Les meilleurs albums de 2025 selon Kinito

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Malgré le potentiel pressenti depuis les 1ers EPs, malgré Pointless qui confirmait haut la main, je n'étais pas près à me prendre une telle gifle. Plus que jamais protéiforme, à mi-chemin entre Converge, Julie Christmas et (plus rarement) Brutus, le groupe livre un travail remarquable : les compos sont d'une diversité folle, variant les styles, les rythmiques, les textures, entre charge émotionnelle et charge... tout court ! Le tout emmené par une chanteuse au top, à l'aise dans tous les domaines, autant vecteur d'émotions que de parpaings dans tes tympans !

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Après un Infinite Granite qui avait laissé les fans sur le carreau et conforté les détracteurs dans leurs convictions (jurant que Deafheaven en avait définitivement fini avec le Black Metal), voilà que les californiens font mentir tout le monde en revenant contre toute attente avec un album somme qui synthétise toute la diversité de leur musique : du très black (Magnolia, Revelator), au post-punk (Body Behavior) en passant le blackgaze qui a fait leur renommée (Garden Route, Amethyst...), Deafheaven balaye avec une cohérence notable tout le spectre esthétique qui fait sa personnalité, sa patte si unique, parfois imitée, jamais égalée. Entre mélancolie et exutoire de violence, à l'imagine des 2 pépites (Winona / The Marvelous Orange Tree) qui clôturent l'album manière magistrale. Au final, surement l'album le moins surprenant du groupe... et assurément le plus abouti !

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Kadath ! C'est ainsi que démarre le nouveau TGOO, en guise d'invitation au voyage (une fois n'est pas coutume) dans les méandres de l'univers Lovecraftien. Et quoi de plus tortueux que l'exploration des contrées des rêves, un terrain de jeu qui sied parfaitement au post-black sombre et complexe des bordelais. Ils excellent encore une fois dans l'illustration de ce périple cauchemardesque dans l'entre-deux mondes, à la quête de Kadath et des grands anciens. On retrouve avec cet album le pouvoir d'évocation d'un Tekeli-Li, mais aussi une partie du fantastique travail du groupe sur l'expérience ciné-concert de L’appel de Cthulhu. Conçu comme une véritable BO de la nouvelle, l'album est à la hauteur de ses ambitions, et il n'a certainement pas fini de révéler ses trésors cachés.
PS : mention pour la très chouette reprise de « Second Rendez-Vous » de Jean-Michel Jarre sortie en single peu après l'album, qui le prolonge parfaitement !

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Définitivement mon coup de cœur et ma plus belle découverte de l'année. Un album aussi beau qu'il est difficile à cataloguer, naviguant entre les esthétiques très brutes et urbaines du post-punk et du hip-hop, celles plus indus de la noise, et la chaleur classieuse du post-rock et du jazz, évidemment. Cette dernière imprime d'ailleurs littéralement tous les morceaux via ce saxophone virevoltant omniprésent, envoûtant les parties calmes, électrisant les montées en tension, amplifiant les émotions. Le chant navigue parfaitement entre ces différentes textures, tantôt brut et rageur, parlé ou hurlé, tantôt mélancolique jusqu'aux larmes. Il n'y a qu'à écouter Look Down On Us pour s'en convaincre, morceau somme qui donne un aperçu plutôt explicite de ce que Maruja propose avec cet album, et de l'intensité émotionnelle qu'il est capable de déployer. Une pépite rare, d'autant plus en dehors de mes genres de prédilection !

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Avec The Spin, Messa livre (encore !) une petite pépite de doom prog dans un style (encore !) différent de ses prédécesseurs. Dans une atmosphère hypnotique et envoûtante, chaque morceau se déploie avec subtilité, oscillant entre lourdeur écrasante et passages plus aérés, presque méditatifs. La voix de Sara y est pour beaucoup : profonde, presque mystique, elle se mêle à merveille aux riffs majestueux qui rythment l'album, créant une expérience immersive et spirituelle. Plus immédiat que l'était Close, The Spin est un coup de cœur immédiat qui tient pourtant bien la distance tant il est riche.

