Les films les plus attendus de 2026 selon takeshi29

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Je parlais tout à l'heure à propos de "Nino dans la nuit" d'adaptation ratée à force de rester l’œil à ras de la page, en voici le contre-exemple avec un film qui ose s'éloigner de son matériau d'origine, qui va chercher le romanesque là où Giuliano da Empoli avait selon moi commis un ouvrage très journalistique. Assayas a ça, il passe du geste très intello à du trépidant plus grand public avec une même réussite, et ici tout comme dans "Cuban Network" il cherche l'efficacité, une forme de plaisir assez basique dans le mouvement, le jeu sur la chronologie. Bien entendu il y a le propos politico-historique, passionnant car d'une brûlante actualité, l'explication d'une "méthode" qui a fait des petits tout aussi monstrueux, mais il y a selon moi avant tout un film d'action qui n'a pas besoin de l'agitation pour exister.

NB : J'ai entendu ça et là que le jeu de Paul Dano était plat, monocorde, lisez le roman et vous comprendrez qu'il est juste parfait dans l'incarnation d'un être aussi glaçant que doux dans son éloquence.

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Pour moi l’immense déception de la dernière saison Hanabi, "Love on Trial" et le Takashi Miike étant les deux films que j’attendais avec le plus d’impatience, Kōji Fukada ne m’avait jusqu’ici jamais laissé à la porte et cette fois il l’a fait dans les grandes largeurs. Je me suis tout bêtement ennuyé devant ce récit qui ne m’a pas un seul instant captivé, ces « célébrités » me semblant aussi étrangères et sans aspérité après 124 minutes qu’avant de les rencontrer. J’ai eu le sentiment que Fukada ne faisait qu’illustrer platement un sujet déjà dépassé, qu’il le faisait sans y croire, sans que son cinéma habituellement si élégant et subtil ne semble apporter quoique ce soit à un scénario effleurant ce qui aurait mérité d’être approfondi. À l’image du thème essentiel des droits humains fondamentaux plus balayé qu’évoqué dans une scène de procès.

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Le foufou Takashi Miike semble s'être totalement fondu dans ce film qui relate de manière d'ailleurs assez brillante un fait divers édifiant, nulle trace, malgré une entame qui laisse espérer quelque chose, de sa caméra enragée, énervée, qui n'a pas accouché que d’œuvres mémorables mais qui a toujours eu le mérite de proposer un cinéma à la marge. Ici le boulot est propre, on pourrait même dire impeccable, ce qui est certes à mettre à son crédit mais qui fait de "Sham" un produit assez impersonnel, bien loin en tout cas de la signature Miike.

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Ah ben mince j'avais oublié de le noter celui-ci, et pourtant je l'ai beaucoup beaucoup aimé, probablement parce que Josh y a assumé d'être la part exaltée du duo, parce que contrairement à son frère il n'a pas tenté le truc décalé et finalement aussi plat que prétentieux. "Marty Supreme" est donc un train lancé à très très grande vitesse, une sorte de "Raging Bull" où même le mauvais goût aurait droit au chapitre dans une scène de miel qui m'a secoué. Et puis franchement passer 2h30 avec un sale c.. sans jamais avoir envie de quitter la salle, c'est en soi quelque chose de peu commun. Je n'ai volontairement pas fait référence à Timothée Chalamet car c'est selon moi le talon d’Achille du film, non pas parce qu'il joue mal, au contraire il est excellent, mais seulement parce que j'ai constamment eu la sensation de le voir jubiler d'enfin tenir son grand rôle.

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Je ne sais pas si j'ai vraiment aimé le film en tant que tel, ce récit extrêmement chargé, pour ne pas dire d'une lourdeur absolue y compris dans ces métaphores plus que surlignées, contre la nocivité masculine, mais en revanche l'objet que j'ai cru y percevoir m'a passionné. Comme si Saeed Roustaee, probablement le réalisateur iranien contemporain le plus tenté par le cinéma de genre, avait voulu montrer d'où il venait, de cette tradition où une scène de voiture est quasiment obligatoire, pour ensuite montrer, quitte à oublier une certaine vraisemblance et à ne plus s'embêter à écrire des transitions dans cette descente aux enfers, sa faculté à user des effets, de l'efficacité pour faire passer un message qui n'épargne personne : en gros seuls les enfants en bas âge ne sont pas encore fous dans ce pays pourri jusqu'à l'os, où tout le monde dénonce tout le monde, où la trahison semble le sport national. À partir de ce moment-là le film, ou plutôt la manière dont on le voit, prend une autre tournure, on peut s'amuser à observer l'orchestration du suspense, les codes du cinéma d'horreur plusieurs fois utilisés, et les symboles qui n'en sont même plus tellement ils sont visibles. En cela la fin est presque amusante, et il est vrai assez jouissive.

