Les meilleures bandes originales de 2018 selon TheFreeMind

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First Man est une bande originale plutôt atypique. On peut lui reprocher de répéter son thème principal d'une piste à l'autre. Pourtant, rarement une répétition aura eu autant de sens qu'ici, tant on sent une évolution émotionnelle de ce thème. A la manière de la valse qui l'habite, Hurwitz conduit son rythme avec maîtrise.

Là où elle sert vraiment son film, c'est dans sa capacité à se faire intimiste, à mettre en lumière l'homme avant la légende, le père avant le héros, le mari avant l'astronaute.

L'alunissage et sa parfaite montée en puissance sonore n'a pas fini d'hanter mon inconscient musical.

Morceau préféré : The Landing

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Derrière un (enfin) premier thème pour Han Solo composé par un John Williams toujours inspiré, on découvre une bande originale inspirée elle aussi. C'est d'autant plus réjouissant que les dernières compositions de la saga avaient du mal à m'emporter complètement, la faute à un manque de nouveauté dans les bandes originales de Williams et à un manque d'identité pour Giacchino.

John Powell, lui a pris son temps et se pose en digne héritier de John Williams pour la saga galactique. Son style rythmé à base de percussions s'intègre admirablement dans l'univers développé par Williams. On retrouve l'énergie d'une grande partition d'aventure avec une ambiance parfois proche d'un western. Au final, en dépit de sa richesse, elle est sous exploitée au sein du film, et c'est bien dommage.

Morceau préféré : Reminiscence Therapy

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Le retour de Giacchino pour l’univers musical qui l’a propulsé sur le devant de la scène hollywoodienne est réussi. On était en droit d’attendre beaucoup, et à l’image du film, je préfère même cet opus au précédent. L'ambiance jazzy fait toujours mouche lors des scènes d'action.

Morceau préféré : Incredits 2

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Fallout est sans doute la bande originale de la saga la plus musclée. Balfe délivre un travail que ne renierait pas Hans Zimmer, tant on sent les influences du maître sur l'élève. Une véritable démonstration d'action pure en musique. Dans le domaine de l'action, c'est de loin la meilleure de la saga; elle est en revanche en concurrence avec la bande originale de Joe Kraemer pour Rogue Nation pour le titre de meilleure composition de la saga.

Morceau préféré : Change of Plan

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Mathieu Lamboley produit un travail de qualité pour la comédie en costumes de Laurent Tirard. L'ombre d'Ennio Morricone et de son travail sur le Western plane sur la bande originale puisque le thème principal épique évoque évidement le maestro italien par l'utilisation des cœurs notamment ("Le retour du héros (Thème)", "Épopée", "L'exploit"...). Quelques autres motifs convoquent Morricone ("Dernière lettre") mais le reste de la partition est un peu plus convenu et n'apportera pas à la bande originale une vraie renommée en dehors du film qu'elle sert parfaitement. Malgré tout on trouve quelques inserts musicaux de suspense avec des cordes ("Préparation à l'exploit"), des jolis pièces au clavecin dans un style baroque ("Aventures épistolaires") ainsi que des petites ballades burlesques ("La chanson du badaud", "L'imposteur philanthrope") qui sont très sympathiques. En cela, Lamboley a indéniablement saisi l'esprit du film en exprimant l'imposture et le faux héroïsme du personnage principal dont les exploits imaginaires se trouvent en complet décalage avec son caractère lâche et opportuniste. On notera enfin l'émotion des morceau "Amour balbultiant" et "Les aveux" qui tranchent avec le reste.

Morceau préféré : Épopée

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Dans ce Mortal Engines, beaucoup retiennent les quelques allusions musicales à Mad Max Fury Road, la bande originale majeure de Tom Holkenborg. Elles existent mais il serait inapproprié de réduire les compositions à cela tant le compositeur a fait des efforts pour proposer quelques thèmes d'actions mémorables. En premier lieu bien-sûr se trouve "London Suite in C Major" le morceau introductif, un véritable développement épique comme on en fait peu de nos jours.

Morceau préféré : London Suite in C Major

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On le sait depuis The Man From U.N.C.L.E., Daniel Pemberton est sûrement le compositeur contemporain le plus à même de délivrer une ambiance groovy à ses partitions. Il n'a pas son pareil pour délivrer instantanément une ambiance musicale rythmée qui sonne très années 70 tout en restant très moderne dans ses orchestrations avec un mélange de rock et d'électronique.

Autant dire que le choix de Pemberton pour prendre la relève de David Holmes sur la saga Ocean's (même si c'est une sorte de remake au féminin tout de même) est une évidence. Pemberton insuffle un souffle cool qui ne lâchera pas les héroïnes durant l'entièreté du vol, de sa préparation à son accomplissement. La bande originale contribue dès lors grandement à rendre le film fun et celui-ci en a bien besoin ! Et le compositeur polymorphe se permet même une reprise de la Fugue de Bach ("Fugue in D Minor").

