Les meilleures bandes originales de 2019 selon TheFreeMind

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A Hidden Life marque la rencontre entre James Newton Howard et Terrence Malick. Le thème principal qui ouvre l'album est magnifique, sans doute l'un des plus beaux jamais composés par son créateur. Il est réutilisé et retravaillé avec talent dans plusieurs morceaux comme "Love and Suffering", "Hope" et "Knotted". J'aime beaucoup l'incertitude qui émane de "Descent" et la conclusion "There Will Be No Mysteries" est parfaitement à la hauteur. Difficile pourtant de ne pas reconnaître que l'on s'ennuie durant les quinze minutes de "Tabula rasa" d'Arvo Pärt, tout comme dans certains des autres morceaux préexistants non composés par Newton Howard. Au sein du film la musique est parfaitement à sa place et embellit la caméra de Malick mais c'est avec regret que je la trouve moins efficace en écoute seule.

7,5

Morceau préféré : A Hidden Life

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Un mélange de cordes et de sound design qui produit son effet. La bande originale parvient à immiscer un climat délétère sur Gotham. C'est dans cette ambiance parfaitement poisseuse que va naître le Joker. C'est presque de la nostalgie qu'on entend sur "Meeting Bruce Wayne" et il y a une certaine grâce dans un morceau comme "Subway" et une majesté dans "Bathroom Dance". "Call Me Joker", en conclusion, est un peu la somme de tout ça. C'est vraiment une bande originale particulière qui réussit parfaitement son travail.

Morceau préféré : Call Me Joker

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Ce premier épisode de The Mandalorian est une introduction déjà pleine d'informations sur l'univers musical développé par Ludwig Göransson. Le thème principal de la série est assurément l'un des plus intéressants de l'année et pourrait bien marquer durablement l'imaginaire collectif associé à la saga. Pourtant, à l'image du reste de la partition, il sonne assez peu Star Wars. Göransson adopte une ambiance proche d'un western avec un travail qui se met peu en avant, même dans les scènes d'action. L'ensemble est de fait pas toujours mémorable mais fonctionne. C'est tout de même un peu frustrant parce que Göransson donne l'impression d'avoir de la matière en magasin pour créer des pièces instrumentales développées alors qu'il semble privilégier la composition d'un simple travail d'ambiance. La faute en revient sans doute en partie à la série qui, bien que je la trouve sympathique, opte pour un rythme lent avec des éléments d'intrigues minimalistes qui ne permettent pas au compositeur de pleinement développer son travail.

Morceau préféré : The Mandalorian

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Ford v Ferrari est une bande originale à mes yeux très réussie puisqu'elle
propose quelques instants de grande qualité dans son illustration de la course automobile. L'aspect mécanique est fort bien rappelé par l'utilisation de percussions très rapprochées qui offrent un rythme très percutant. Le travail sonore est bien développé puisqu'on a l'impression de retrouver le vrombissement d'un moteur sur "Driving in the rain". Mais ce n'est pas juste une bande originale organique ou d'ambiance. Beltrami et Sanders proposent grâce à l'utilisation d'une guitare électrique un thème fantastique du sobre nom de "Le Mans 66" qui marque immédiatement et appose sa marque sur la course automobile à l'écran. Dans le registre des thèmes de la partition "Chasing Bandini" n'est pas mal non plus pour son illustration de la vitesse et "Team Player" s'avère affectivement intéressant.

Tout ce qui passe en dehors des courses est orchestré par des motifs plus apaisants ("Henry Ford the Second") parfois jazzy ("Ferrari Factory"). C'est très léger et si on peut trouver cela peu marquant - ce qui est vrai - l'ambiance cool du film s'en trouve renouvelée. Enfin il faut signaler que le personnage de Miles a droit à des instants plus rêveurs ("7000 RPM") voire d'extase pure ("Miles did it") qui sont pour le moins réjouissants.

Morceau préféré : Le Mans 66

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Daniel Lopatin retrouve les frères Safdie pour Uncut Gems. Pour magnifier le générique qui montre la beauté d'un diamant aussi bien que la réalité d'une coloscopie, Lopatin développe une ambiance unique sur la pièce orchestrale d'introduction "The Ballad of Howie Bling". C'est un véritable travail d'orfèvre qui se révèle davantage à chaque nouvelle écoute. La progression musicale du morceau est extrêmement soignée et les émotions se succèdent en seulement huit minutes. Les chœurs sont mêlés à un piano mélancolique soutenus par un synthé aux teintes futuristes. On retrouvera ce style dans la conclusion "Uncut Gems", tout aussi réussie.