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Album concept autour de la perte de sens au temps l'hyper-digitalisation et plus globalement de l'absurdité de nos modes de vie, ce Age or Ephemerality se révèle, à l'image du groupe, assez jusqu’au-boutiste dans sa démarche. Mais une fois les deux 1ers morceaux assimilés, la divine symphonie se met en place et nous transporte dans son univers parallèle où règne cette étrange impression de semi-réel, entre la texture organique du violoncelle et le côté synthétique de l'empilement de couches mélodiques qui saturent l'espace. Sans concession, Bruit pratique un art total auquel on peut rester hermétique, mais duquel il est difficile de s'extirper une fois pénétré ce maelstrom

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Plus qu'un groupe, Belnejoum est un projet international formé de musiciens chevronnés pour partie issus de groupes qui n'ont pas grand chose à voir entre eux (Annihilator, Nile, Fleshgod Apocalypse...), ni forcément avec le genre pratiqué : un black sympho très orchestral, soutenu par de nombreux instruments classiques (piano, violons, violoncelle, bois...), des instruments traditionnels orientaux et une large palette de voix ambrassent des textures diverses, du growl au lyrique. Pour situer, on serait quelque part entre Carach Angren, Dimmu Borgir et Kalisia... Un projet ambitieux donc, pour un concept album à l'esthétique très théâtrale et grandiloquente. L'exercice pourrait rapidement s'avérer bancal, mais quand il est exécuté avec tant de brio et de sincérité on ne peut que se laisser porter par ce foisonnement narratif (quitte à s'inventer sa propre histoire, quand celle du concept ne me parle pas vraiment). Il y aurait encore milles choses à dire mais citons en vrac : les splendides mélodies orientales au Ney qui parsèment l'album, la reprise de Saint Saëns sur In their Darkest Aquarium, la partition de piano sur As She Drowns... Chapeau, maestro !

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Un nouveau Blut Aus Nord, c'est une nouvelle porte ouverte vers un monde imaginaire, voire une myriade de mondes fantasmés (ou redoutés c'est selon). Le pouvoir évocateur de leur black atmosphérique (qui pousse encore les expérimentations psyché de leurs sorties récentes) fait encore des miracles, peignant des tableaux aussi sombres que sublimes, aussi inquiétants qu'ils sont attirants, aussi palpables qu'ils sont chimériques. J'ai lu chez Thrashocore : "Blut Aus Nord capitalise sur la part belle de sa musique, rapprochant les deux derniers volets des Memoria Vetusta de Hallucinogen pour n'en faire qu'une seule œuvre". Voilà qui décrit parfaitement mon ressenti, et qui ajoute encore à la cohérence d'ensemble de l'œuvre de Blut Aus Nord, au sein de laquelle Ethereal Horizons occupe désormais une place de choix.

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Cénotaphe nous offre enfin une suite au remarquable Monte Verità paru il y a déjà 5 ans. Chimères s'inscrit dans la même lignée, proposant un black metal brut à la française, dans sa plus pure expression. Brut, au sens où tout dans les textures, les compos, les voix... sonne très naturel, épuré mais judicieusement arrangé, brutal mais jamais dans l'excès, puissant mais jamais poussif. Un blast quasi incessant autour duquel tourbillonnent des mélodies tantôt épiques, tantôt mélancoliques... et un chant écorché, déclamé en français par courtes tirades comme pour décupler l'intensité de chaque mot. Petit bémol sur les fins de morceaux qui tombent systématiquement à plat par un effet de fade out pas forcément judicieux. Pour le reste, une franche réussite !

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10 ans que j'ai découvert Myriad Drone, qui m'avaient alors scotché avec la reprise du thème de Twin Peaks sur leur 1er EP. Officiant dans un post-rock instrumental plutôt prometteur, leur style s'est ensuite mué en quelque chose de plus costaud avec leur 1er LP (l'excellent Arka Morgana) et l'introduction d'éléments plus metal et l'apparition du chant. En 2025 le groupe est toujours aussi confidentiel mais poursuit son bout de chemin avec un nouvel album à présenter. Et quel album ! Ce qui frappe de prime abord c'est à quel point Myriad Drone continue d'évoluer, de muscler son jeu, et de mêler les genres au gré de son inspiration. Si la base post-rock est toujours présente, elle partage désormais allègrement les compos entre post-metal, shoegaze et blackgaze. Toujours aussi immersive et aventureuse, la musique des australiens nous fait désormais voyager beaucoup plus près du sol (quoique l'album soit ponctué de belles envolées), comme plus encrée dans le réel. Les voix en témoignent : discrètes et aériennes sur le précédent opus, elles sont ici bien mises en avant et d'une diversité jamais vue auparavant. En contrepartie, on perd certainement un peu de la beauté mystique qui savait par moment nous transporter vers d'autres cieux... Reste un album maitrisé de bout en bout, un groupe qui ne cesse d'évoluer et qui le fait avec talent... ne leur manque que la reconnaissance qu'ils méritent !

