwyck, tandis que les seconds rôles sont aussi mémorables, comme en témoigne Eugène Pallette en père sans gêne ou encore Charles Coburn, parfait roublard. Sturges démontre une réelle maîtrise de la screwball comedy, proposant une mise en scène simple faisant la part belle aux comédiens, et on n'en demande pas plus !

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Si Michael Curtiz s'est déjà montré bien plus ambitieux, il propose tout de même une œuvre intéressante pour son effort de Guerre, s'attardant plus sur un groupe d'humain au cœur d'une science, permettant à Dive Bomber d'éviter les lourdeurs patriotiques tout en sublimant un Errol Flynn égal à lui-même.

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Difficile d'aborder neutrement la vision (ici deuxième) de Citizen Kane lorsqu'on a en tête sa folle réputation (l'un des, si ce n'est le, meilleurs films de tous les temps).
Et pourtant ,difficile aussi de ne pas comprendre le pourquoi de cette réputation, tant Orson Welles innove, tout le temps, joue avec le noir et blanc et pense chaque plan, notamment pour mettre en avant, ou non, un personnage par sa posture.
Le film regorge de tout ça, à travers des flash-back ingénieux, des personnages qui viennent et repartent, le tout avec un montage fluide, participant à la tension présente dans le film, ainsi qu'à son atmosphère, plutôt tragique, et au fond, où le modèle américain est disséqué.

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Première immense oeuvre de John Huston, ce dernier démontre déjà tout son talent et savoir-faire avec Le Faucon Maltais, proposant l'archétype du film noir ainsi qu'une ambiance sombre, ambiguë et désespérée, emmené par un immense Humphrey Bogart.

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Très belle fresque familiale signée John Ford, qui se serait inspiré de sa propre vie pour la mettre en scène. Assez vite on y est immergé, notamment grâce à une parfaite, minutieuse et belle reconstitution de cette contré Irlandaise. John Ford arrive à aborder de nombreux thèmes différents à l'image du travail à la mine, du lynchage, des grève, l'ordre familiale ou encore la place de la religion et tous, sont traités de manière subtile et intelligente sans apporter de lourdeur au récit. Il filme sans point de vue, il observe cette famille, ses joies, déchirements et péripéties et arrive à la rendre passionnante. La mise en scène très propre est parfaitement adaptée à son récit tandis que la photographie est vraiment magnifique. Les acteurs sont très bons, et notamment une sublime Maureen O'Hara qui s'intégre parfaitement à cette ambiance mélacolique, touchante et teintée de rêves...