Les meilleures bandes originales de 2026 selon OuaZz

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Déjà remarquable sur Good Time et Uncut Gems, Daniel Lopatin poursuit ici son exploration vaporwave et signe LA BO la plus remarquante du début d’année. Elle me fout la pèche mais peut tout autant s'écouter prélasser à ne rien faire. Depuis le film, je l’écoute en boucle : un score aux accents de consoles des années 2000, qui évoque l’allumage d’une PS1 et toute une esthétique résolument Gen Z. Étrange, hybride, addictif, et franchement brillant. Hâte de voir qui va bien pouvoir la détrôner. Les paris sont lancés : Williams de retour avec Tonton Spielberg ou Göransson chez Nolan ? A moins que Zimmer ne se surpasse sur DUNE.

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Daniel Pemberton me fait de l’œil depuis un moment. Sa partition du dernier Spider-Man m’avait déjà bluffé, tout comme l’élégance un peu feutrée qu’il avait insufflée à Materialist ou la fougue décomplexée de Bad Guys. Un compositeur que je garde précieusement dans ma ligne de mire : inventif, joueur, toujours prêt à glisser un petit grain de folie dans la machine.

Avec Project Hail Mary, même constat (même si je confesse que le score ne m’avait pas emballé en salle, mais réécouté à la zonzon… réévalué). On y retrouve l’héritage assumé du Interstellar de Zimmer (les crescendos, la pulsation métronomique), mais Pemberton s’en écarte grâce à un usage du chœur qui donne un vrai souffle au film, en plus d'une identité quasi religieuse en harmonie parfaite avec le titre / mission. Et fidèle à ses OST fantasques, il apporte une couche de malice qui colle parfaitement à la tonalité comique du récit. Accompagnateur redoutable, il sait exactement comment donner une vraie chair à l’image. Reste un bémol : 2h, sérieusement ?! Un peu trop de rab, quelques morceaux qui s’étirent pour rien. Mais au final, une belle bulle sonore pour survivre à une longue journée de boulot TOUT SEUL dans son bureau. Où est mon Rocky ???!

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Compliqué de passer après des titans comme Tenet et Oppenheimer, d'autant que ce dernier m'accompagne dans mon casque et écouteurs depuis plus de 2 longues années. Mais malgré cette pincée de frustration, je ne peux m’empêcher d'y retrouver sa minutie tout autant que son jeu constant des textures : cet art du bruitage hérité de l’école Zimmer (les meilleurs côtés). Goransson a toujours le chic de se fondre avec classe dans l’histoire, de l’accompagner comme il se doit. Il ne fait donc pas exception à la règle ici, bien qu’encore une fois, pour un récit aussi épique aux relents guerroyant, j’aurai espéré entendre quelque chose de plus Gladiator que Dunkirk. Or finalement, cela s’écoute agréablement en fond sonore (si on sabre 2-3 pistes un peu trop longues et répétitives avec l'ensemble), tout comme la tapisserie qu’il offre au film.

D’ailleurs, au passage, je trouve que cette musique finale au générique, bien que Travis Scott ne m’écorche pas l’oreille, dénote quand même pas mal avec le film, tout en empêchant de profiter du relâchement contemplatif après un tel morceau de bravoure en pleine poire. J’ai presque cru que j’étais dans un Disney. Et jai du mal à croire que Nolan est pu aussi facilement donner son aval, ni encore moins qu’il est pu délibérément en faire le choix. N’en reste pas moins, et je me répète pardon, un talent certain du monsieur pour poser des ambiances sonores. On voit qu’il a fait ses armes dans les productions rap.

Rien que pour l’audace de mixer un récit de l’envergure de l’Odyssée avec cette dose d’électroniques, faire s’entrechoquer l’âge de bronze (dont il incorpore des instruments) à la technologie du 21e siècle, moi, je trouve ça plaisant. Au moins, il innove, s'aventure dans des sentiers épineux sans la moindre crainte des ronces de ses détracteurs. De tout manière, après avoir glané 3 oscars en moins de 8 ans, le bonhomme peut bien faire ce qu'il veut.

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Il subsiste une fascination qui peine à dire son nom dans ce cauchemar, un détracage de l’espace en règle. Parce que même sans connaître l’univers des Backrooms, à la simple écoute, on a l’impression d’entendre les lamentations d’un immeuble ou d’un décors tourmenté. L’impression de rallumer une vieille PS1 étouffée par la poussière.

