Les meilleurs albums japonais selon Mewtwo

Annotation :

Un océan de bruit où raisonne la voix hypnotique de Mizutani à travers une heure trente-cinq de cacophonie frénétique.
Cet album est un mur chaotique où fusionne noise rock et (harsh) noise sur fond de distorsion psychédélique. Le ton est donné pour instaurer un sifflement sonore paralysant. On a affaire à une brutalité auditive des plus extrême.

Le point de non retour.

Aucune concession n’est faite pour nous épargner. La qualité de l’enregistrement intensifie cette tension en distordant chaque bruit, créant une bouillie sonore abrasive et brûlante à l’image du rouge écarlate saturée de la pochette de l’album.
Les bruits s’étirent à l’infini et poussent le concept de l’harmonie, de la structure musicale et du son chaque minute un peu plus loin.

Le temps s’arrête.

L’album ne communique plus des sons mais des vibrations, "Flame of ice" est sans doute l’exemple le plus parlant. Les instruments ne sont plus reconnaissables à travers cette couche floue et erratique d’ondulation sonore qui nous consume littéralement les oreilles. C'est une explosion stridente à la fois viscérale et cathartique que nous fait vivre l'album.
Il y a un avant et un après 77’ Live. Il incarne probablement la forme la plus bestiale et primitive de ce qu’est la musique : du bruit sur du bruit.

Annotation :

Boris et Merzbow décident de se regrouper pour former un groupe à part entière le temps d'un Live, et marier leurs styles immersifs, uniques et différents.
L'un intègre des bruits stridents, des collages et autres effets de distorsion et de réverbérations, l'autre joue un Drone Stoner Métal des plus dense, tout en montant crescendo façon Post-métal. Les deux styles se heurtent et se mêlent sans jamais se dominer.

Un monolithe cathartique.

Le rendu créer un enfer sonore sans échappatoire et sans moment de répit, où tous les bruits sont à la limite de l'inaudible pour être absorbés par d'autres bruits, delays ou collages électroniques. L'album est atmosphérique et léthargique. C'est une tombée dans les abysses sonores où se côtoie tantôt l'harsh abrasif de Merzbow, tantôt le noise lourd de Boris pour aboutir à une œuvre salvatrice et unique.

Annotation :

Un collage de samples, d'instruments et de bruits.
Une expérience qui nous fait passer par plusieurs stades : du Jazz Instrumental, des extraits de l'opéra Frankfurt de Heiner Goebbels & Alfred Harth, des remixes d'enregistrements, des répétitions d'instruments, des bruits qui se superposent, des distorsions, du sons en cascades, et du silence.

Annotation :

Une performance Live holistique, donnant un aperçu global de l'éventail musical de Ground-Zero et des différentes voies expérimentales qu'ils ont pu prendre jusque là. Tout est parfaitement structuré, maîtrisé et à sa place.
L'interprétation de "Consume Red" est plus profonde et impactante que la version studio. Les noises qui englobent l’album sont (littéralement) perçants et détruisent les quelques états de flow passifs qu’on aurait l’outrecuidance d’imaginer prendre lorsqu’on entend une quelconque mélodie pendant plus de quatre secondes.

Une danse assommante et épuisante aux confins de l'absurde.

La tension monte d’un cran à chaque fois qu'un nouvel instrument entre dans cette fanfare expérimentale pour s’adonner à sa petite improvisation sonore. Last Concert épuise tout ce qui est possible et imaginable de réduire à du "bruit". Il nous étouffe, nous malmène, nous fait violence. Le côté expérimental est poussé dans ces derniers retranchements, rien n'est facile.
L'album se termine sur une note accouphénique aigue de plus de 130 secondes, comme s'il laissait derrière lui une terre désolée après un passage atomique.

On en sort anéanti et annihilé.

