Les meilleurs films de 2001 selon Marius Jouanny

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Certes, il est indéniable que la forme tape-à-l’œil de "Donnie Darko" et son mysticisme mâtiné d'astrophysique prêtent le flanc à des critiques, et je comprends que certains n'y aient pas trouvé leur compte. Mais pour moi, c'est avant tout un trip onirique d'une beauté folle, qui trouve un échappatoire salvateur au sentiment d'absurde et de désespoir du personnage principal.

Il reprend les repères chargés d'affects du cinéma de genre américain et plus particulièrement du teen-movie (la banlieue, les couloirs du lycée) pour les regarder d'un nouvel angle, à la fois nostalgique et acerbe quant à l'endoctrinement religieux sur la leçon qu'on est censé assimiler sur le dépassement de soi, etc. En cela, Donnie Darko propose un recul critique qui fait de lui bien plus que le film culte pour ado qu'il semble être au premier abord. Le nihilisme de Donnie en devient iconoclaste et fait gagner le personnage en consistance. Le climax n'en brille que d'autant plus, exprimant une émotion rare et précieuse. Tout cela me fait foutrement regretter de ne pas avoir vu le film en version longue. Mais le voir au ciné en version restauré, c'est déjà quelque chose tant l'onirisme des scènes baignées dans une playlist parfaite est un pur plaisir de cinéma.

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Plus qu'un remake du chef-d'oeuvre de Jack Clayton "Les Innocents" dont il reprend l'ambiguïté narrative et une partie de l'esthétique, "Les Autres" en propose une relecture fabuleuse. Car mine de rien, Amenábar propose ses propres effets horrifiques très efficaces, et avance en toile de fond une réflexion sur la foi qui amène le film vers des sentiers inattendus. Finalement, le spectateur n'est pas tant horrifié que bercé d'effroi et de fascination par une ambiance visuelle et sonore finement réalisée. Ce qui fait la marque à mon sens de tout bon film d'horreur. Le twist final, qui renverse et révèle les relations entre les personnages, accomplit pleinement l'intention intime du réalisateur de représenter de manière détournée l'éclatement de la cellule familiale et l'érosion de la foi au milieu de la tourmente. Pour en proposer une d'un autre type, celle qui fait demeurer Nicole Kidman éblouissante et debout contre vents et marées, l'amour filial.

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Le premier film de Quentin Dupieux m'intriguait fortement depuis longtemps. Il est finalement étonnant de constater que c'est son premier film qui est le plus radical (encore plus que Réalité) dans la démarche de briser le quatrième mur et de proposer une réflexion sur le cinéma. Tout jugement esthétique sur le film me paraît assez stérile dans la mesure où ce n'est pas ce qu'il recherche : il est dans l'expérimental pur. Il faut donc passer outre un rythme en dent de scie. Mais c'est pour mieux apprécier une oeuvre méta très riche, qui brouille les repères entre ce qui relève du cinéma et ce qui relève de la pure spontanéité sans écran. Le personnage de l'acteur mégalo apporte de plus une dimension comique au film très appréciable, pour finir sur une remise en cause existentielle à la fois hilarante et glaçante, préfigurant toute l'ambivalence du cinéma de Dupieux : "quelqu'un filme, là ? Où est le film ?".

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Typiquement le film intimiste on ne peut plus attachant. On reconnaît déjà le talent de mise en scène de Cuaron dans les plans-séquences, les cadrages improbables, l'écriture des personnages. Mais surtout, dans sa réflexion sur l'adolescence, il parvient à générer une empathie remarquable. Après, il y a quelques lourdeurs comme la voix-off ou quelques simplicité scénaristique. Mais à l'heure où le réalisateur retourne réaliser un film au Mexique, se pencher sur le début de sa filmographie est très éclairant, et salvateur.

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Un film de guerre superbement réalisé : Annaud lui insuffle de l'épique, un rythme, impressionnant dans ses décors, irréprochable dans sa mise en scène, remarquable dans son casting, tout cela fait de "Stalingrad" un spectacle fichtrement abouti. C'est avant tout la guerre à hauteur humaine qu'il capte ici : l'ennemi a un visage, celui d'Ed Harris, et le triangle amoureux s'invite sur le champ de bataille, pour un résultat qui suinte un peu trop le lyrisme, très franchement. Si cela reste un film de guerre historiquement intéressant, l'Histoire est globalement éclipsée pour des personnages finalement assez peu consistants. Le tout tient en tout cas en haleine, et on ne pourra pas reprocher au réal un point de vue impersonnel, notamment sur la réflexion, certes superficielle mais néanmoins existante sur le régime stalinien et le communisme. Rien que pour sa reconstitution de la fameuse bataille, le film vaut en tout cas le coup d’œil.

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Loin de moi l’idée de vouloir profaner l’un des monuments cinématographiques de ces dernières décennies pour tout bon cinéphile qui se respecte, mais « Mulholland Drive », décrit par tous comme le firmament du cinéma de Lynch, est à mon sens surtout celui qui concentre le plus son maniérisme dissonant qui embrume la narration comme la réflexion. Certes, un tel film nécessite un lâcher-prise sur ce qu’il représente pour une appréciation avant tout émotionnelle, et c’est pour cela que tout comme « Lost Higwhay », il me faudra plusieurs visionnages pour m’en faire un avis définitif. Pour l’instant, je reste frustré par la capacité du cinéaste ici à développer ses thèmes habituels, pour le coup tous réunis en un seul film (le sexe, l’onirisme, la dégénérescence perceptive, l’humour étrange, l’impression diffuse du mal…), et ses mimiques visuels comme narratifs (le coup de téléphone mystérieux, les rideaux rouge, le nain troublant, les intérieurs sombres…) sans que tout cela m’accroche physiquement, car un tel étalage est tout de même foutrement digressif.

Le projet était au départ celui d’une série télévisée : sa manière de décliner les pistes narratives et les situations avec différents personnages pour établir des parallèles entre eux auraient effectivement mieux convenus à ce format. En l’état, le sommet esthétique de Lynch reste pour moi « Lost Highway », son sommet émotionnel et intimiste le très sous-estimé « Twin Peaks : Fire Walk with me », et entre les deux une multitude de films qui développent particulièrement certains thèmes lynchiens (le désir dans « Blue Velvet », le sexe dans « Sailor et Lula », etc.) tandis que « Mulholland Drive » mêle tout cela en ne trouvant de cohérence propre que dans sa déréalisation continuelle, où les personnages changent d’acteurs en court de métrage, pour signifier le passage du rêve à la réalité (ou l’inverse ?), où leurs dilemmes existentiels amène à la dissolution de leur propre identité, dans un mouvement en roue libre qui ne trouve pas de prise salvatrice. On peut trouver une foule de qualité au film, à commencer par son excellente bande-son, mais en polissant et perfectionnant la dimension visuelle de son cinéma, David Lynch en oublie la portée et la force du récit quand il explicite les rapports humains pour mieux les déconstruire (l’exemple du père de Laura Palmer dans « Twin Peaks » en est l’exemple le plus frappant). Ici, Lynch n’explicite rien, et perd ainsi en pouvoir d’évocation.