Il y a du Boards of Canada et du Ghosts de NIN. Des secousses numériques ; un travail sur l’atmosphère plutôt remarquable. Un bon moyen de prolonger le séjour, de se perdre en toute sécurité devant cette sensation d’un monde en pleine liquéfaction.

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3e score de l’année pour le petit prodige Pemberon. Et une chose est sûre, c’est que le monsieur déborde d’inventivité ! Un score tout aussi musclé que son héros et fantasque que l’univers qu’il dépeint. Plus qu’une hâte : voir sortir le film dans les salles françaises pour profiter de sa musique en 7.1 !!

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Peut-être la seule bonne chose à retenir de ce film. Goransson réussit toujours à nous charmer, même si on sent qu'il en a encore sous le coude et qu'il s'est entièrement dévoué à sa vraie collaboration de l'année : L'Odyssée de Nolan. Je retiens l'introduction de 8mn, me rappelant son inauguration de Tenet, qui s'amuse à faire d'une simple sirène d'alarme un élément orchestral ou encore cette arrivée sur Shakari aussi démente que jouissive et d'une classe imparable. Incontestablement, cela ne lui vaudra pas son 4e Oscar, mais comme je le disais plus haut, cela reste la seule bonne chose que je retiens du film et que j'ai écouté toute la semaine en quittant la salle.

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C’est sans doute le dernier travail du plus grand des maîtres de la musique de film, le Mozart de l’OST. Triste de le voir partir sur une BO aussi discrète, mais qui a le mérite de se superposer parfaitement et avec humilité au film de son illustre compère. On y retrouve évidemment des relents de sin travail sur Rencontres du troisième type (pour notre plus grand plaisir).

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La meilleure façon de prolonger l’expérience d’un film que je n’ai même as vu. C’est doux, rond, mélodieux. Rien que pour la reprise de Satie le disque vont sont pesant de cacahuètes. J’ai pensé à Trent Reznor et Atticu Ross sur Empire of Light avec ces lourdes et résonnantes touches de piano entêtantes. Ce décor de bord de mer qui fait songer que les notes sont comme englouties. Parfait pour se réveiller en douceur. Quant aux nappage électro qui rehausse le goût, c’est dans l’esprit de RON mais en légèrement moins clubant. Une belle surprise.

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Même si Brian Tyler (désolé pour le délit de faciès mais ce mec ne ressemble pas à un compositeur, tout au plus le méchant de Rocky au pays des Soviets) ne fait rien de moins qu’aller picorer dans les compositions mythiques du jeu (Mahito Yokota, pour ceux que ça intéressent), il faut avouer que le film est un véritable balais : 1h40 de symphonie dans tous les sens pour attiser la veine nostalgique des fans ou maintenir l’attention de nos précieux bambins. Naturellement, Tyler étant qui il est, il ne trahit pas ses racines et vient décrasser les tuyaux du célèbre plombier pour le concasser à la sauce Marvel. Si bien que j’ai failli basculer deux-trois fois de mon siège en passant que les Avengers allaient faire leur apparition pour sauver Harmonie. Y’avait déjà Star Lord au casting, donc pourquoi pas rameuter les autres fanfarons.

D’autant que je me permets une petite aparté, mais le film m’a clairement fait l’effet d’un Gardiens de la Galaxie version junior. En tout cas pour en revenir à la musique, elle fait largement son office en accompagnant merveilleusement bien toutes les séquences du film et la différente faune et flore que l’on traverse à vitesse grand V. Un score aventureux qui nous immerge tout entier dans ce smi-space-opera. D’accord, j’avoue que je suis un peu triste de perdre la patte plus discrète et fantasque du jeu au profit d’un orchestre plus grandiloquent, or il faut bien déboucher les oreilles des pépés et mamés accompagnant leurs petits enfants ou couvrir la voix des 4 salopards du fond qui jouaient à « qui avait le plus de réfs » en commentant à voix haute la moindre apparition d’une bestiole.

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A des kilomètres de la grandiloquence qu’avait pu insuffler Ramin Djawadi à la série originelle, Dan Romer se contente de tisser quelques jolies balades, des petites complaintes à même de nous plonger de nouveau dans le Royaume des 7 Couronnes en compagnie de Dunk et son fidèle écuyer. L'ambiance y est bucolique. On sent l’air des collines, l’écho des forêts, ou encore la ritournelle du voyage. Un hymne chevaleresque cousu de mélodies vagabondes. L'embrun de l’aventure. Une musique pour feu de camp ou pour trotter dans les plaines, cheveux aux vents. Peu aussi animer votre fête médiévale de village, si le cœur vous en prend. En revanche, quand il s’agit d’épouser l’épique, ou de faire dans l’émotion, ça coince. Un chouette petit score qui s’écoute avec un morceau de paille entre les lèvres, mais qui manque d’un peu de peps. Dommage car y’avait vraiment de quoi lorgner vers le Morricone western-sifflotant (version moyen-âge).

