Les meilleurs films français de 2018 selon QuentinBombarde

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Peignant l'humain dans ce qu'il a de plus beau, commençant par le grand pour mieux nous conter le petit, Le Grand Bain est un film générationnel, un portrait sensible empli de justesse et d'émotion, qui fait beaucoup plus penser à un film de Claude Sautet qu'à The Full Monty. Le mot est lâché, et l'histoire je ne veux pas qu'elle s'arrête, car j'irais replonger dans Le Grand Bain dès qu'il sera à l'affiche.

Histoire de nager encore un peu avec eux, on est si bien dans ce Grand Bain.

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Mouret synthétise ici tout son cinéma centré sur la badinage amoureux ; enfermé dans cette époque, ces mots de Diderot et ces costumes, le cinéaste semble plus en forme que jamais, délivrant un conte cruel sur les sentiments. Maîtrisé de bout en bout, le cinéaste filme ses dialogues comme une joute verbale qui ne prendra fin qu'à la dernière scène, porté par deux interprètes magistraux.

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Après l'impressionnant Réalité qui s'annonçait comme la fin d'un cycle pour Dupieux, Au Poste! marque le retour en France du réalisateur pour un film, qui, au premier abord, s'avère moins déroutant que ses prédécesseurs.

Si l'exercice du huis clos empli de références clins d’œils à notre cinéma hexagonal est un emballage, Dupieux poursuit pourtant dans la veine de son projet précédent. Si son absurde se teinte désormais de banal et Au Poste! demeure plus modeste que son prédécesseur, il n'en demeure pas moins aussi abouti dans sa déconstruction totale du réel.

Le dialogue millimétré sert de fil conducteur pour une histoire à priori banale qui part en déroute perpétuelle. Dès qu'il le peut, Dupieux étale sa maîtrise et fait exploser les codes de narration et de cinéma en déjouant ainsi les attentes du spectateur.

Plus maîtrisé, plus modeste et beaucoup plus ancré dans le réel, Au Poste! se joue de son emballage et du spectateur, tout en étant le film le plus accessible d'un Dupieux maîtrisant parfaitement son art. Au top.

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Audiard s'ouvre et signe un film sur la fraternité. Des ténèbres jusqu'à la lumière, de ses utopies jusque dans ses mensonges, elle est belle, forte attachante, car portée par des acteurs magistraux. Malgré quelques longueurs le film est fort et beau, à l'image de ses deux frères, assassins perdus sur leur chevaux.

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Après son inabouti premier film Elle l'adore qui mettait déjà en scène les formidables Sandrine Kiberlain, Olivia Côte et sa mère Miou-Miou, Jeanne Herry revient dans une veine plus naturaliste en abordant l'adoption avec le formidable Pupille.

Avec un tel sujet il aurait été facile de forcer le trait, d'enrober le tout de sucre et de violons, et c'est pour cela qu'il faut saluer le formidable travail de Jeanne Herry qui a su manier un équilibre entre sensibilité et lumière, en gardant la distance nécessaire pour observer de près des interprètes tous fabuleux.

Autour de cette naissance, de cette vie qui jaillit, c'est plusieurs destins qui s'agitent, tous dessinés avec justesse et un naturel parfois désarçonnant. Ainsi, Pupille semble parfois porté par une certaine grâce tant son observation de l'intime est fine, travaillée et subtilement dosée.

Tout ce petit système qui se met en route est ainsi illustré par des vies qui s'entrecroisent, toutes ces petites mains, ces oreilles, ces bras qui mèneront ce petit Pupille jusqu'au bras d'une mère. Chaque petit détail devient ainsi immense tant l'affaire est menée avec un parfait dosage et une profonde humanité.

Après le Grand Bain, Gilles Lellouche continue d'étonner et rend ainsi hommage à tous ces gens dont le travail pour eux ordinaire confine à l'exceptionnel tant l'impact est lourd. Toutes ces vies qui s'agitent pour qu'une seule voit la lumière. Toutes ces petites choses pour que Pupille devienne grand, à moins qu'il ne le soit déjà.

