Musique classique française : 66 oeuvres essentielles

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LEONIN - 1150(?)-1210(?)
vers 1200 "Magnus liber organi"

Au XIIe siècle, l’école de Notre-Dame invente un genre musical : la polyphonie. Ce nouveau style de chants accompagne la liturgie. Il atteint sa perfection à Paris et gagne toute l’Europe au cours du Moyen Age. Au XIIIe siècle, les motets ajoutent des poèmes chantés à la musique.

La postérité retient comme fondateur de ce mouvement maître Leoninus, dit Léonin.

-Notre-Dame de Paris

https://www.youtube.com/watch?v=FctOXsgtERk&list=OLAK5uy_noReqilo_PMoJRPsJVY6tqSfaL79ymwZc (album)

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/tendez-l-oreille/ecole-de-notre-dame-une-petite-lecon-de-solfege-4850095
(podcast radio france : école de Notre-Dame)

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PEROTIN - 1160-1230
vers 1210 "Magnus liber organi" (révision)

Représentatif de l'École de Notre-Dame, à Paris. Il est connu comme un des fondateurs de la musique polyphonique occidentale.

En effet, de 1170 à 1240, les pratiques de cette école musicale, en plein épanouissement sous son magistère, firent évoluer l'interprétation du chant grégorien, genre musical de nature monodique dans lequel le chant à l'unisson alterne fréquemment avec une voix (ou avec un groupe restreint de chantres, également à l'unisson). En intégrant ce chant (pour les solennités seulement) à une polyphonie élaborée et maîtrisée, Pérotin contribua à engager tout l'avenir de la musique européenne.

Influences actuelles

Le Sederunt principes de Pérotin est chanté aux matines du sixième jour dans Le Nom de la rose d'Umberto Eco. « Sur la première syllabe Sé, débuta un chœur lent et solennel de dizaines et de dizaines de voix, dans le registre grave, qui emplit la nef et flotta au-dessus de nos têtes, quand elle semblait pourtant surgir du cœur de la terre. »

En musique contemporaine, des œuvres de l'américain Steve Reich, comme Proverb, sont directement inspirées des compositions de Pérotin. Son influence est également présente chez un autre compositeur, beaucoup plus spécialisé dans la musique sacrée, l'estonien Arvo Pärt.

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album disponible sur Spotify

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PHILIPPE DE VITRY - 1291-1361
1310-1342 : "Motets & chansons"

Considéré par ses contemporains comme un esprit brillant, loué pour ses connaissances en mathématiques, philosophie, poésie, rhétorique et musique, il est une figure emblématique du Moyen Âge. Seule une partie de ses compositions musicales — quelques motets et chansons — et de ses traités de musique nous sont parvenus. Sa musique se démarque de celle de Pérotin, et son influence, qui perdure plus d'un siècle après son décès, se reconnaît, par exemple, dans les œuvres de Guillaume de Machaut ou de Guillaume Dufay.

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GUILLAUME DE MACHAUT - 1300-1377
1338-1371 : "Motets & chansons"

Musique et poésie étaient intimement liées chez Guillaume de Machaut. Son œuvre lyrique comprend près de 400 poèmes dont l'écriture précédait toujours la composition. Il fut la figure la plus importante de l'Ars nova, mouvement musical moderniste qui poursuivit le développement de l'art polyphonique dans la musique (technique qui était apparue en France au IXe siècle et qui s'était grandement développée au XIIIe siècle).

Si ses talents de poète sont moins connus, il fut pourtant considéré comme un auteur essentiel de son temps. Il était à la fois poète de cour et poète solitaire, individu privé qui écrit des chefs-d'œuvre de la poésie courtoise comme Le livre du veoir dit.

Dans les années 1330, il devint chanoine à la cathédrale de Reims, ce qui lui offrit une grande liberté pour composer, tout en lui créant également des obligations, fécondes elles aussi. Il peut être considéré comme un des derniers trouvères (cependant tous attachés à la musique monodique des XIIe et XIIIe siècles).

Succédant aux brillants polyphonistes de l'Ars antiqua, qui avait tout d'abord « fleuri » chez les interprètes/improvisateurs/compositeurs de l'École de Notre-Dame de Paris, plus d'un siècle auparavant, Machaut développa un langage polyphonique résolument moderne (on pourrait même dire d'avant-garde, comme chez les autres compositeurs de son siècle : il est le plus significatif d'entre eux). Reprenant malgré tout les canons liturgiques et artistiques des époques précédentes, il continua à se référer au plain-chant, dans certaines de ses partitions produites pour l'église (les œuvres destinées à l'église ne peuvent pas toutes être bâties sur une teneur grégorienne). Machaut écrivit des motets complexes (religieux aussi bien que profanes, selon les habitudes de ce temps).

