Le premier volume de la série Photo est réalisé et monté par Stanislav Neumann: un auteur et documentariste français qui supervisa grands nombres de documentaires Arte et donna des cours à la Fémis après avoir étudié à l'Institut des hautes études cinématographiques.

Dans cette série, chaque épisode traite d'un courant artistique en particulier, en présentant des figures emblématiques de la photographie, incontournables en terme de culture photographique.

Dans l'épisode numéro 1 nous est presenté La Photographie surréaliste avec ses différentes pioniers comme Braissaï, Dora Maar, Claude Cahun, Magritte, Man Ray, André Breto, Jacques-André Boiffard, Artür Harfaux et Raoul Ubac. Ici, le courant surréaliste évoqué, regroupe toutes formes d’art et fait apparaître après la première guerre mondiales des croisements entre ceux-ci, à l’instar du collage dans la photographie, il y a aussi d’autres pratiques qui voient le jour comme la solarisation, la rayographie ou encore le brûlage.

Par dessus tout ça, l'individu retrouve une légitimité à redevenir sujet de la photographie sous forme d'objet; la force du cadrage permet aux photographes de découper les formes et les matières de façon à ce que le gros plan prenne le pas sur le sens. Dans beaucoup de situations, il nous est montré et appris qu'à cette époque, le réel était attaqué par l'imagination et le rêve dans l'optique de rejet l'objecitvité.

Dans l'épisode numéro 2 qui traite des primitifs de la photographie, nous revenons à la source des premiers procédés photographiques de Talbot et avec ses dessins photogéniques, ses calotypes et les daguerréotypes de Daguerre qui nous ramnènent au prémice des travaux néolitiques avec les négatifs de mains inscrits sur des parois murales.

"Le photographe doit regarder le monde avec l'oeil d'un peintre" Talbot Cette phrase d'Henri Fox témoigne de l'importance, selon lui, de la composition. La composition qui peut-être comprise au sens minimaliste comme l'ont fait Baldus, Bayard, Le Secq, Le Gray et Mestral en prenant des photos dont les cadrages, arrières-fond et champ de profondeur n'était pas modifié de façon à retranscrire une réalité certaine; ils s'essayent à des jeux de truquage et des corrections de leur photo mais uniquement pour représenter dans le plus grand degré d'exactitude ce que leur appareils ne pouvaient saisir.

Dans l'épisode numéro 3: la nouvelle objectivité allemande est présenté le travail de Bernd et Hilla Becher: un couple connu pour leurs photographies frontales d'installations industrielles. Cette objectivité dite nouvelle tend à également vouloir prendre des photos en guise de témoignages historiques. Ce couple est invité à enseigner à l'école des Beaux Arts de Dusseldorf et va largement influencer les travaux de nouvelles générations de nouveaux photographes qui garderont tous des caractéristiques communs comme une certaine objectivité frontale, la rectitude des lignes droites, une certaine distance qui peut rendre la lecture d'images froide et des très grands formats qui vont venir faire concurence à la peinture.

Thomas Struth est mentionné comme l'un des premiers de la vague allemande à mettre en scène et rendre certains de ses travaux plus thétraux en faisant appel à des figurants. Une démarche en parfaite opposition avec la dynamique de Becher. A ce moment là, la photographie gagne en liberté et perd de son innocence!

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