Annotation :

Un objet sonore dont on a du mal à croire qu'il soit l'œuvre d'un être humain tant on a l'impression qu'il est possédé (et c'est confirmé par les rires maléfiques du groupe en fond tout au long de l'album, je n'invente rien, évidemment).
L'album se compose d'hurlements (si on peut encore appeler ça des hurlements), des cris, des onomatopées presque générées par une IA (devenue schizophrène et hors de contrôle), des collages ça et là, du grand-n’importe-quoi inaudible, il n'y a aucun compromis.

Un capharnaüm sonore, où on fout par la fenêtre le concept de musique et de mélodie.

On nage dans du no-wave, grindcore, du black metal (?), du screamo, du doom metal, stoner rock, du psychobilly john-zornien (?), du noise complétement barré (que ce soit via les instruments ou les chanteurs), des glitchs, collages, grésillements, distorsions en tout genre... Le rendu relève de l'absurde. C'est à qui fera le bruit le plus imprévisible entre les membres du groupe (et la compétition est rude).
Cette petite bande de décérébrées décident de jouer tout en tombant des escaliers, ou en pleine crise d'hémorroïdes, ou en finition d'un harakiri avec un sabre rouillé, ou encore en ayant un œdème de Quincke qui empire à vue d'œil (au choix).

Pris en otage, on s'abandonne corps et âme.

Imperceptible et abstrait. Impossible de comprendre ce qu'il s'y passe. J’ai à plusieurs moment été pris de fous rires. Parfois on a cette impression qu'on procède même à un rituel païen et que l'intégralité du groupe va se sacrifier d'une seconde à l'autre. J'ai pris conscience que j'étais bien heureux de l'existence des écouteurs pour que je ne fasse pas subir ça à quelqu'un qui, par hasard, ce serait aventuré trop près de chez moi et aurait entendu, par inadvertance, cette messe martienne de maboule.
Si "Vision Creative Newsun" était déjà bien perché, et "Super Ae" très abstrait, cet album dépasse les limites de ce qui peut se faire de plus expérimental musicalement.

Une vulgaire éjaculation sonore qui met en exergue l'incohérence de la vie humaine.

...et c'est jouissif (éprouvant ?). On s'abandonne totalement, on est pris en embuscade... Rien ne va mais ce n'est pas grave. Je pourrais même crever, tant qu'il y a cet album dans mes oreilles, j'aurai le sentiment d'être bizarrement en paix.

Annotation :

Une exploration sonore violente créant une tension extrême qui tourne à la trance tribale psychedelico-maniaco-spatial.
Un album qui se réinvente à chaque nouvelle écoute grâce son côté abstractif et nous laisse à chaque fois dans un état béat d'euphorie léthargique.

Annotation :

Kan Mikami délivre une performance incisive et authentique de freak folk. Avec des hurlements, des gémissements, des pleures, des silences… Mettant à nu les tourments de son âme humaine.

Pas besoin de parler japonais pour le comprendre... Ça s'entend.

L’aspect mélancolique du Live est accentué par le piano d’Aketagawa, qui tantôt calme et dépressif se transforme en machine infernal et tranchante. Il hante l’œuvre tout entière et dialogue avec Mikami. Ishizuka et ses improvisations Free / Avant garde ajoutent une intensité émotionnelle qui donne une dimension cathartique à l'œuvre.
Les passages à l’ocarina couplés aux percussions sont des moments hors du temps où s'installe une atmosphère mystique. Cet océan doux se transforme très vite en marée sonore, en crise d'improvisation et de freak infernal.

Annotation :

Un voyage spatiale à travers une multitude de percussion en tout genre.
C'est cosmique, au début. Et puis tout s'accélère, le trip sous acide commence à prendre, les bruits s'enchainent, les cris se répètent, mais plus fort, plus bruyant, plus massif, plus électrique, plus vite. Et puis on ne pense plus à rien. Tout est de plus en plus distordu et chaotique. On se sent flotter dans les airs. Les sons deviennent transcendants, que ce soit le psychédélique, les synths, les percussions... Tout est solaire. On a le sentiment de toucher à quelque chose de vrai, qui a un sens.