Des morceaux d'électronique brute ("School Play", "The Fountain") s'insèrent entre des pistes plus new-age où le compositeur laisse parler sa fibre lyrique ("Fuck You Howard", "Windows", "The Blade"). L'ensemble est finalement bien équilibré avec en sus quelques dialogues du film qui se glissent par intermittences.

Bien que le travail de Daniel Lopatin n'épouse pas la fureur et l'explosivité du film, elle s'associe étrangement bien avec lui en tant que soutien de l'image. L'expression de la mélancolie marche très bien notamment parce que Lopatin convoque des ambiances proche des meilleurs travaux de Vangelis. Une bande originale en tout cas bien différente de ses contemporaines et qui de fait mérite une place de choix dans le panthéon électronique de la musique de film.

Morceau préféré : The Ballad of Howie Bling

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Quelques très beaux morceaux : l'ouverture pleine de grandeur ("Balade in C# Minor: Coronation") mais aussi "Hymn -Mvmt 1: Prelude" empli du sens du devoir avec des cœurs superbes et la conclusion amère ("Song of Hal: Conclusio in C Minor").

Morceau préféré : Balade in C# Minor: Coronation

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Un très joli thème principal.

Morceau préféré : J'ai perdu mon corps

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Bryce Dessner place au centre de sa partition son instrument de prédilection, la guitare acoustique. Le film étant centré autour du dialogue de deux hommes, la musique sait se faire discrète dans ces instants. Un piano, des cordes lointaines et des percussions suffisent au support de l'échange.

The Two Popes présente aussi le passé du pape François et sa jeunesse en Argentine. La guitare de Dessner se marie parfaitement avec cette ambiance chaude du continent sud-américain mais il parvient surtout à imprimer un style délicat, gentiment léger et simple, pour caractériser le pape François ("Walls", "Bergoglio's Awakening", "Pope Francis"). Pour ancrer sa musique dans le folklore argentin, outre l'appel au tango ("Siete de Abril") le musicien s'appuie sur les morceaux argentins comme "Cuando Tenga la Tierra" de Mercedes Sosa ou "Minguito" de Dino Saluzzi mais on retrouve également des musiques du monde comme "Sastanàqqàm" de Tinariwen. Ces choix musicaux s'intègrent parfaitement avec la délicate partition de Dessner.

La partition contient également des passages orchestraux plus abstraits, minimalistes même, qui sont associés au pape Benoît XVI ("Garden Dialogues"). Enfin, quelques développements plus solennels rappellent soit le poids de la fonction qui pèse sur les protagonistes ("Ratzinger's Election") ou exprimant les sacrifices qu'imposent la guerre ("Dirty War").

Morceau préféré : Walls

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The Gentlemen est une bande originale réjouissante qui apporte un esprit rock n' roll au film de Guy Ritchie. Dès "A Proper Handsome C**t", le ton est donné : les cordes sont habilement pincées, le dévoilement de l'intrigue est savoureux. On retrouve une ambiance parfois proche des sons tribaux qui apparaissaient dans Arthur du même Ritchie. C'est avec des progressions harmoniques résolument régulières (comme les aiguilles d'une pendule par moments) que la majorité des morceaux sont construits mais Chris Benstead n'hésite pas à user de rythmiques différentes. Et si la plupart des morceaux s'avèrent parfaits dans leur discret support à l'image, on retrouve quelques envolées un peu plus vertigineuses venu soutenir les moments d'action. "Lord George" tout d'abord mais surtout le final de "Is That a Gun?" en particulier qui procure beaucoup d'émotions lors de son utilisation (sans doute la meilleure scène du film).

Je trouve la bande originale très réussie, très "anglaise" finalement, comme une appropriation pleine de classe d'un savoir-vivre. Un peu à l'image des pubs chics que fréquentent les personnages dans le film. A la fois old school et moderne.

A noter également le très bon générique avec le morceau "Cumberland Gap" de David Rawlings non présent sur l'album.

Morceau préféré : Is That a Gun?