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Giannoli filme l'Apparition dans un film sobre, emmené par ses envolées de cordes lyriques et sombres. Lindon y est effacé, un enquêteur efficace soudain troublé par l'invisible. Sobre, superbement documenté, le film est passionnant et réussi de bout en bout.

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Comédie astucieuse et enlevée, badinage amoureux moderne et jeu autour de la fidélité bien moins anodin qu'il n'y paraît porté par 4 superbes acteurs, L'Homme fidèle est un délice. Comédie savoureuse et rythmée aux références aussi inspirées que contemporaines, le deuxième long-métrage de Louis Garrel est une jolie réussite.

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Gavras signe une comédie douce et colorée, qui verse dans la mélancolie. Doté d'une galerie de personnages géniales, le film est une peinture apaisée d'une voyoucratie qui se cherche un paradis simple, loin des abus et du clinquant.

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Mené par des interprètes tous parfaitement dirigés, dont le trop rare Vincent Elbaz (déjà à l'affiche cette année du surprenant Je ne suis pas un homme facile), chacun arrive à tirer son épingle de ce Jeu pour livrer un divertissement millimétré mais pas calibré, qui se place à mes yeux, et à ma grande surprise comme l'un des meilleurs films français de cette année. Moderne, tendu et efficace, Le Jeu nous prend avec lui, et nous le dit, nous le crie ; Vivons heureux, vivons cachés.

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Comédie noire et absurde sur la culpabilité et la mort, En liberté cultive son décalage avec un manque de dosage, se perdant entre longueurs et redites.

Il n'en reste pas moins à l'image de son titre, frais, poétique et libre. En liberté! est la preuve que Salvadori reste dans la place sur le terrain de la comédie française, sachant s'entourer de la fine fleur actuelle et sachant donner de l'air et du neuf à sa filmographie.

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Stéphane Brizé retrouve Vincent Lindon pour un projet similaire à La Loi du Marché. Il s'inspire en effet des images des grévistes d'Air France qui avaient arrachés les chemises des responsables, et l'avait alors poussé avec Lindon à se demander ce qui les avaient amenés jusqu'à cette perte de sang-froid.

Si le film emporte par la qualité de son approche, tant dans sa documentation précise et son portrait de la lutte, la sacralisation de son acteur enlève un peu de cette authenticité, mettant la lumière sur la performance de l'acteur, pourtant parfait en employé effacé dans leur précédente collaboration. Sa posture trop importante pénalise le film, qui n'en demeure pas moins glaçant et terrifiant, dans une mécanique huilée vers de sombre desseins, d'une guerre perdue d'avance se déroulant sous nos fenêtres.

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Porté par un trio d'acteurs très justes et malgré une fin trop longue, un drame en forme de déclaration d'amour maternelle dur et sensible. Et le portrait en miroir de deux femmes détruites qui auront su garder la force d'avancer.

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Malgré ses quelques longueurs, Guy est un film épatant sur un homme pour qui le temps présent est un pays inconnu. Un dinosaure au milieu des écrans et d'une époque qui n'est plus, et le portrait d'un chanteur de variété d'une étonnante justesse.

En abordant la vieillesse, la cruauté d'une population qui le voit comme un ringard, Guy n'est que modeste dans son procédé de faux documentaire tant il ratisse large sur ses thèmes abordés. L'impressionnante performance d'Alex Lutz y est évidemment pour quelque chose. Sincère, juste et souvent touchant, Guy est une réussite.

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Délaissant l’héroïsme pour aborder la reconstruction lente et douloureuse, Sauver ou Périr, malgré ses intentions parfois appuyées, demeure d'une justesse bouleversante. Dur chemin que celui vers la lumière pour un homme qui a perdu ce qui faisait son identité, porté par deux fabuleux interprètes.