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Après l'excellent Alphaville, et la satisfaction personnelle d'avoir enfin compris Imperial Triumphant (dont j'ai longtemps apprécié l'esthétique tout en restant hermétique à leur musique), j'avais été un peu refroidi par un Spirit Of Ecstasy bien plus abscons... Goldstar me permet de reconnecter avec le groupe, en proposant ce qui est peut-être leur album le plus "accessible". Qu'on ne s'y trompe pas, les new-yorkais jouent toujours d'un death expérimental méticuleusement déstructuré, empruntant autant au black qu'au jazz, qui fera toujours vriller les oreilles les moins initiées. Mais dans cette cacophonie rythmique, le groupe parsème nombre de prises auxquelles se raccrocher : ici un ligne mélodique catchy triturée à l'envie (Hotel Sphinx), là des variations jazzy du plus bel effet (Lexington Delirium), là encore des percus cubaines par un Dave Lombardo à contre emploi (Pleasuredome). Il ne nous reste plus qu'à se laisse happer par ces ambiances urbaines décadentes et dystopiques, perdus, quelque part entre fiction et réalité...

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Dans le multivers des sorties stoner prog de l'année (Stone From the Sky, Yojimbo, Yawning Man...) c'est le voyage proposé par ÖfÖ Am qui m'emmène le plus loin. Un album aventureux qui déploie des trésors d'ambiances où la chaleur des teintes orientales côtoient des élévations cosmiques du plus bel effet. Mais la force d'ÖfÖ Am c'est aussi cette capacité à se rappeler régulièrement à leur base stoner à grand coup buches et de riffs bien groovy histoire de bien nous ramener les pieds sur terre... avant la prochaine ascension !

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J'ai eu un peu de mal à rentrer dans ce nouveau In Mourning, gêné au départ par la structure des morceaux et la place désormais prépondérante de Björn au chant (bien plus poussif que le growl profond de Tobias quoi qu'on en dise, bien que proche du timbre de feu le chanteur d'At The Gates). Mais les compos se bonifient avec le temps, dévoilant toute leur cohérence, embrassant l'auditeur de leurs atmosphères mélancoliques. Les passages calmes se font oniriques, portés par des refrains encore et toujours magnifiques. Quand elles ne sont pas au service de l'émotion, basse et guitares savent se faire incisives lorsque le doom des Finlandais sort de son lit pour venir insidieusement nous briser la nuque. Légèrement plus moderne et plus produit que ces prédécesseurs, The Immortal rejoint une discographie sans faux pas, marqueur d'un groupe évoluant graduellement sans jamais se renier.

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Comment faire mieux après avoir pondu des brulots tels que Stellar et Finisterre au point de devenir la référence de ce qui se faisait de mieux quand en terme de post-black ? Noktvrn (bien qu'un peu en deçà) s'en sortait plutôt bien mais on pouvait craindre que la baisse de régime fatidique ne touche finalement les allemands. Il n'en n'est rien, tant ce Innern tient la dragée haute à ses ainés, sans rien changer... ou presque. Car oui, on pourrait arguer que Der Weg évolue peu et nous ressert la même recette album après album. Pour autant, ils l'exécutent à la perfection et chaque compo apporte son lot de nouvelles idées. Le travail sur les contrastes sur les morceaux les plus atmosphériques (Eos, Fragment, Forlorn) est également plus poussé et la déferlante de violence / noirceur qui s'en suit n'en est que plus redoutable. On pourra par contre regretter qu'un dernier titre ne vienne pas clôturer l'album avec plus de panache que ne le propose le très blackgaze Forlorn. Quoi qu'il en soit, Der Weg ne déçoit pas, et continue de se forger une discographie des plus respectables.