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La maestria de Park Chan-wook est à la fois sa très grande force mais peut aussi devenir sa faiblesse. Et j'ai trouvé que c'était ici particulièrement le cas, la surenchère de mise en scène finissant par fatiguer un spectateur alors incapable de profiter du propos pourtant très fort du roman de Donald E. Westlake. En ce sens l'adaptation de Costa-Gavras était plus pertinente, la sobriété ne nuisant en rien à l'efficacité.

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J'attendais ce "Silent Friend" avec grande impatience tant les trois films d'Ildikó Enyedi que j'avais vus ("Mon XXe siècle", "Corps et Âme" et "L'Histoire de ma femme") m'avaient paru stimulants, exigeants sans être élitistes. Et la réalisatrice hongroise nous refait le coup avec ce récit qui réclame au spectateur de lui faire confiance *, de franchir avec lui les portes de la science, de la philosophie, mais aussi du temps car l'ami silencieux, du haut de son âge respectable, a pu observer l'émancipation de Grete en 1908, l'éveil aux passions du jeune Hannes dans les années 70, et est toujours là aujourd'hui pour "converser" avec Tony. Comme toujours chez la cinéaste hongroise le fond très riche va avec une forme qui l'est tout autant, alors elle ne se contente pas d'alterner noir et blanc et couleur, non elle travaille chaque récit dans un format d'image différent, argentique 16 et 35mm, numérique. L'objet est donc d'une beauté saisissante, ce récit parfois onirique sur le sentir et le ressentir, sur la communion du vivant, est accompagné par tout ce que le septième art permet, sans oublier le bonheur d'y retrouver Tony Leung, et le tout donne 2h27 de vrai cinéma.

* Visiblement ce fut le cas des spectateurs du festival où je me trouvais car "Silent Friend" est reparti avec le Prix du public.

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Grosse grosse déception car si Amanda Seyfried semble plus qu'investie, si l'entame peut intriguer, l'ensemble est épuisant, les numéros musicaux très faibles. Et une chose m'a vraiment sidéré : le personnage d'Ann Lee n'est ici jamais remis en question, l'aspect sectaire semble ne pas poser problème. Bref c'est un assemblage de trucs qui se veut grandiose, ambitieux, mais ne produit rien à part du bruit.

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Claire Denis se sort très dignement de cette adaptation de Bernard-Marie Koltès, c'est un grand bonheur de retrouver Isaach de Bankolé dans son monde, Matt Dillon a toujours un sacré charisme et le choix de Mia McKenna-Bruce dans le seul rôle féminin s'avère excellent. Malgré tout je continue de penser qu'adapter cet immense auteur, ces pièces qui méritent un long temps d'exposition pour infuser, a tout de la fausse bonne idée, tant ce qui fait son génie se trouve bien entendu dans sa puissante pensée politique, mais avant tout dans son style, son rythme, deux choses compliquées, voire impossibles à retranscrire au cinéma.

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Si j'en crois la façon dont un ami m'a parlé un jour du roman de David Vann, le choc que celui-ci avait provoqué en lui, je crois pouvoir dire qu'on est assez loin du compte avec cette adaptation. Car si Vladimir de Fontenay a décidément une manière de filmer très peu française et agréable à l’œil je n'ai pas ressenti grand chose de la tension que j'espérais. Et ce même si Swann Arlaud est comme d'habitude remarquable.

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Le premier film de Shu Qi réalisatrice est donc daté, bonheur je suis...