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La conclusion de la trilogie est dans la droite lignée des deux opus précédents. C'est-à-dire une démonstration que Williams est toujours capable de développer de belles compositions qui sonnent Star Wars mais qu'il est assez peu inspiré. Alors pour combler le manque d'inventivité et pour appuyer les références nombreuses à la trilogie originelle, il puise dans ses thèmes mythiques, les transforme et les retravaille. Forcément, avec le talent du maître ça donne une symphonie très maîtrisée, dont beaucoup souhaiteraient composer ne serait-ce que le quart. Mais le résultat est clair : difficile de ressortir un vrai thème marquant de cette trilogie en dehors de celui de Rey. On appréciera l'ensemble mais difficile de citer des titres en particulier. Ici, il n'y a guère que le traitement des cœurs Siths ("Anthem of Evil", "Approaching the Throne") qui ressort vraiment des autres compositions. Et c'est aussi sur ce point qu'elle aura déçu cette trilogie, elle ne marquera pas les mémoires pour sa musique. Et vu que c'est la dernière de Williams pour la saga, c'est quand même un peu dommage.

Morceau préféré : Anthem of Evil

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Avec ce chapitre 7, Göransson reprend les motifs de son premier chapitre et retravaille sa partition avec l'héritage des autres chapitres. Le résultat ne renouvelle pas la série comme ont légèrement pu le faire certaines compositions des chapitres précédents (mais avec moins de réussite), mais il y a au moins une progression musicale plus ordonnée. Le thème principal de la série est de retour par instants ("Kuill") mais il est surtout remis en avant par sa version orchestrale sur le dernier morceau de l'album.

Morceau préféré : The Mandalorian (Orchestral Version)

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Parasite est une bande originale plurielle, qui s'avère assez généreuse dans tout ce qu'elle propose mais manque d'équilibre. A l'image de l'élégance et du raffinement qui caractérise la réalisation millimétrée du film, la bande originale développe parfois des airs lyriques très poussés. "The Belt of Faith" a tout d'un grand morceau de musique classique (et son utilisation est parfaite), "Zappaguri" n'en est pas si loin. L'étrangeté de "Camping" et "It is Sunday Morning" surprend, entre un cœur d'enfants faisant penser au chant d'un hymne national et une certaine folie douce instrumentale. Il y a aussi beaucoup de morceaux d'ambiances pesants.

La richesse musicale de cette bande originale protéiforme n'est donc pas à remettre en cause puisqu'il y en a pour tous les goûts mais cette abondance de styles peut paradoxalement devenir un défaut : on a connu plus digeste comme album.

Morceau préféré : The Belt of Faith

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Vita & Virginia propose une vision moderne de la passion ayant liée Vita Sackville-West et Virginia Woolf. Isobel Waller-Bridge, jeune compositrice anglaise, choisit de mener l'histoire sur une base électro; c'est un choix délibéré pour appuyer la représentation de deux femmes iconoclastes dont la modernité doit rester intemporelle. Ainsi étonnamment pour une bande originale illustrant une période classique, le piano est absent.

Parmi les compositions électroniques citons "The Party", un thème porté par un synthé qui reviendra par intervalles régulier dans le film de Chanya Button et "Vita Types" un bel exemple de la vitalité de ces expérimentations électroniques avec l'apport de voix en soutien. Il s'agit d'une voix féminine que la compositrice a déformée pour la rendre androgyne en référence au roman Orlando de Virginia Woolf. Et la musique est d'autant plus organique que le rythme de la partition est calqué sur le rythme cardiaque réel d'Elzabeth Debicki, l'interprète de Virginia Woolf. "Breakdown" et "Sink into You" complètent le tableau.

Mais ce qui m'intéresse le plus dans cette partition c'est le thème principal du film que l'on découvre sur "A Long Letter". Dans ce morceau il n'est pas encore très développé, on le retrouve avec ses dérivés sur les morceaux "Stay the Night", "Eclipse", "Do You Think Yourself Good", "Printing Orlando" ainsi qu'"End Credits Part 1" et chaque apparition est un instant de grâce pure dans le film. Les nuances différentes du thème (surtout sur "Printing Orlando" et "End Credits Part 1 qui l'associent à l'électro) accompagnent les évolutions du film. Enfin le thème qui rythme "Egypt" et "The Gallery Part 2" est proche du principal mais s'avère plus apaisé.

On pourrait arguer que les mêmes motifs sont répétés à intervalles réguliers. C'est plutôt vrai mais je trouve la structure de l'album bien pensée, si bien que je ne ressens pas de lassitude à l'écoute. Et au sein du film l'aspect cyclique est particulièrement bien utilisé.