Annotation :

Deux heures de profonde émotion où tout semble s'aligner pour que Fishmans donne une dernière représentation qui restera unique à tout jamais. Chaque morceau semble parfait et "différents" des albums déjà enregistrés en studio, ils ont plus d'intensité, plus d'humanité, plus de tristesse.
Une touche légère de mélancolie plane durant tout l'album et lui donne ce côté très "spécial". L'album parle à l'âme.
Le live se termine sur une représentation de Long Seasons emprunt de joie et de nostalgie. Tout est spectaculaire pour ce simple groupe de Dream Pop.

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Une comédie sonore bruyante et chaotique faite par des maniaques du Noise.

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Jazz Bed commence comme n'importe quel session de Kaoru Abe : Du Jazz improvisé frénétique et à cent à l'heure. Cette folie délirante dégage un sentiment de liberté qui raisonne durant tout le Live : aucune ou très peu de structures, et mélodies inexistantes.
Et pourtant, un dialogue s'installe entre Abe et Yamazaki, un dialogue démentiel où tout est autorisé. Le dernier tiers de l'album expérimente le Free Jazz avec une telle nervosité que j'avais ce sentiment qu'Abe allait crever d'une seconde à l'autre, c'est inhumain. On peut y voir des similitudes avec certains albums d'Anthony Braxton (For Alto) mais ici nous sommes "encore plus" (si c'est possible) détaché, sans aucune limite. Un Free Jazz presque primitif.

Annotation :

Une ballade unique sur la mélodie la plus emblématiques du Dream Pop.
L'album est réconfortant, j'ai ce sentiment de l'avoir toujours écouté, ce sentiment qu'il m'a toujours accompagné. PAAA...PA PA PA. PA PA PAAA... PA PA PA PAAA....
C'est l'album du souvenir pour moi. Une capsule temporelle où des tonnes de petits moments me viennent en tête : la première fois que je l'ai écouté, la première fois où je me suis mis à fredonner son air musical, le premier manque que j'ai ressenti de ne pas pouvoir l'écouter instantanément car je ne pouvais matériellement le faire (en pleine heure cours, en réunion, lors d'un repas avec des amis, où au milieu de la nuit quand je n'arrive pas à dormir...). C'est un amour désintéressé que je voue à Long Season.
C'est cette envie de le ré-écouter à chaque fois que je vois une belle éclaircie et que la journée est sur le point de se terminer, ce moment où je sais que bientôt, je serai libre de vaquer à mes loisirs, libre d'écouter Long Season.

Annotation :

Un Live hétéroclite où Tomokawa alterne entre Enka mélancolique poignante à la Kan Mikami, avant folk free aux airs de Tim buckley, Folk ethéré et minimalist à la Ishiko Aoba. Une ivresse, avec ses moments de lucidité, ses moments de folies, ses moments de bravoures.
Le tout est ponctué par les interventions de Kazuki avec son public au travers d'anecdotes ou commentaires out-of-the-blue. Ces moments suspendus servent presque à désamorcer certains passages frénétiques en mettant son public à l'aise (ou en garde) pour mieux le toucher la seconde d'après.

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Free Jazz / Free Improvisation

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Un album calme et mystérieux de folk / American Primitivism où la guitare et la voix de Tobari dialoguent ensemble. Tout est très simple, des riffs calmes où se superpose une voix douce et mystique qui chante, parle ou murmure.
L'album a un ton introspectif et intimiste, on sent que l'auteur souhaite rester naturel et authentique. C'est un véritable joyau folk contemplatif.

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Consume Red est stressant et donne des frissons. Si la mélodie reste la même durant tout l'album, le bruit et le rythme eux vont monter en puissance et s'accélérer (bruit qui au départ n'est quasiment pas visible) pour instaurer une atmosphère de plus en plus pesante et oppressante. Plus on avance dans l'album et plus ce chaos prend de l'ampleur, qu'au final tout soit sans dessus dessous et se déforme dans un espèce de vortex de sonore. L'album dégénère et se désagrège dans un tourbillon sonore.