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On annonçait un Bertrand Mandico assagi, plus abordable, et il n'en est rien : tout comme Lucile Hadzihalilovic qui avait accueilli Marion Cotillard sans réellement assouplir son univers dans sa très belle "Tour de glace" le réalisateur des "Garçons sauvages" intègre des "stars" à son monde extrême, décadent. Ainsi son hommage au cinéma italien reste dans la lignée de ses derniers films qui offrent certes une alternative bienvenue au cinéma traditionnel mais manquent de générosité et confirment que ses excentricités ont plus d'efficacité en format court. Fellini et Pasolini doivent regarder ça avec scepticisme...

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Après un passage réussi par le film jeune public Pierre Salvadori revient à la comédie peuplée d'êtres fragiles, et la raison pour laquelle je me sens si bien chez lui m'a cette fois sauté aux yeux et aux oreilles : je m'y sens respecté en tant que spectateur car ce fan absolu de Lubitsch ne se contente pas de quiproquos ou de deux-trois gags faciles, il écrit patiemment des personnages qu'il aime, leur donne de l'épaisseur, de la profondeur, des fêlures, il parle de deuil, d'un « nouvel amour qui n’en efface pas un autre », du sentiment qui modifie le regard, il parle de l'art qui ne se voit pas mais se ressent, des « peintres qui s’appliquent à ne pas s’appliquer. ».

En réalité il nous dit ceci : un cinéaste est un illusionniste, il faut croire aux histoires qu’il nous raconte, du moins s'il prend plaisir à nous les raconter. Charge à lui de nous faire oublier que Gilles Lellouche n'et pas forcément un acteur qu'on aime, qu'on a eu peur au début d'être dans une rencontre entre Jeunet et Klapisch, de nous faire devenir Suzanne, formidable Anaïs Demoustier, incapable de refermer le journal d'Irène. Bref charge à lui de faire de la comédie un genre noble dans un pays où chaque semaine sort un "Cocorico 2", un "Maison de retraite 26" ou un "Chasse gardée 42", oui charge à lui , et des gens comme Amélie Bonnin qui avait fait l'ouverture cannoise l'an dernier avec "Partir un jour", de montrer que le rire n'est pas forcément gras, qu'il ne doit pas être une barrière à la réflexion.

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Géo trouve l'amour… (cf critique)

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Sur le papier on pouvait s'attendre au pire : instinctivement des mots comme humanitude provoquent chez moi des poussées urticantes, Virginie Efira en directrice d'EHPAD était pour moi à peu près aussi crédible que Virginie Efira en gilet jaune, et puis les dernières expériences de cinéastes japonais en France ne poussaient pas à un optimisme démesuré. Ah oui et puis j'oubliais : 3h16 quoi !

Résultat : Ryusuke Hamaguchi est décidément un immense cinéaste et un humain pas dégueulasse non plus. Car il fallait être sacrément courageux pour faire tout un film sur la bonté, qui n'est plus réellement une valeur cardinale, pour ne rien expliquer du miracle d'une rencontre, spirituelle, intellectuelle et presque charnelle dans les échanges. Car oui, et c'est l'une de ses particularités tout au long de sa filmographie, Hamaguchi semble voir la parole comme un geste érotique (Il l'avait même formalisé concrètement dans "Contes du hasard et autres fantaisies"), chez lui il peut y avoir de la sensualité dans un paperboard et une longue tirade sur libéralisme = chute de la démographie. Pas sûr que ce que je viens d'écrire incite quiconque à aller voir "Soudain", car non le capitalisme ce n'est pas sexy, pas plus qu'une partouse de vieux pieds ou l'organisation DRH d'un établissement de santé. Et pourtant je vous assure que c'est d'une fluidité absolue, qu'on peut adhérer à cette utopie qu'on pourrait croire d'un autre temps, à la valeur de l'altérité, du toucher, de l'échange, à l'alchimie inexplicable des âmes. P... c'est horrible j'ai l'impression d'apporter de l'eau au moulin de ce que j'exècre le plus actuellement, le juteux marché du développement personnel. Alors que dans les faits le film n'est pas ça. Et c'est logique car les grands chefs ne font pas ce qu'on pourrait attendre avec des ingrédients basiques, il faut goûter leur recette pour comprendre, ou plutôt ne pas comprendre comment ils ont fait pour obtenir ce résultat. Tout comme je n'ai pas compris comment un cinéaste a obtenu ça de son duo d'actrices que le jury cannois ne pouvait que récompenser ensemble.