Les meilleurs films de 2022 selon Arthur Debussy

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Après un Phantom Thread froid comme la mort, Anderson nous livre cette merveille pleine de vie. Un film très attachant, à l'image de son duo d'acteurs principaux. On rit beaucoup devant ce long métrage à la fois léger et profond, insouciant comme peut l'être l'adolescence ou comme l'était la Californie dans les années 70.

On peut presque établir une filiation avec Lubitsch par ces personnages qui ont tous leurs petits défauts ou leurs petites manies, mais qui en cela paraissent vraiment humains. On sent une immense tendresse d'Anderson pour chacun de ses personnages, des principaux aux figurants.

Gros coup de cœur pour ce film, ça faisait longtemps que je rêvais d'être de nouveau emballé par un long métrage d'Anderson, et là je le suis complètement. Un vrai plaisir que ce Licorice Pizza, qui sort l'hiver mais qui est printanier et solaire, plein de promesses tenues.

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Superbe film, poétique, sensible, drôle, touchant... Une petite merveille portée par d'excellents acteurs, dont le génial Song Kang-Ho, qui méritait son prix à Cannes.

Un film multiple : en cela il a un côté très coréen, mais c'est aussi le propre des longs métrages de Kore-Eda. C'est aussi bien un drame social qu'une comédie décalée, mais jamais dans l'excès, toujours dans la nuance, avec un côté doux-amer très japonais.

On y rit de bon cœur, on verse des larmes, et surtout on s'attache à ces personnages cabossés et imparfaits, tellement humains. Humaniste, le mot est lâché. Un qualificatif qui caractérise le cinéma de Kore-Eda. Du beau, et même du très beau cinéma, comme on aimerait en voir plus souvent.

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Une belle réussite : un film ambitieux, à la réalisation somptueuse, porté par des acteurs habités. Une histoire d'amour vénéneuse brillamment mise en images, avec des plans surprenants sur le moment, et qui restent longtemps en mémoire une fois le long métrage fini... Clairement un des meilleurs films de Park Chan-wook, vétéran du cinéma coréen qui n'a pas perdu la main, bien au contraire.

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Le retour de James Gray après un Ad Astra qui n'a pas eu hélas le succès escompté, beau film un peu bancal, mais qui aurait mérité davantage de reconnaissance. On sent que le cinéaste a été ébranlé par cet échec, lui qui disait ne pas déborder de confiance en lui à la base...

Armageddon Time est donc un film fragile, tout comme son jeune personnage principal. Le jeune Paul Graff est l'alter ego de James Gray, dans un film foncièrement autobiographique. Le film initiatique est un genre très prisé, notamment aux États-Unis, parfois vu et revu. Et pourtant, James Gray apporte sa pierre à l'édifice, avec sa grande sensibilité.

Paul Graff est un pré-adolescent turbulent, incompris, qui vit dans une famille aimante mais rude, avec un père violent. Il aime particulièrement son grand-père paternel, avec qui il est très complice (joué par un Anthony Hopkins magistral). Son meilleur ami est un jeune garçon afro-américain, Johnny, dont les conditions de vie sont difficiles. Le film va montrer comment les trajectoires de ces deux amis vont évoluer en parallèle, alors que le racisme est omniprésent aux États-Unis, à différents degrés. L'art joue un rôle très important pour le jeune Paul/James : il veut devenir artiste plus tard. Doué pour le dessin, c'est un métier qui le fait rêver.

On assiste ainsi à un pan important de la jeunesse et de la construction de soi de James Gray. Il y a plusieurs scènes édifiantes, avec son ami Johnny, ou avec son grand-père, dont certaines sont particulièrement fortes et émouvantes. Sans forcer l'émotion, James Gray m'a emporté à plusieurs moments.

Ce qui est dommage, c'est que le film se finit de façon assez abrupte, alors que le parcours du jeune héros n'en est qu'à ses débuts. J'aurais bien signé pour une bonne heure de plus. Le scénario a beau être un peu erratique, le film a un rythme assez soutenu et plaisant, apaisé. Le film respire une certaine solennité (ou plutôt une gravité) doublée d'une certaine mélancolie, renforcées par des choix musicaux très judicieux, qu'il s'agisse de musique classique, de rock ou de rap.