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Connu pour être le side project de Dymna Lotva, Hangover in Misk a pourtant une identité bien à part et compte bien le prouver avec ce 1er LP. Officiant dans un black dépressif torturé mais jamais outrancier, l'album se place comme un exutoire à cœur ouvert. Relativement discrète, la musique se pose en support au travers de tremolos mélancoliques ou d'arpèges délicats, sans être jamais réellement mise en avant, bien que les variations post (The Cow Was Stolen) soient très réussies. Mais le vrai atout du groupe réside bien dans son chant : plaintif, susurré, crié, ou carrément lyrique, il apparait sous toutes ses formes au service du mal qui l'habite, comme pour mieux nous surprendre, nous toucher. Le duo avec Déhà sur Fuck You, My Love est d'ailleurs une franche réussite. Un album d'une relative simplicité qui, dans le genre, n'en fait pas des caisses et parvient quand bien même à atteindre une intensité émotionnelle assez remarquable.

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Il y a quelque chose de satanique dans cette musique ! A l'image du chant, sauvage, habité et des mélodies qui s'instillent insidieusement dans les veines de l'auditeur, Haeresis est un mal qu'on prend plaisir à s'infliger. Tantôt lourd et incantatoire, tantôt libérateur s'échappant dans des cavalcades de blast beats, toujours soutenu par des nappes de synthés empruntes d'un souffle épic, le post-black des allemands a quelque chose d'inévitable. Un ressenti proche de ce que propose Ultha dans un registre similaire.

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Bientôt 30 ans d'existence et je ne découvre Rwake que maintenant... Eh bien mieux vaut tard que jamais, et encore mieux quand la sortie est de cette qualité. Rwake fait dans le Sludge, du genre hybride qui marie aussi bien la lourdeur d'un Thou et que les lignes mélodiques d'un Mastodon. Dans cette lourdeur, l'ascendance Hardcore du groupe est souvent assez explicite (With Stardust Flowers), portant chaque riff, chaque parole avec une force décuplée. Mais le groupe sait aussi prendre le temps d'installer et de distiller ses ambiance nihilistes : en témoignent les nombreux passages proggy et autres "pauses" spoken words qui parsèment le disque... jusqu'à occuper une bonne part des morceaux sur la fin de l'album ! Il fallait oser, mais la montée en puissance qui s'en suit est tellement jouissive qu'on avance les yeux fermés dans le marécage souvent tortueux de leurs compos.

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Un one man band de black mélodique médiéval lyonnais qui semble sortir de nulle part ? On tente l'écoute... et on a bien fait, tant les mélodies épiques qui ponctuent ce 1er album de Wivre sont inspirées. A peine le morceau d'intro écoulé que la chevauchée infernale démarre à grands coups de riffs heavy black imparables, virevoltants aux quatre vents, ne laissant aucun répit à l'auditeur. Du répit, il en trouvera dans les interludes acoustiques qui séparent chaque morceau, comme une pause au coin du feu avant de repartir au grand galop. Quelques ruptures rythmiques bienvenues évitent à l'album de tourner en rond et permettent de nuancer le propos et d'étoffer l'univers du groupe. Le style et l'inspiration médiévale le rapproche assez d'un Véhémence, mais le chant lui me rappelle avec bonheur les 1ers Cor Scorpi ! Ce 1e essai est donc une franche réussite et on attend déjà Wivre II avec impatience !

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9 minutes : c'est le temps qu'il m'aura fallu pour me convaincre de poursuivre cette 1e écoute de Ba'al. 9 minutes bien investies tant l'album a fait son chemin depuis ! Un voyage musical évocateur et tout en nuances, mêlant à son post-black des influences post-metal, doom voire screamo. Parsemé de mélodies à tomber, de chant clair ou spoken word et de ruptures bien senties, l'album apporte une grand variété de plans tout en restant parfaitement cohérent, dans ses ambiances et ses intentions. Une des sorties black les plus "fraiches" que j'ai écouté cette année.