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Netflix surprend encore en sortant de son catalogue un film français au sujet actuel et porté par un superbe casting. D'abord le trop rare Vincent Elbaz, la très drôle Blanche Gardin, et le reste d'un casting aussi convaincants que l'est cette vision d'un mâle alpha tombant dans une société où les rôles sont inversés.
N'en faisant jamais trop, la réalisatrice redistribue avec finesse les comportements, les paroles, sans forcer le trait, et son tableau fonctionne à merveille. L'histoire d'amour centrale n'est jamais sucrée tant le contexte semble sombre pour les deux côtés, à l'image de deux personnages séparés par leur sexe mais réunis par leur forte personnalité.
Jolie découverte, à partager et à diffuser, cette comédie douce/amère sur l'égalité des sexes tombe à point nommé, et de par sa qualité aurait largement mérité une diffusion plus large.

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Dès les premières images, Les Garçons Sauvages révèle son imagerie irréelle et l'oeuvre de l'esthète qu'est Bertrand Mandico sur un voyage entre deux rives, ici différents sexes. D'une fausse virilité à une féminité libératrice, Les Garçons se révèle être, en plus d'un objet onirique, un conte moderne, libre et poétique, sur des genres comme des voyages à la quête de soi-même.

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Malgré un rythme plutôt convenu, la richesse de cet Astérix signé Clichy-Astier se trouve dans le fait d'aborder la vieillesse et le temps qui passe dans une aventure attachante et haute en couleurs dotée d'un ennemi très intéressant.

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Franchement déçu par le très mauvais MILF et sa tentative ratée de comédie féminine, je sautais alors sur les dernières séances de Larguées. Je ne portais alors pas dans mon cœur Éloïse Lang, dont j'avais détesté les Connasse, dont Camille Cottin avait à mes yeux su se détacher (Notamment grâce à Dix pour Cent dans laquelle je la trouve géniale).

Elles reviennent alors, après le succès de leurs pastille à succès adaptée en film, accompagnées de leur copine Camille Chamoux et de la grande Miou-Miou. Et c'est une réussite. J'irais même jusqu'à dire que c'est une des meilleurs comédies françaises que j'ai vu cette année (et il y en a peu).

A partir d'un postulat de départ hyper simpliste, le trio d'actrices arrive, en plus d'être drôles, à jouer sur une partition plus intime. Ainsi, en grattant derrière le soleil du club de vacances et les personnages stéréotypés, il y a de jolies portraits de femmes, vouées à la solitude. Chacune se retrouve ici, entre mère et filles, et un peu elles-mêmes.

Chacune des actrices arrive à tirer son épingle du jeu, autour de la rayonnante Miou-Miou, qui prend un plaisir évident à être là. Entourées de seconds rôles attachants, le trio l'emporte, au cœur de blagues fines et bien écrites (Je retiendrais "L'Empire des sens au pays des Couilles Molles" DIRECT) et marquent cette comédie girly réussie et touchante. Merci les filles.

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En étant axé sur la survie et sa solitude, La nuit a dévoré le monde ne se contente pas de n'être qu'un film de zombie à la française. Très réussi techniquement et malgré quelques longueurs, le film tient son heure et demie non pas sur un déluge d'effets techniques et des foules de mangeurs de chair humaine mais sur une survie qui s'étiole à petit feu.

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Après Grave, une vague de films français de genre émerge, pour notre plus grand plaisir. Dans la brume, de l'inconnu (pour ma part) Daniel Roby, est une réussite de climat, de tension et d'interprétation, qui malgré quelques facilités emporte par la maîtrise de son récit et le traitement de ses personnages.

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Si le film paraît noyé sous ses grands ambitions et son évidente faute de moyens, il est l'occasion de voir la caméra prodige de Pierre Schoeller saisir ces instants où tout bascule, de la froideur d'un Versailles qui s'éteint à la chaleur d'un peuple qui se réveille. Le film n'arrête ainsi jamais de se démener pour nous faire ressentir l'ampleur de ce moment crucial dans une galerie de personnages généreuse mais hélas pas toujours aboutie.

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Un couteau dans le cœur est un objet de cinéma fétichiste, léché, empli d'exubérances et alourdi par ses excès. Le film, objet étrange oscillant entre l'hommage au giallo et au cinéma porno des 70's, est un fantasme de cinéma intéressant, porté par de jolies trouvailles visuelles. Tour à tour étrange et fascinant, un hommage lourd mais définitivement libre et singulier.