La mise en scène, par contre, n'est pas extraordinaire, on a connu James Gray plus inspiré. Elle est très simple et on ressent moins la patte pourtant singulière du cinéaste new-yorkais. Mais Armageddon Time est un beau film, vraiment touchant. Au passage, il doit aussi beaucoup à son jeune acteur principal, Michael Banks Repeta, très expressif.

Ce long métrage est donc un retour timide de James Gray à la ré

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Un magnifique long métrage sur Nan Goldin, sa vie, son œuvre de photographe, et son combat contre la famille Sackler et les opiacés. C'est un film multiple, qui traite plusieurs époques : l'enfance de Nan dans les années 1950-60, faite de drames familiaux ; la maturité, les expériences sexuelles et l'art de la photographie dans les années 1960-1980 ; la période SIDA et Act Up dans les années 80-90 ; et plus récemment, son engagement contre les opiacés dans les années 2010-2020.

Le documentaire est un peu disparate, mais il montre que tous ces aspects de la vie de Nan font sens et sont reliés entre eux, notamment à travers la trajectoire de sa sœur qu'elle aimait tant, brisée par leurs parents et par une société américaine rétrograde et toxique, qui n'a pas tellement changé que ça plus d'un demi siècle plus tard...

On comprend que Nan Goldin soit révoltée, et c'est tout à son honneur d'avoir transformé cette colère en engagement artistique, politique, social et citoyen. Vraiment, il faut voir ce film, passionnant de bout en bout et terriblement actuel en cette ère trumpiste.

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Un long métrage ambitieux, à la fois chronique familiale amère et radiographie sociale d'un pays qui ploie sous le poids d'un régime théocratique corrompu, d'une économie exsangue et de traditions patriarcales mortifères...

Leila (formidable Taraneh Alidoosti) peine à se faire entendre au milieu d'une famille et d'une fratrie complètement dysfonctionnelles. Saeed Roustaee en fait la voix des femmes en Iran, des femmes courageuses et intelligentes dont on brise la vie et les aspirations, au bénéfice de l'homme-roi...

Saeed Roustaee est un brillant scénariste et directeur d'acteurs, tout en usant d'une mise en scène efficace. Beaucoup de qualités pour un jeune cinéaste, dans un pays où la censure est omniprésente. Cela ne l'empêche pas de livrer un pamphlet contre son pays : on ne peut que saluer son audace.

Quelques bémols toutefois : une tendance à s'enfermer dans des dialogues à n'en plus finir, qui ralentissent le rythme (et l'intérêt) du film, en nous perdant un peu... Mais indéniablement, voilà un grand film qui aurait mérité une ou plusieurs récompenses à Cannes.

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Il y a un vrai plaisir à voir André Bonzel, co-réalisateur du cultissime C'est arrivé près de chez vous, sortir enfin un second long métrage, après des années de projets abandonnés.

Malheureusement, son film est arrivé en salles en avril 2022, alors qu'on sortait difficilement de l'épidémie de Covid... Résultat, ce film n'a pas eu une exposition et un succès à la hauteur de son potentiel.

Car Et j'aime à la fureur est un magnifique film. Un de ceux qui font bouger les frontières entre documentaire et fiction, avec un talent rare.

Mais surtout, il s'agit d'une œuvre éminemment personnelle et universelle à la fois, un équilibre fragile pourtant atteint par André Bonzel. Le réalisateur belge raconte sa vie et celle de sa famille, en mixant des archives filmiques personnelles et des films de famille réalisés par des inconnus, des débuts du cinéma à aujourd'hui.

Il en résulte un film foisonnant et bouleversant, qui montre toutes les potentialités du cinématographe, même dans les mains de supposés amateurs. Et André Bonzel se livre dans le même temps à des confessions intimes sur lui et sa famille, qui font écho à ce que l'on peut vivre, avec une sincérité désarmante, qui confère à son long métrage une grande profondeur, régulièrement complétée par beaucoup d'humour et de légèreté.

Le tout est magnifié par la sublime musique de Benjamin Biolay, composée et enregistrée spécialement pour ce film.