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Encore un groupe que je découvre sur le tard, mon avis est donc peut être biaisé par le côté "nouveau pour moi", mais j'ai beaucoup aimé l'album. On est sur du doom épuré, duo basse batterie oblige, mais pas minimaliste pour autant. Les compos sont variées, bien aidées par des lignes mélodiques inspirées et surtout le chant de la bassiste, bien catchy sur les refrains, juste envoutant le reste du temps. Les morceaux restent en tête, on se surprend à les fredonner et à y revenir régulièrement, malgré la relative simplicité de l'album. Ne me reste plus qu'à creuser le reste de le discographie pour voir si cette redoutable efficacité tient plus de la chance ou du talent !

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Le sludge de Cranial est lourd, travaillé au corps et teinté de ces élans atmosphériques qui agissent comme des bouffées d'air en pleine suffocation. L'impact des coups portés par cette basse et ce chant d'outre tombe n'a d'égal que les percées lumineuses que parviennent ponctuellement à dégager les lignes de guitares. L'album est emprunt d'une mélancolie palpable qui se change en colère froide dès que les riffs durcissent le ton. C'est dans ces contrastes que se construit la beauté crasse de Cranial. L'album qu'on attendait après 6 longues années et 2 précédents opus de grande qualité.

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Il m'en a fallu du temps pour apprivoiser ce bazar... oui, car bien qu'estampillé black metal, le groupe s'en éloigne assez radicalement dans un mélange déconstruit de post-black, de noise, de punk, de folk, voire de free jazz... On pense effectivement rapidement à Deafheaven, mais on peut tout aussi bien les rapprocher d'un Spider God (où l'art de fondre son black dans 1000 influences) ou d'un Liturgie (dans l'intention). Un album d'une grande richesse donc, difficile d'accès de part sa diversité, mais d'une inventivité rafraichissante et grisante à partir du moment où on commence à trouver les 1er points d'accroche. My Garden est à ce titre une porte d'entrée plutôt compliquée à franchir de part sa violence et sa versatilité. D'autres morceaux sont des bangers quasi immédiats, à l'image du très mélo Micah, de Bodhidharma et son riff imparable alterné avec des passages quasi a capella d'une grande fragilité, ou encore du plus atmo The Reply qui clôture admirablement l'album. Un 1er essai plus qu'intéressant, dont on attendra la suite avec curiosité tant on n'imagine pas vers quels horizons Agriculture peut encore nous transporter.

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En un rien de temps, Backbraid est devenu une valeur sure du black mélo. Si l'étiquette "black amérindien" a surement aidé le groupe à se faire un nom, leur musique a toujours parlé pour eux et on y ressent toute la sincérité de leur démarche. C'est encore le cas sur ce 3e opus qui déploie des trésors de mélodies, épiques, mélancoliques ou plus folk lorsqu'elles sont soutenues par des instruments traditionnels. L'album fait également la part belle aux solos et on entend pas mal de Dissection sur les morceaux mid-tempo. Le chant joue une partition globalement plus posée mais sait retrouver sa sauvagerie d’antan dès qu'il faut montrer les crocs (Wardrums...). On pourrait reprocher à Blackbraid, de ne proposer qu'une variation légère de son précédent album, mais ça serait surement faire la fine bouche au vu de la maturité ici atteinte. Il faudra cependant parvenir à se renouveler pour éviter de tomber dans la redite.

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J'écoute de moins en moins de Hardcore (dont je préfère généralement l'énergie live au ressenti sur disque), sauf lorsqu'il est habilement mélangé à d'autres esthétiques. Si le splendide Point Mort m'a plut de part son orientation très post et éclectique, ce Catharsis embrasse quant à lui le côté sombre de la force : reposant toujours sur un socle Hardcore bien solide, constamment rappelé au 1er plan à grand coup de breaks imparables et de riffs tout aussi efficaces, il incorpore des éléments prog voire presque sludge qui servent totalement le propos très noir de l'album. Ambiance également servie par un chant sans concession, dégueulant d'une rage bien explicite. En résulte un album texturé aux choix esthétiques assumés qui le font clairement sortir du lot. Un vrai tour de force 26 ans (!) après leur dernier album, et très belle découverte pour ma part !