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Chacune des balades du duo Délépine-Kervern aura su me toucher. La mélancolie acide et poétique de Mammuth et son immense Depardieu, la douce fantaisie punk du Grand Soir au généreux et touchant Saint Amour (pour ne citer qu'eux) chacun de leur film aura su gagner une place de choix dans mon cœur de cinéphile.

En embauchant Dujardin , l'attente n'était que plus grande. Et si je suis quelque peu déçu, il n'en est cependant rien du génial talent des deux réalisateurs qui continuent de nous dépeindre leur univers si doux et décalé. Le film déborde de générosité, et si leur précédent film n'en avait qu'un peu trop à revendre (surtout la fin en fait), la dose est ici plus grossière, nous offrant trop de passages anecdotiques qui ne font qu'alourdir le récit.

Car ce récit, il est simple, et toujours aussi joliment filmé ; il se voit comme une ode aux petites gens, à la tendresse, à la générosité et aux bonheurs simples. Doté de leur talent de mise en image, le film est un bel objet, à la photo éclatante et géniale d'inventivité. Le duo, avec trois clous et quelques ficelles, dresse des plans travaillés, poétiques, épousant parfaitement ce petit bout de paradis qu'est l'EMMAUS, ici formidablement filmé.

En ne dosant plus sa générosité, le film s'égare, s'allonge, s'étiole, et s'affaiblit. N'ayez pas peur, il a un si joli sourire, une si jolie lumière, que même dans son peignoir de Thalasso perdu au bord d'une autoroute, on aurait envie de le serrer dans nos bras.

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La fête, elle semble fausse, aussi fausse que ces personnages, cette illustration de la jeunesse représentée par Mister V et sa bande, de cette jeune auteure qui règle ses comptes sur la Place Publique, et ce Jean-Pierre Bacri (On fait un coucou à Thierry Ardisson qui appréciera le taillage en règle) qui n'a jamais aussi été détestable, et Agnès Jaoui qui rejoue ici son rôle de femme humaniste à côté de la plaque.
On ne participe jamais vraiment, et l'on regarde ce petit monde s'agiter de loin, sans vraie empathie, sans vrai régal, Place Publique réussit alors au moins à recréer ce petit monde en plastique, qu'il s'évertuait à dépeindre, tombant hélas complètement dedans.
Un défaut? Non, pas vraiment. Une réussite? Non, pas vraiment non plus.

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Si la promesse d'une comédie trash portée par un réalisateur de genre s'avérait prometteuse, Budapest ne dépasse hélas jamais ce postulat malgré des acteurs géniaux et une ambiance réussie.

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Eric Judor est un type cool, sachant choisir ses projets avec talent. Après l'excellent Problemos, entre quelques pubs ENGIE et la prochaine saison de Platane, l'acteur s'est vu proposer un premier film, et une opportunité de sortir de sa zone de confort.

Si l'on retrouve là le personnage "Judorien" que l'on connaît, l'acteur emprunte ici des chemins plus sombres, donnant enfin une âme à ces rôles d'hommes-enfants attachants, mais profondément égoïstes et menteurs. Ce virage qui s'opère dans le film m'a fait penser au Gueule d'ange de Vanessa Filho, sorti cette année.

Premiers films dotés d'acteurs de premiers plans justes livrant de jolis performances et interprétés par des enfants merveilleusement dirigés, ils ont tous deux cet équilibre sensible qui les pousse cependant à en faire trop. Si Gueule d'ange force le trait, Roulez Jeunesse (que j'ai préféré) le marque de manière plus abrupte, tant le film propose un climat doux et coloré tout du long, jusque dans son générique.

C'est ce que je retiendrais malgré ce manque de dosage, cet élan de douceur, cette tourmente calme. Eric n'a pas voulu en faire des tonnes et c'est tout à son honneur. A bientôt 50 ans, l'acteur semble opérer sa mue, et tout ce qu'on peut lui dire c'est "Roulez Jeunesse"

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Marion Cotillard impressionne dans ce premier qui prend d'abord aux tripes. Superbement portée par la magnifique Ayline Etaix, le film s'enfonce ensuite dans le mélodrame facile et enfile les poncifs avec maladresse.