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Une musique à la fois grinçante, poisseuse et étrangement éthérée avec ses chœurs funestes lors du final. Après Vermines, Double Danger continue d'imposer sa marque sur le genre français. Joliment surpris malgré quelques répétitions et facilités inhérentes à ce type de production. S'il continue sur cette lancée, on pourrait être encore plus épaté par ce que le duo nous réserve pour leur prochaine collaboration, quand ils se seront dépêtrés de leurs influences / poncifs musicaux. Affaire à suivre.

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La protégée du regretté Johan Johansson se fait petit à petit un nid à Hollywood après son remarqué score pour Joker premier du nom. C'était elle aussi derrière Chernobyl ou Tar, le film retraçant la vie d’une compositrice classique. En ce début d’années 2026, Hildur (désolé de ne pas prendre le risque d’écrire son nom pour des raisons évidentes, de toute façon mon clavier n’est pas équipé pour) nous sort le grand jeu : pas moins de 2 BO en moins de 3 mois. A l’écoute de sa jeune discographie, on sent clairement que sa force réside dans son utilisation des violons, sa science des cordes, sa manière de les faire grincer, à l’image de vous savez qui sur Prisonners. Et ça ne fait pas défaut également ici : des cordes frottées qui viennent percuter des riffs de guitare ou des percussions de tam-tam. On a même le droit à une apparition du groupe Fever Ray à 3 reprises. Naturellement, on ne pouvait pas attendre un miracle au regard d’un film aussi mauvais. Néanmoins, Hildur se retrousse les manches et nous prouve que si The Bride fuit de partout, elle n’en est nullement fautive, y’a juste à écouter le morceau inaugural pour pleurer que le film ne se soit pas calé à ce niveau.

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Une bande-son à l’image du film : charmante, enjouée, pleine d’élan… mais pas toujours aussi inventive qu’on l’aurait souhaité. Mark Mothersbaugh s’amuse clairement à enchaîner les pastiches et hommages, et on croit reconnaître tour à tour du Danny Elfman, du Giacchino époque Mission Impossible, ou du James Newton Howard façon King Kong. Un plaisir léger, parfois trop sage, mais efficace.

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Pas vu le film, mais étant dans mon éra "donnez-moi de la fantasy et des contes à lire / voir pour me ressourcer", je me suis rendu à pas feutrés sur ce petit score ma foi pas dégueu. Probablement pas aussi marquant qu'un Green Knight, mais qui présente un certain charme médiéval avec quelques chansons entraînantes, bien qu'a l'image d'un récit que j'imagine plutôt crépusculaire et tristoune. Pas mémorable, mais sympatoche.

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La simplicité d’un piano ouvert, la concision des notes qui vont à l’os, cette sensation de mélancolie, de tristesse qui s’étire. Tout comme le film, le score est épuré, il accompagne se portrait au fusain, élégant, reculé, chargé de sentiments noyés. Probablement que son innocence le rend moins attachant, que sa pesanteur n’en fait pas un grand, néanmoins ça s’écoute facilement pour qui souhaite une dose de blues.

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Comme tout bon film d’horreur postérieurs aux années 2010 qui se respectent et le triomphe d’A24, il est moins question de musique que de bruit. Hildur compose la menace, elle colle à la forme dont le film a besoin en rappelant à demi-ton les expérimentations sonores d’Arrival sur les octopodes. C'est une partition nerveuse, que dis-je rugueuse, primitive, presque animale. Comme le docteur Keller, il y a quelque chose de tribale dans l’écriture, des gerbes de dissonances contrôlées (ça je l’ai volé mais je trouve que c’est très vrai et très à propos). Le bémol en LA majeur : un exercice qui montre vite ses limites par sa redondance. La BO reste sur la même crête, se contente de déplier qu’un unique motif. Je vous partage aussi un truc que j’ai lu quelque part au sujet de certaines musiques de film qui cherchent l’effet "psychophysiologique" avant la beauté formelle parce que je trouve que ça colle plutôt bien à ce cas précis, qui remue légèrement les tripes. Voilà, c’est kdo.