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GUILLAUME DE MACHAUT - 1300-1377
entre 1360 et 1365 : "Messe de Notre-Dame"

Machaut a contribué au développement de la musique polyphonique, non seulement dans ses motets, mais aussi dans ses rondeaux et ses ballades. Sa célèbre Messe Nostre Dame en cinq parties, composée entre 1360 et 1365, est considérée, en l'état actuel des connaissances, comme la première messe polyphonique complète écrite par un seul auteur. Elle est à quatre voix.

Au sujet de cette messe, Lucien Kandel écrit : «Nos recherches approfondies sur la «musica ficta» au XIVe siècle, sous la conduite très avisée du musicologue Gérard Geay, révèlent une œuvre aux sonorités inouïes à ce jour. [...]. La lecture sur manuscrit impose d'emblée un souffle et une interprétation amples, lié à l'utilisation de la valeur longue et de sa division ternaire (modus perfectus)».

Sa Messe Nostre Dame est d'une écriture polyphonique complexe, du point de vue mélodique aussi bien que rythmique. Ces avancées, qui résument l'Ars nova du XIVe siècle, sont inscrites dans un avant-gardisme que décrit le musicologue Jacques Chailley. Et c'est sans réelle surprise qu'elles furent saluées par Pierre Boulez, figure de proue du modernisme musical français et européen dans la seconde moitié du XXe siècle.

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JOSQUIN DES PRES - 1450-1521
1480-1510 : "Motets & chansons"

Josquin a vécu pendant une période transitoire dans l'histoire de la musique. Les styles changeaient rapidement, en partie grâce aux déplacements des musiciens entre les différentes régions d'Europe. Beaucoup de musiciens nordiques s'installaient dans l'Italie du Quattrocento, cœur de la Renaissance, attirés par le mécénat artistique exercé par la noblesse italienne ; puis, de retour dans leur pays, ils rapportaient souvent avec eux les idées dont ils avaient subi l'influence.

La ligne musicale sinueuse de la génération d’Ockeghem et la complexité contrapuntique des Flamands/Néerlandais, l’écriture homophonique des laudes italiennes et la musique profane commençaient à se fondre en un style unifié. Josquin était la figure de proue de ce processus qui aboutit à la formation d'un langage musical international dont les représentants les plus célèbres furent Palestrina et Roland de Lassus.

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CLEMENT JANEQUIN - 1485-1558
1515-1558 : "Chansons"

C’est clairement dans le domaine de la chanson que l’œuvre de Janequin est le plus important. Il a eu une spécialité, celle des grandes chansons descriptives, également teintées d'humour ou de poésie.

Ces œuvres introduisent de longs passages en onomatopées, chantées au milieu d'autres paroles ; elles sont publiées en 1527 et 1537 et lui donnèrent une célébrité rapide et internationale. On peut considérer Janequin comme le premier musicien bruitiste, qui tenta de retranscrire dans ses compositions ce qu'il entendait. Quand on écoute La Guerre ou Les Cris de Paris, on a l'impression d'entendre, outre la musique, les sons présents à cette époque, comme si on avait pu les enregistrer. En dehors de ses chansons descriptives, son répertoire se partage entre les chansons rustiques, narratives, galantes, et les épigrammes érotiques ou satiriques.

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JEAN-BAPTISTE LULLY - 1632-1687
1670 : "Le bourgeois gentilhomme"

Lully a joué un rôle considérable dans l’histoire de la musique instrumentale. C’est de lui que date l’orchestre moderne, avec son équilibre bien établi de sonorités ayant pour centre de gravité un quintette d'instruments à cordes.

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JEAN-BAPTISTE LULLY - 1632-1687
1686 : "Armide"

Lorsque Lully crée son orchestre, il en fait le premier d’Europe pour la discipline et le rythme. Il fait travailler lui-même chanteurs et danseurs et règle son théâtre jusqu’au moindre détail.

Cette volonté organisatrice se manifeste dans son œuvre. Le Cerf de La Viéville rapporte que Lully « allait se former sur les tons de la Champmeslé ». Il désire avant tout imiter autant que possible la déclamation des grands acteurs du XVIIe siècle, qui s’appliquent surtout à respecter scrupuleusement la prosodie. Aussi a-t-il soin non seulement de placer toujours une note longue sur une syllabe accentuée ou une note courte sur une syllabe non accentuée, mais encore de marquer un arrêt à la césure et à la rime. Mais où Lully excelle, c’est dans la musique descriptive, trait d’un artiste intellectuel. À cet égard, son air du sommeil dans Armide (« Plus j'observe ces lieux ») touche au chef-d’œuvre.