Morceau préféré : NYC Larceny

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On retrouve tout le talent de Richter dans le magnifique thème principal ("The Shores of Scotland") et ses variations qui gravitent autour. C'est avant tout en début et fin de partition que peuvent s'entendre ces moments élégiaques. En milieu d'album, Richter propose plutôt des morceaux rythmiques d'accompagnements à la narration, moins intéressants forcément.

Morceau préféré : Finale

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Pemberton retrouve à nouveau un style rock qui devient petit à petit caractéristique de ses productions. A l'aide de guitares, synthés et autres percussions, le compositeur propose un travail au rythme survolté. C'est ce rythme dont avait besoin le film bavard d'Aaron Sorkin pour conserver une vraie fluidité dans son montage. Mais Molly's Game n'est pas une bande originale qui se limite à accompagner le film puisqu'elle s'écoute très bien seule. La vraie variété des développements rythmiques de Pemberton n'y est pas étrangère : on retrouve plusieurs thèmes ("Set it up", "Play your hand", "House of Cards") qui s'entrecroisent avec malice. Pemberton intègre aussi par instants des expérimentations ("The Russians") ou des compositions plus apaisées ("Area Codes"), parfois plus mélodiques ("Molly's Journey", Molly's Dream", "Scars", "Therapy Session") pour exprimer les émotions de Molly Bloom.

Morceau préféré : All the Beauty in the World

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Ce Daniel Pemberton est dans une phase créatrice assez inouïe. Il parvient à combiner les styles (rap, hip-hop, techno...), créant un melting-pot survitaminé. C'est à la fois groovy et énergique et ça colle parfaitement à la représentation musicale d'un multiverse. Au long des 44 pistes, il y en a vraiment pour tous les goûts et je dis ça dans le bon sens du terme, tant la variété est grande.

Morceau préféré : Shoulder Touch

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Dans ce Phantom Thread on peut dire qu'il y a une certaine maestria. La musique de Greenwood n'est pas en reste, exprimant avec délicatesse les relations complexes qui lient les personnages. Le classicisme de l'ensemble a du bon, il permet d'ancrer le récit dans son époque. Greenwood apporte tout de même une certaine modernité à ses violons et piano. Un travail d'une belle finesse qui est le miroir de l’œuvre de Paul Thomas Anderson.

Morceau préféré : House of Woodcock

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Le compositeur attitré des frères Coen propose une synthèse de la musique western de l'âge d'or hollywoodien, ce qui est particulièrement discernable sur les grandioses morceaux illustrant le segment n°5. Les compositions de Carter Burwell accompagnent très bien les images, puisqu'on retrouve à l'écran comme à l'écoute un ton burlesque et léger pour le premier segment et un lyrisme empreint de nostalgie et de fatalisme sur les derniers segments.

Morceau préféré : The Gal Who Got Rattled

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La bande originale de Max Richter est un ensemble éthéré d'une belle douceur. Le romantisme est discret mais assumé et ce travail qui peut sembler de prime abord anecdotique pour le prolifique compositeur finit quand même par séduire par sa délicatesse et sa pureté. Le thème principal en est l'exemple type ("The Mind's Eye") mais il n'est pas le seul intérêt de la partition. "Your Pen, Your Sword" et "A Way Out" marquent un tournant plus sombre où Richter déploie son orchestre. On retrouve cette dynamique sur "Consequences". Un beau soutien pour cette grande fresque allemande en somme.

Morceau préféré : A Way Out

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Terence Blanchard inscrit sa bande originale dans un cadre américain entre patriotisme convenu et hommage discrets à Gone with The Wind et à la blaxploitation. Mais il ne se limite pas à cela, cherchant également à imprimer au film une ambivalence de styles entre des passages dramatiques ("Tale of Two Powers") et un côté plus cool, un peu détaché par rapport à l'importance des évènements ("Ron's Search"). On n'est pas loin du sérieux du polar par instants de par cette utilisation de la guitare électrique et de la batterie ("Main Theme"). Quant à "Photo Opps", Blanchard y développe un style proche de celui de John Barry pour conclure avec solennité son album.

Finalement le problème de Blanchard est le même que souvent, à savoir une répétition déraisonnable du meilleur thème (celui associé à Ron qui se retrouve tout au long de la partition mais dans sa forme la plus intéressante sur "Blut Und Boden") qui en vient à perdre toute sa puissance. Et c'est d'autant plus dommage parce qu'il est très réussi.

Morceau préféré : Blut Und Boden

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Morceau préféré : Tree Strings

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Silvestri livre un travail maîtrisé, avec quelques fulgurances (« The Oasis » ou le titre principal). Tout fonctionne très bien à l’écran mais lors de l’écoute seule il m’est difficile de ressortir d’autres passages vraiments marquants.

Morceau préféré : The Oasis

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Morceau préféré : End Titles

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Jon Brion compose une partition pleine de douceur pour le film de Gilles Lellouche.