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Deuxième BO de Pemberton cette année. Après avoir accompagné Ryan dans l'espace, c'est au tour du couple Zendaya-Pattinson de se faire disséquer à l'aune d'une musique simple mais drôlement efficace. Une flûte pour les tourmenter tous et avec 2 simples notes les lier. Une farce qui vire au tragique, ou une tragédie qui vire à la farce. Dans tous les cas, notre Daniel compose un joli écrin de 20mn qui se marie parfaitement au film. Quelque chose de discret, mais d'essentiel.

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Un disque idéal pour la flânerie : de petites capsules d’à peine une minute où se succèdent par ici une guitare, par-là une harpe, un peu plus loin un piano ou ci-contre des petites touches jazz. Un ensemble varié, mais parfois répétitif, qui manque par moments de couleur et de relief. Malgré tout, l’album parvient à convoquer une nostalgie douce, presque bucolique, qui rappelle l’âge d’or des studios hollywoodien. Simple mais réussi.

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Autant le film m’avait bluffé dans son mixage et son alliage de musique à la fois douce et angoissante, autant l’OST a un peu plus de mal à exister à sa simple écoute - comme l’impression que les morceaux sont hachurés ou sautent d’une piste à une autre sans véritable sens dramatique. En dépit de cela, on reste sur du bon travail, surtout en ce qui concerne l’ambiance romantique et éthérée du film.

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Bizarrement, et à l’inverse Project Hail Mary, le score me paraissait bien plus foufou lorsque j’étais dans la salle. Force est de constater qu’ils ont oublié de mettre les quelques morceaux recomposés pour l’occasion. Dommage, c'étaient les plus badass ! C’est inspiré, ça rappelle même un peu le cinéma de Tarantino qui lui-même rappelle la discographie de Morricone.

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Le film est sorti en 2025, mais sur l'affiche c'est écrit février 2026 en France, alors je me permets de tricher. En attendant la troisième itération de Dune, on va devoir se satisfaire de ce petit score de la part du chevalier teuton. Malgré la sagesse et le manque d'audace, probablement, faut avouer que c'est plutôt entraînant. Je préfère encore cette BO sans prétention plutôt que la soupe froide qu'avait été celle de F1.

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On le sait, c’est inévitable, vient un moment où un artiste atteint le point de non-retour, celui de rupture avec son géni fané, que son talent se ratatine sous le poids de tous ses chefs-d'œuvre passés, que l’inspiration, tout bêtement, s’éteint. J’ai de la peine à le dire mais notre ami Danny a atteint ce secteur où les muses sont en silence radio. Alors que fait-il le gredin ? Il regarde dans le rétro, va fouiller dans sa malle à jouet du temps jadis. Toujours est-il que le voir collaborer à nouveau avec Sam Raimi fait plaisir, rien que pour le brin de nostalgie. Même si elle sera entérinée par une partition sans charme, trop discrète, et pas du tout à la hauteur du prodige dont on sait capable l’homme, ne serait-ce que par soubresauts. Mais soyons optimiste, probablement que le composte qu’il accumule depuis ces 5 dernières années pourra faire pousser une dernière belle plante avant sa last révérence.

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Compositeur attitré de Cédric Jimenez, Guillaume Roussel est parvenu ces dernières années à se faire une place de choix parmi les sorties triple A françaises. A croire qu’il essaie tant bien que mal de rentabiliser son abonnement UGC. L'an dernier, l'électronique mi-cyberpunk de son Chien 51 avait été la seule chose à retenir du naufrage. J'irai pas jusqu’à dire que je le trouve talentueux, que lorsque je regarde un film qu’il compose, je reconnais sa signature, mais je trouve que sa musique est amplement assortie à la binette de notre cinéma : grisâtre (pour ne pas dire terne), sans folie ni magie, dépeuplé d’extravagance, et peu amen sur la question du métissage tonale.

Alors je me rends compte que ça peut sonner comme une critique (je maintiens que c’en est bien une pour le cinéma), pourtant nan : juste que le pauvre boug n’a pas d’autre alternative que de s’aligner à la DA collective d’une industrie frileuse et allergique à la moindre trace d’innovation quand le budget dépasse la barre des 10M. Aparté : cet indice de rendement commence à sentir la vieille chaussette sur le radiateur. S'agirait de s’autoriser à faire mieux pour qu’on évite de passer trop longtemps pour des flans.