Les meilleurs thrillers selon Marius Jouanny

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Ici, ce n'est pas seulement le sommet absolu de Micheal Mann, qui signe ici un monument de narration visuelle, d'écriture millimétré ne tombant pas dans les poncifs comme certains autres de ses films, tout en distillant une humanité, une émotion dans chacun des nombreux personnages. C'est aussi la rencontre au sommet des deux plus grands acteurs de l'histoire d'Hollywood (ou du moins du nouvel Hollywood) De Niro et Pacino. Tout est réuni ici pour aboutir à un chef-d'oeuvre d'action : tension au cordeau, introspection profonde dans l'intimité des personnages, scènes d'anthologies... Inoubliable.

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Peckinpah signe ici à mon sens un sommet du cinéma américain. Le début des années 70 a accouché de quelques oeuvres confrontant le citadins au milieu rural en pleine dégénescence (« Délivrance », « Massacre à la tronçonneuse ») celui-ci en est probablement le meilleur représentant. Car il ne s’agit pas seulement de représenter le visage fantasmé du paysan consanguin rustre et violent, mais de faire surgir à travers lui nos angoisses les plus intimes et à ce niveau-là Sam ne fait pas dans la dentelle. Il joue sur tous les tableaux, à commencer par une descente aux enfers terrifiante dans sa représentation de la sexualité, d’abord enjouée puis traumatisante, la violence étant renforcée par des effets de montages chers au cinéaste. La déconstruction du couple, des câlins du début à la réplique finale, est simplement terrassante. Dustin Hoffman est quant à lui parfait dans son rôle de petit bourgeois intellectuel et effacé qui va s’affirmer dans la fureur et le bruit. Jusque dans une dernière partie en mode « Alamo » magistralement orchestrée. Voilà du cinéma douloureux, choquant, mais qui n’est jamais outrancier ou gratuit, laissant même une part, certes infime, mais bien présente, d’humanité aux agresseurs. Peckinpah nous dévoile ainsi le plus noir visage du Nouvel Hollywood.

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Fabuleux. On pourra dire qu'en termes de thématiques et d'ambiance, De Palma emprunte beaucoup au "Conversation Secrète" de Coppola et que globalement il aborde des problématiques déjà beaucoup traitées par le Nouvel Hollywood. Mais il le fait avec une telle virtuosité ! Il peut ainsi se permettre des dispositifs de mise en scène qui paraîtrait outrancier pour n'importe quel réalisateur mais qui avec lui fonctionnent à merveille : l'hommage détourné au travail de montage visuel et sonore au cinéma par cette recomposition passionnante de l'accident, le grandiose tragique exacerbé du final où le feu d'artifice rend la scène presque kitsch mais amplifie surtout une émotion à son paroxysme... Et puis il y a ce couple d'acteurs, inoubliable, qui rend les scènes de suspens et d'émotion vraiment exceptionnelles.

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Soyons franc : si Nolan avait monté ce « Memento » dans l’ordre chronologique, le film serait loin d’être aussi marquant. Thriller tout de même particulièrement bien filmé et rythmé, il nous met dans la peau d’un amnésique recherchant le meurtrier de sa femme. Son cas est particulier : depuis que l’agresseur l’a assommé avant de s’enfuir, notre charmant Guy Pearce est incapable de se rappeler ce qu’il a vécu trois minutes auparavant. Hanté par les souvenirs de sa femme qui sont les derniers encore gravés dans sa mémoire, il se promène de motel en motel, tatouant chaque indice de sa quête de vengeance sur le corps.

Nolan joue donc avec la perception du personnage, mais surtout avec notre propre perception de spectateur en montant les scènes du film dans le désordre. On vit alors la même impression que le personnage durant le film, celle de vivre la même boucle sans jamais ni pouvoir s’y échapper, ni la saisir complètement. Les enjeux et le déroulement en deviennent renversants, et d’un intimisme très subtil. Cela en dit long sur l’inconscient, comment nos souvenirs et notre passé forge notre individualité, et comment notre instinct peut nous amener à vivre les yeux bandés, si on y trouve un sens. Parfait préambule du chef-d’œuvre « Inception » sorti dix ans après, ce « Memento » a déjà toute la précieuse élégance du cinéma de Nolan, d’un académisme formel et solide pour mieux renverser les codes narratifs. Sa démarche pour ce film est d’ailleurs plus que jamais similaire à celle de David Fincher ; et en ce qui concerne l’immersion dans la psyché déréglée d’un individu déterminé, Nolan est bien plus pertinent avec ce film que Fincher avec « Fight Club ».

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Brian de Palma propose avec "Pulsions" une véritable friandise de cinéphile, et un monument du thriller. Le fétichisme de la mise en scène par les objets comme les effets de lumière, les mouvements de caméra en fait un digne héritier d'Hitchcock, un Hitch qui serait d'ailleurs sexuellement et formellement débridé, en roue libre. Mais De Palma n'est pas formaliste pour autant, tant l'écriture témoigne d'une inventivité sans borne, convoquant là encore Hitchcock notamment dans le fait d'introduire un personnage avec une grande épaisseur scénaristique pour mieux s'en débarrasser à la grande surprise du spectateur. Surtout, il prend le contrepied de beaucoup d'automatisme d'écriture et introduit assez tôt considérant l'histoire du cinéma la figure du nerdz asocial en évitant beaucoup de clichés qui lui seront bientôt associés. Certes, tout cela ne fait pas un propos me direz-vous, si ce n'est qu'il aborde les questions de la schizophrénie et du transgenre. Mais il faut prendre le film pour ce qu'il est avant tout : une leçon de mise en scène onctueuse qui atteint pleinement son potentiel de suspens jusque dans une dernière scène d'anthologie.