Annotation :

1996 est un album calme et doux de Musique Classique Moderne minimaliste qui créer un environnement propice à l'introspection.
Sakamoto nous met entre les mains quelque chose de beau et régénérateur.

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Une incorporation de psychedelia, noise, blues rock, drone ambient, sur fond post-métal où la montée sonore est crescendo pour finir par exploser.
L'album nous met dans plusieurs état, un début drone qui se veut contemplatif et hors du temps, puis on progresse vers un océan sonore qui dégénère en noise.
Boris prend toute la place jusqu'à dominer intégralement l'atmosphère environnante.

Annotation :

Une exploration folk sur fond lo-fi avec des moments freak qui partent parfois en noise parfois en avant folk avec des ajouts de sons électroniques.
L'album passe par des petites ballades mélodiques, à d'obscure acoustique American Primitivism ou de violent excès improvisés de bruits complétement barrés. Daisuke est inspiré et ça se voit, on sonde le folk.
Une aura spéciale se dégage de l'album qui a quelque chose d'intriguant, sans doute parce que Daisuke Tobari est un personnage mystérieux et qui n'a jamais vraiment communiquer sur lui ou sa vie. Le son lofi ajoute une authenticité à l'écoute et on a ce sentiment d'entendre quelques chose de rare et précieux.

Annotation :

Le ton mélancolique est donné dès les trois premières minutes de l'album, avec ce silence pesant, cette petite brise, ce vide interminable, et la guitare acoustique qui s'entend petit à petit... L'album exprime le vide et la solitude. Vivre c'est absurde.
L'album s'énerve, la petite guitare prend toute la place et tout se transforme en un mélange de rock progressif, hard space rock pour aboutir à une ambiance lourde et pesante. La solitude plane au dessus de tout l'album. Les sonorités de la guitare sont étirées à l'infini (même déformés ?) sur deux longs morceaux introspectifs et passionnels.

Annotation :

Un voyage sonore avantgardiste parsemé d'heavy psych, de noise intense, de spoken words imbitable, de chœurs théâtrales et de musiques traditionnelles japonaises. Une belle cacophonie sous acide qui symbolise bien la vie hors-norme et sans code de J.A. Seazer et de sa petite troupe qui l'accompagne.

Annotation :

Play Standards est plus mélodiques que le Pekine Opéra de façon générale, mais une fois le premier morceau passé, l'album se transforme en collage en tout genre de sons, de Noise / et d'electroniques. L'album nage dans ses superpositions de bruits ça et là. Le noise détruit chaque mélodie ou tempo et le jazz / rock est anarchique à la limite de l'absurde.

Annotation :

On a affaire à un album hybride qui part dans tous les sens. Avec une voix qui sonne très black metal, des mélodies entrainantes cassés par un changement de rythme ou de genre musical en plein milieu du morceau. L'album fait penser à Moonsorrow pour sa partie Black metal, à Faith No More pour son côté presque "Alternative Metal", à Iron Maiden pour ses mélodies... Mais Imaginary Sonicscape explore également le Jazz Fusion, le rock psychédélique, le synth pop par moment... Ce joyeux bordel créatif donne un tout cohérent où rien n'est à jeter. C'est symphonique, grandiose et loufoque. Une dose d'adrénaline encapsulé dans un album.

Annotation :

On retrouve le folk freak de Mikami qui est plus que jamais humain et expressif : la voix est enroué, ça boit, ça crie, ça chantonne, ça sanglote. Les mélodies sont commodes et mélancoliques. La simple aura de Mikami donne un cachet brut et authentique à l'album. Bref, c'est touchant, et on est dès les premières secondes impliqué émotionnellement.

Annotation :

Ce live de Kikagaku Moyo mélange noise rock, rock psychédélique et space rock / jam.
L'album crépite et explose de partout. C'est parfois énergique, parfois calme, mais ça reste tout le long envoutant.