On peut toutefois réellement regretter que les morceaux soient tous de trop courtes durées, ce qui ne permet pas des développements importants et n'offre donc que des moments de grâce épisodique. Mais Isobel Waller-Bridge est une compositrice extrêmement prometteuse - je vois cette bande-originale comme un terrain d'expérimentation grandeur nature et pourtant déjà riche en idées - et elle devrait encore nous surprendre dans les prochaines années.

Morceau préféré : Stay the Night / Eclipse?

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Ce chapitre 3 s'ouvre sur "A New Day" promet des horizons aventureux et de nouvelles découvertes. Mais le vrai grand développement de cet épisode se trouve être "Signet Forging" dans lequel les coups de marteau forgeant l'armure convoquent les flash-backs de Mando avec des images évocatrices. On ressent bien tout le poids des images à l'écoute du morceau. Pour le reste on peut regretter des compositions un peu courtes : "Mando Rescue" s'avère épique mais aurait sans doute nécessité un développement plus important. De la même manière "One of Those" et son ébauche prometteuse se conclue un peu vite.

Morceau préféré : Signet Forging

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Le premier accord, soudain et implacable, plante le cadre : on est face à une œuvre dans la plus pure veine des intrigues policières chères à Agatha Christie. Nathan Johnson conserve donc les éléments musicaux classiques de ce genre de production. Le jeu de cordes, véritable base de l'ambiance, amplifie le mystère et la menace qui pèsent sur les personnages. Johnson propose également des morceaux avec un rythme plus important que ce soit pour illustrer une course poursuite ("The Dumbest Car Chase of All Time") ou pour marquer un rebondissement dans l'enquête ("Knives Out, Pt. II"). Un travail intéressant qui apporte son charme au film de Rian Johnson.

Morceau préféré : The Dumbest Car Chase of All Time

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Je ne crois pas que Newman soit vraiment un compositeur taillé pour illustrer la guerre ou les combats héroïques. Son style n'est sans doute pas assez dynamique, presque trop poétique et raffiné pour pleinement exprimer la violence des combats. Mais au final 1917 n'est pas un film qui montre vraiment les combats de la guerre, c'est avant tout la progression personnelle de soldats au milieu du conflit. Cela convient forcément davantage à Newman. Il nous propose une bande originale plutôt discrète, support à la marche des soldats. Mais il y a quelques envolées lyriques du plus bel attrait : le dynamisme final de "Engländer" notamment mais surtout les deux meilleurs développements sont assurément "The Night Window" et "Sixteen Hundred Men" : "Night Window" est une sorte d'ouverture sur le monde solennelle et grandiose et "Sixteen Hundred Men" possède une montée en puissance marquante avant l'assaut. A contrario, un morceau comme "Milk" est une halte au milieu de la tempête et prend son temps mais de manière tout à fait justifié. Au final, Newman s'en sort bien et parvient à magnifier les scènes les plus tendues du film.

Morceau préféré : The Night Window

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Habituellement peu client du style caractéristique de Trent Reznor et Atticus Ross, je trouve que leur travail pour la série Watchmen est réussi. Les deux compositeurs sont parvenus à créer une ambiance musicale moderne et héroïque qui colle bien à la série. Ils misent sur un rythme électronique lancinant ("How the West was really won") mais n'oublient pas non plus de prendre le temps de produire des instants plus sentimentaux ("Orphans of Krypton"). "Nun With a Motherfucking Gun" et "Never Surrender" sont vraiment des beaux développements électroniques, de ceux qui marquent durant le visionnage de la série. Il résulte de ce premier volume un résultat équilibré qui convainc par son efficacité et sa brièveté.

Morceau préféré : Nun With a Motherfucking Gun

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En ouverture de la bande originale, "The Ponds of Sorgan" est un morceau protéiforme dans lequel l'illustration de la beauté de la Nature et la tranquillité des autochtones est perturbée par les pillards dans la seconde partie du morceau. Göransson joue de fait sur deux terrains : la paix et l'harmonie est perturbée par la guerre, il faut arriver à transcrire correctement cette opposition de styles. Mando semble avoir trouvé un lieu de repos, ce qui est appuyé par un certain romantisme ("Can I Feed Him?"). Mais une bataille se prépare et l'entraînement ("Training the Plebs") est l'occasion d'un développement musical intéressant de l'apprentissage et de l'émancipation d'un peuple. Dommage que la bataille en elle-même ("Camp Attack") ne propose pas l'envolée épique que l'on aurait souhaité. Mais il y a quelque chose dans ce chapitre qui rappelle ostensiblement certaines compositions de John Williams pour la galaxie Star Wars. La partie "romantique" sûrement. Ce qui en fait en tout cas, le chapitre le plus proche musicalement de la saga.