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Le démiurge Michael Mann propose avec ce deuxième film « Le Solitaire » l’essence de ce qui fait de tout son cinéma, et de ce qui fait notamment de « Heat » un des plus grands chef-d’œuvre du cinéma américain de ces 20 dernières années. Il aborde la criminalité par la lorgnette des motivations individuelles et intimes, proposant entre autre une vision du couple qu’il affinera avec toujours plus de profondeur scénaristique. Ici, notre voleur de bijou sort de onze ans de tôles, et décide pour la première fois de jouer carte sur table avec la nouvelle femme qu’il désire : il est à deux doigts de réunir assez d’argent pour prendre sa retraite de violeur de coffres forts, et c’est avec elle qu’il veut vivre. Si Mann parvient à donner de la consistance à ce qui pourrait ressembler à un banal rêve américain, c’est par la rage contenue de son protagoniste, mue par un désir fou de vivre ou mourir, et l’empathie hésitante puis éperdue de sa compagne : il n’y a pas à dire, le cinéaste était déjà le maître de la construction de personnages, talent qu’il perdra dans les années 2000 à partir de « Collateral ».

D’autant plus que la forme est d’un charme imparable : le montage acéré est souvent sublimé par une bande-son électro qui n’hésite pas quelques envolées stridentes, parfois un peu trop, pour exacerber la tension dramatique et le suspens qui fonctionnent au diapason dans de nombreuses scènes, à commencer par ce superbe générique de début. Pis, Mann propose quelques plans aériens, quelques jets de lumières, qui rappellent qu’il côtoie largement Scorsese ou Schlesinger dans sa représentation onirique et virtuose du milieu urbain nocturne. Une noirceur du cadre qui annonce la noirceur tragique de la conclusion : c’est lorsqu’il n’a plus rien à perdre que l’animal pourchassé peut se changer en prédateur. L’affirmation existentielle que propose Mann est ainsi désespérée : elle ne peut se faire que dans la souffrance et le détachement de tout affect.

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Vu l'estime que lui porte le public, je ne m'attendais pas à voir n'importe quel film. Et il faut bien avouer que tout, dans la mise en scène comme dans l'intrigue, est parfaitement maîtrisé. Si l'histoire est complexe, et que les premières séquences sont un peu déroutantes, on parvient bien à comprendre les événements dans les grandes lignes avant un twist final inattendu et millimétré. Voilà enfin un film qui parvient à manipuler son spectateur, avant de retomber sur ses pattes d'une bien belle manière. La plus grande force du film étant dans sa capacité de suggestion, permettant à chaque détail important du film d'être mémorisé et assimilé inconsciemment (ou pas) par le spectateur pour préparer le fameux twist final. Une sacrée leçon de cinéma de ce côté-là.

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Richard Fleischer frappe très fort avec ce film policier inspiré d'une histoire sordidement vraie. Le film vaut le détour pour le réalisme documentaire de sa première partie, rythmé par une utilisation du split-screen presque inédite à Hollywood, mais aussi et surtout pour sa seconde partie qui s'attarde sur la psychologie du meurtrier en question, fabuleusement interprété par Tony Curtis. Son dédoublement de personnalité est relaté avec une grande inventivité de mise en scène qui propose un regard étonnamment empathique sur un tel monstre. De quoi faire oublier les quelques longueurs en milieu de métrage, et placer le film en bonne place parmi les meilleurs thrillers psychologiques.

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Il est très aisé de déceler les limites d’un film comme « Old Boy » : thriller sud-coréen sous acide, ses enjeux se révèlent complètement tirés par les cheveux (ou très cliché, comme le méchant impassible dans sa grande tour de verre) et son hystérie permanente peut agacer et désamorcer la force dramatique d’une ou deux scènes. Il exige donc un pacte tacite avec le spectateur, celui d’un lâcher-prise où l’émotion et la violence prennent le pas sur le crédit scénaristique ou sur toute forme de réalisme. Car passé ce stade-là, force est de constater que la mise en scène est d’une richesse quasi-épuisante : à l’inverse de « Memories of Murder », autre film coréen sorti la même année (2003), « Old Boy » fait fi de toute sobriété et se vautre délicieusement dans une démarche ludique à tous les étages. Effets de transitions et autres jeux de montages, split-screen, plans-séquences et mouvements de caméras virtuoses, zooms, ralentis, Park Chan-Wook ne lésine pas sur les moyens et procure une jouissance à mi-chemin entre Tarantino et Leone.

Toute cette artillerie de mise en image pourrait pourtant paraître bien vaine si elle se cantonnait à la simple quête de vengeance truffée de références et effets tape-à-l’œil, comme dans « Kill Bill ». Mais il n’en est rien car le film sonde les passions, aussi bien amoureuses que violentes et sadiques, avec une ferveur ébouriffante. Si la mise en scène est souvent orgasmique de nervosité et de grandiloquence, aussi bien visuelle que sonore, c’est bien parce que le personnage principal sort de ses gonds après 15 ans d’enfermement et, plus que chercher à se venger ou à comprendre pourquoi on lui a infligé un tel supplice, il cherche tout simplement la jouissance vitale qui lui a manqué tout ce temps. Le déluge de corps mutilés, de coups de marteaux et plus brièvement d’érotisme trouve alors non seulement une pleine justification, mais un véritable sens.

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