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MARC-ANTOINE CHARPENTIER - 1643-1704
années 1690 : "Messe de minuit pour Noël"

Il est connu pour ses compositions de musique sacrée, en particulier ses motets et ses messes. Charpentier a travaillé pour le roi Louis XIV et pour les Jésuites à Paris, pour lesquels il a composé la majeure partie de sa musique sacrée. Par l'ampleur et la qualité de son œuvre sacrée et profane, Charpentier figure parmi les plus importants compositeurs de la période baroque en France. Son style a été influencé par la musique italienne. Charpentier a également composé de la musique instrumentale, des opéras et des ballets. Sa musique sacrée et théâtrale fit concurrence à celle de son contemporain Jean-Baptiste Lully.

-Wikipedia

Charpentier compose cette messe alors qu'il est Maitre de Musique en l'église Saint Paul-Saint Louis. Son originalité réside dans le fait qu'il mêle le profane au sacré, l'art populaire à la musique savante.

Pour le Kyrie Eleison, Charpentier se base sur un air bien connu à l'époque :
"Joseph est bien marié à la fille de Jessé / C'était chose bien nouvelle que d'être mère et pucelle. Dieu y a bien opéré. Joseph est bien marié"

Pour le second Kyrie, Charpentier compose sur le thème "Une jeune pucelle"
"Une jeune pucelle de noble coeur Priant en sa chambrette son créateur. L'ange du ciel, Descendit sur la terre / Lui conta le mystère / De notre salvateur"

Le Kyrie laisse ensuite place au Gloria, le chant de joie de l'Eglise. Les sentiments peuvent s'exprimer librement : adoration, supplication, exclamation.
"Gloria in exelcis Deo", Gloire à Dieu au plus haut. "Domine Deus" Seigneur Dieu, et enfin "Quoniam tu Solus Sanctus" Car seul tu es saint.

Après le Credo, "Credo in unum Deum" Je crois en un seul dieu, le Sanctus unit les louanges des Anges et des Saints à celles des terrestres fidèles.

Agnus Dei
Agnus Dei, agneau de Dieu, qui enlèves les pêchés du Monde, aie pitié de nous, agneau de Dieu, qui enlèves les pêchés du monde, donne nous la paix. Construit sur le thème « A Minuit fut fait un réveil », c’est dans une atmosphère peine de douceur, que la Miséricorde est implorée.

-France Inter

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MARIN MARAIS - 1656-1728
1717 "Suitte d'un goût étranger"

Onze ans avant sa mort et deux ans après la mort du Roi Louis XIV, Marin Marais alors au sommet de sa carrière de gambiste et de « joueur de viole dans la musique de la chambre du roi » depuis trente huit ans, publie son Quatrième Livre contenant entre autres cette fameuse Suite d'un goût étranger. Trente pièces écrites dans un style à la fois original et très personnel composent cette suite qui témoigne de façon éclatante de la maturité musicale d’un compositeur majeur de l’histoire de la musique.

Parmi ces trente pièces, certaines sont bien connues des amateurs de musique baroque. La Marche Tartare au ton martial et majestueux tient lieu d’ouverture, elle compte parmi les œuvres les plus emblématiques de Marin Marais. Citons ensuite La Rêveuse, une pure merveille qui invite l’auditeur à se perdre dans ses rêves à travers une musique que l’on peut sans le moindre doute qualifier d’envoûtante ! Le Labyrinthe est une pièce tout à fait étonnante, mais laissons à son sujet le commentaire à Titon du Tillet qui écrivait, dans son Parnasse François : « Une pièce de son quatrième livre intitulée Le Labyrinthe, ou après avoir passé par divers tons, touché diverses dissonances et avoir marqué par des tons graves et ensuite par des tons vifs et animés l’incertitude d’un homme embrassé dans un labyrinthe, il en sort enfin heureusement et finit par une chaconne d’un ton gracieux et naturel ». A la douce quiétude du rondeau Le Bijou, tout en subtiles nuances, succède la virtuosité ébouriffante du Tourbillon évoquant une violente tempête. L’Allemande pour le sujet et gigue pour la basse est une pièce réellement originale de par sa structure très particulière que l’on pourrait qualifier d’expérimentale. La superposition de deux rythmes différents donne un résultat réellement étonnant ! La Muzette évoque quant à elle un branle paysan, danse populaire très en vogue depuis le Moyen-Age , dans lequel la seconde viole fait office de bourdon et marque le rythme de la danse. Autre originalité, l’Allemande L’Asmatique dans laquelle l’usage de syncopes et de notes sonnant à contre temps confèrent à cette courte pièce un caractère des plus surprenant ! On retiendra également Le Caprice ou Sonate, un duo viole-théorbe d’une beauté pure, quasi méditatif dans son premier mouvement à la suite duquel s’enchaîne un second mouvement plein de gaîté au style totalement « marésien ». Difficile de citer chacune des trente pièce ind