Morceau préféré : Training the Plebs

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L'attaque et la poursuite des Jawas est l'occasion pour Göransson de produire un morceau rythmé et efficace ("Jawas Attack"). Les rappels au thème principal sont plutôt judicieux et l'ambiance fonctionne. La quête de l'oeuf offre un certain moment de bravoure ("The Egg"), mais je suis moins client du développement de "The Mudhorn".

Morceau préféré : Jawas Attack

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Sans doute pas une œuvre marquante mais un travail soigné. Face à l'aridité du film, les développements mélodiques, plus que les nappes électroniques, jouent le rôle d'un support émotionnel bienvenu.

Morceau préféré : Dan Walks Away

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Les pleurs de Dani en introduction de "Gassed" annoncent le premier drame qui marque le film. Pour Bobby Krlic c'est une première occasion d'exprimer l'arrivée inéluctable d'autres drames qui se profilent à l'aide d'une progression de cordes grinçantes. Les percussions s'ajoutent rapidement et accompagnent les rituels païens. Dans cette succession de bizarreries qui se déroulent sous un grand soleil, la musique de Krlic trouve une place de choix. Il en émane un mystère qui résonne dans l'incompréhension des protagonistes face aux évènements inexplicables. La résolution "Fire Temple" se trouve être la conclusion idéale du développement émotionnel de Dani avec l'expression d'une joie inattendue mais finalement évidente et implacable.

Morceau préféré : Gassed

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Dark Waters est une enquête et on ressent la lente progression de l'investigation à l'écoute de la bande originale de Marcelo Zarvos. Pas d'airs puissants mais des motifs soit rythmés et percutants soit que l'on peut facilement associer au travail acharné du personnage de Mark Ruffalo
("Sea of Boxes"). C'est une bande originale faussement légère avec quelques accords aériens mais les motifs électroniques qui vibrent ("Bucky") soutenus par des notes au piano rappellent régulièrement le poids de la mission du héros. Enfin, et c'est sans doute le plus intéressant ici, on soulignera l'émotion du piano de "Teflon Connection" et "Dark Waters", morceaux où le tempo et le temps s'arrêtent. L'album est un peu long pour ce qu'il a à offrir mais s'avère en définitive propre et efficace.

Morceau préféré : Dark Waters

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Glass est la suite directe de l'ambiance anxiogène de Split croisée à la beauté du thème d'Incassable signé James Newton Howard. West Dylan Thordson réussit à trouver une juste harmonie associant les deux entités musicales si diamétralement opposées. Il tire une synthèse viscérale à base de grincements de Split, qu'il remodelle et embellit par instants, par petites touches lyriques. L'héritage d'Incassable est lui aussi évident, les variations de son thème résonne par instants apportant une grande mélancolie à l'ensemble. Cette réappropriation du travail de James Newton Howard devient pour le final grinçante et désaccordée à son tour ("Origin Story"), histoire de boucler la boucle de la trilogie.

Morceau préféré : Origin Story

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Les nappes sonores composées par Sakamoto accompagnent avec justesse le cheminement et les doutes de l'héroïne, entre tiraillements et devoir ("Training", "Reunion"). Une jolie petite partition.

Morceau préféré : Training

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Chernobyl est une bande originale d'ambiance très réussie dans son genre. La compositrice a adopté une démarche expérimentale pour créer l'écrin musical de la série. Elle s'est rendue dans une centrale électrique lituanienne désaffectée, à la recherche de sons. On retrouve notamment dans la partition le son d'une porte de l'usine. Cette galerie sonore confère tout de suite une impression de réel et ancre la bande originale dans un style si particulier.

Les morceaux avec des chœurs ("Vichnaya Pamyat", "Líður") se distinguent des autres en exprimant sans voile la mort : ce sont à proprement parler des requiem. Le résultat en est dévastateur. Mais en dehors de ces deux exemples, Guðnadóttir prouve aussi un grand talent dans son maintien constant d'une tension palpable ("Bridge of Death"). Avec cette impression étrange d'entendre la radioactivité, mortelle et omnisprésente, tout au long de la bande originale.

Morceau préféré : Vichnaya Pamyat