Morceau préféré : Le grand bain (Ouverture)

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De la douceur et de l'apaisement dans cette bande originale construite autour de nappes sonores fortes en émotion. Un transport idéal pour le film de Chloé Zhao qui parle notamment de la fin du monde des cowboys de l'Ouest américain. On ressent également la grande mélancolie du personnage principal.

Morceau préféré : The Rider - Ending Suite

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Daniel Hart propose un travail soigné, qui évoque avec nostalgie la musique de vieux films de casse tout étant un hommage à la carrière de Robert Redford. Le côté jazzy old school est parfaitement assumé, on peut juste reprocher un manque de passages plus rythmés (à l'image du film).

Morceau préféré : When You Find Something You Love

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Si on excepte la chanson de Skylar Grey, aussi classique et aseptisée que possible et un morceau de Pitbull remixant Toto de la pire manière qui soit, la bande originale d'Aquaman a des choses intéressantes à offrir à son auditeur.
Il me semble évident que Rupert Gregson-Williams s'est inspiré du thème principal de Pacific Rim composé par Ramin Djawadi (la partie électronique centrale d'"Arthur") et sur ce point c'est une réussite. "Arthur" d'ailleurs résume assez bien le problème de la bande originale : le déséquilibre de l'ensemble des compositions, tiraillées entre plusieurs styles contradictoires.

Aquaman est en fait une composition bâtarde, alliant des mélodies intéressantes (le thème de "It Wasn't Meant to Be" et que l'on retrouve au début "What Could Be Greater than a King?") à un sound design zimmerien pas toujours du meilleur goût. Gregson-Williams semble avoir été tiraillé entre ses envies de développer des mélodies symphoniques comme il avait pu le faire avec succès sur Wonder Woman et l'héritage Remote Control qui consiste à ajouter des sonorités électroniques en toutes circonstances.

On notera aussi que la piste finale "Trench Engaged" composée par
Joseph Bishara et qui illustre la descente d'Aquaman au fond des abysses, seule vraie piste du score à être dissonante et à créer une ambiance tendue est vraiment mal placée en clôture d'album. Ça n'empêche pas en tout cas pas James Wan de réussir mettre en valeur l'ensemble de la partition dans son long-métrage, qui à l'image de sa musique est un melting-pot de beaucoup d'influences.

Une bande originale mal équilibrée mais pas sans intérêt donc. 6,5

Morceau préféré : What Could Be Greater Than a King?

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Max Richter délivre pour Hostiles un travail plutôt frustrant. Frustrant parce que les quelques envolées lyriques qui pointent à intervalles réguliers sont franchement très poignantes ("Scream at the Sky", "The Lord's Rough Way", "The Last of Them", "Never Goodbye"). La capacité de Richter à gérer le silence y est sans doute pour beaucoup puisque ces salves mélodiques soudaines viennent frapper en plein cœur après une longue période d'apathie. Le choix est louable mais pour qui écoute l'album, le reste est assez peu intéressant puisqu'il s'agit d'un travail d'ambiance austère. A signaler tout de même la jolie ballade "How Shall a Sparrow Fly" de Ryan Bingham qui s'intègre bien au milieu des compositions de Richter. 6,5

Morceau préféré : Scream at the Sky

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Howard Goodall propose une bande originale légère avec quelques envolées rock. Le thème principal n'est pas incroyablement subtil mais à le mérite d'appuyer le retour de l'action dans le film. D'un morceau à l'autre, le côté burlesque est opposé à l'élégance qui sied au métier d'espion. C'est plutôt délicat mais pas vraiment marquant non plus.

Morceau préféré : Helicopter

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La partition de Kris Bowers se trouve insérée entre standards de jazz et blues, avec une attention particulière pour les morceaux au piano de du Don Shirley Trio évidemment. L'écoute n'est pas déplaisante mais il est bien difficile de garder en mémoire le travail du compositeur. Sa musique est avant tout un support narratif, plutôt délicat il faut le reconnaître, qui n'a pas la prétention de dépasser ce stade. De fait, les pistes sont courtes et sont rarement complètement abouties. Le format de l'album avec cette alternance entre chansons et compositions de Bowers ne favorise pas l’enthousiasme qui finit par rapidement s’essouffler. On appréciera quand même "Dear Dolores", "Vacation Without Aggravation" ou "Thanks Officer".

Morceau préféré : Vacation Without Aggravation

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Une partition singulière qui dans ce sens sied bien au film qu'elle accompagne. L'ambiance est pour le moins envoutante et on peut facilement se perdre dans les méandres doucement mélancoliques des nappes cold wave. Ceci étant dit, je trouve que la puissance suggestive de cette atmosphère électronique a tendance à s'estomper sur la durée, en dehors de quelques morceaux qui retiennent l'attention ("La bande", "Séverine et le capitaine"). Reste la chanson finale "Wild Girl" qui dans un style électronique entraînant peut devenir un bon exutoire.

Morceau préféré : Wild Girl