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Un album d'une sombre beauté, déchirant de tristesse, dans ces mélodies éthérées et ses splendides trémolos sous réverbe, dans cette voix en transe (au point qu'elle bascule littéralement dans le DSBM sur le 2e morceau), dans ces quelques ponts aériens qui agissent comme des bouffées d'air au milieu de cette saturation d'émotions fortes. Apparu un peu tard dans l'année, il méritera encore de nombreuses écoutes pour se révéler pleinement.

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Wilhelm se place dans la droite lignée de l'excellent Johannes, dans son artwork évidemment, dans le son également. Un black lourd et suffoquant, qui parvient à se ménager des trous d'air "salvateurs" à grand renfort d'incursions électro ou sympho, d'envolées riffiques ou d'extraits vocaux plutôt dépressifs... Assurément noir et anxiogène, ce nouveau Decline of the I réussi pourtant à faire émerger de la beauté de cette spirale de négativité.

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Ce Metanoia est peut être l'un des plus beaux albums de black atmo qu'il m'ait été donné d'écouter cette année (avec le Drudkh et le Sunken). Les mélodies, portées par des guitares planant littéralement dans les airs (au point qu'on pense parfois écouter un album de post-rock), et constamment empruntes d'une mélancolie palpable, auraient pu se suffire à elles-mêmes. Mais quand le chant déchirant vient s'y mêler, difficile de résister à l'assaut émotionnel qui s'impose à nous. Pour autant, Autumn Nostalgie use systématiquement des mêmes armes, et une légère rengaine (sans qu'elle ne devienne lassitude) a tendance à s'installer au fil des morceaux. Les quelques montées en puissance proposées sur Metanoia (le morceau titre) et Silent Gravestone apportent un peu de fougue en fin d'album, mais nous sortent en contrepartie de l'état contemplatif dans lequel on nous avait plongé). Un équilibre compliqué à trouver, mais avec lequel le groupe pourrait réellement atteindre des sommets (et nous avec lui).

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L'aventure commence par une longue marche en forêt, comme pour s'isoler, seul avec la nature. Le combat qui s'ensuit n'en est que plus intense, ponctué de saillies épiques et de traversées mélancoliques. Je le vois personnellement (même si les paroles me feraient sûrement mentir) comme une bataille avec soi-même, une introspection douloureuse mais nécessaire, un chemin de croix dont l'auditeur ressort apaisé, bercé par les guitares et claviers célestes d'un épilogue (The Thirst) tout en finesse. On retrouve dans cet album tout le savoir faire de Drudkh en matière de mélodie et de mélancolie, au pouvoir toujours aussi immersif et exécuté avec un naturel qui force le respect. Un album à marquer d'une croix dans la longue discographie des ukrainiens, même s'il n'apporte foncièrement rien de nouveau.

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Coroner fait partie de ces pionniers du metal auxquels je n'ai jamais pris le temps de me coller. Ce nouvel album, véritable arlésienne attendu année après année par les fans depuis leur reformation en 2010, est donc une bonne occasion de découvrir le Thrash Technique des suisses. Et à l'écoute on comprend d’amblé les critiques 100% élogieuses à propos de cette sortie : c'est du solide ! Mené par une section rythmique sèche et chirurgicale (on croirait par instant entendre du Meshuggah !), l'album est surtout une redoutable machine à riffs : rouleaux compresseurs ultra efficaces, arpèges atmosphériques, solos virtuoses... une palette harmonique ultra travaillée, toujours au service d'une esthétique brute, froide, presque indus. Le chant sans concession de Ron Royce, sobre et tranchant, n'en est que le prolongement naturel imposant définitivement le caractère implacable et inévitable de leur œuvre. Car s'il m'a fallu du temps pour réellement rentrer dedans, rebuté de prime abord par le manque d'aspérités auxquelles me raccrocher, force est de constater que Coroner atteint avec ce Dissonance Theory une forme de perfection... dont le côté clinique m'empêche encore d'être touché au cœur.

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Déjà 2 albums après le magnifique Ofte jeg drømmer mig død qui les a fait percer, et encore une franche réussite pour le(s) danois d'Afsky. Un black metal toujours emprunt de mélancolie, entre douceur des mélodies, chant à fleur de peau et cette légère réverbe qui beigne l'ensemble dans une sorte de nostalgie latente... une certaine expression de la beauté dans un écrin de tristesse.