Et j'aime à la fureur est un film unique, passionnant et émouvant. Un vrai cadeau que nous a fait André Bonzel, dont on attend avec impatience les prochains longs métrages !

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Je n'étais pas spécialement fan de Gad, mais je commence à l'être... Un beau film, simple, drôle, touchant. L'itinéraire de Gad questionne, aussi bien son entourage, que nous autres, spectateurs. Rares sont les artistes à oser parler de religion, et à le faire avec justesse. Or Gad arrive à faire les deux, et rien que pour ça, je respecte sa démarche. Je suis curieux de voir la suite de son chemin spirituel... comme beaucoup désormais, j'imagine :-).

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Magnifique film, simple, sobre et très touchant. Alice Winocour réussit l'exploit de raconter l'inracontable et de montrer l'immontrable : les attentats du 13 novembre 2015. Elle le fait avec justesse et pudeur, en mettant en avant des personnages pour lesquels on éprouve beaucoup d'empathie, tant ils sont bien écrits. Ce film comporte toutefois certaines maladresses : une réalisation qui manque de force, un rythme parfois distendu, une musique pas toujours bien employée... Voilà pourquoi je ne lui attribue qu'un 6, mais j'ai longuement hésité avec un 7 tellement, sans être un grand film, c'est un bon et beau film.

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Ça fait toujours mauvais genre d'annoncer aimer des films comme celui-ci, d'où certains avis timorés et un peu ridicules que j'ai lu ici et là...

J'ai trouvé pour ma part que c'est un vrai bon film, avec un bon scénario, de très bons acteurs, convaincants (dont MB14, bluffant à tous points de vue : il a appris le chant lyrique pour ce film, excusez du peu, et il chante bien le bougre !)... Esthétiquement c'est du bon boulot aussi : la photographie est belle et la réalisation très réussie. Il y a de belles images, une narration fluide et un excellent sens du rythme.

Bien sûr Claude Zidi Jr ne cherche pas à réaliser du Kubrick ou du Tarkovski, mais il a au moins le mérite de livrer un film impeccable... et très chargé en émotion !

Les personnages étant bien écrits, on s'attache rapidement à eux, et la fin est vraiment prenante. Bien sûr, c'est plutôt un feel good movie, peut-être un peu trop bienveillant envers ses personnages et les spectateurs. Mais bordel ça fait du bien !

Car par dessus tout, le ton et l'ensemble du film m'ont paru toujours justes, sans excès. Cette histoire de transfuge de classe, c'est à la fois presque une histoire de conte... et en même temps la réalité de beaucoup de personnes issues de ces fameuses banlieues ou "quartiers" (ou d'autres territoires défavorisés), et qui ont eu une belle trajectoire à force de talent et de travail.

Bref, je regrette que ce film n'ait pas fait beaucoup d'entrées apparemment, car il me semble réussi, intéressant et vraiment touchant.

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Les films sur la danse sont rares, et encore plus ceux qui sont réussis. Or « En corps » constitue pour moi une belle réussite : celle d'un long métrage grand public, qui ne trahit pas pour autant son sujet.

Bien sûr, il y a des maladresses, un jeu des acteurs parfois inégal, des raccourcis scénaristiques... Mais le film se tient et déroule son fil avec un certain brio. Opposer danse classique et contemporaine est un peu facile, mais ce qui en est dit me semble juste.

Surtout, c'est un bel hommage à la danse sous toutes ses formes. Et puis on peut saluer la naissance d'une actrice talentueuse en la personne de Marion Barbeau... qui est également une excellente danseuse ! Bref, sans être un grand film, « En corps » est un bon film tout à fait honorable et bienvenu.

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Un film brillant, profondément original, dont la bande-annonce ne rend pas justice. Tout sauf une énième comédie franchouillarde et balourde, ce long métrage m'a marqué par sa sensibilité et le sens visuel du regretté Jean-Marc Peyrefitte, qui nous offre là plusieurs séquences visuellement géniales. Ce film ne paie pas de mine, mais je ne peux que vous inciter à lui laisser une chance.

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Un beau film, porté par un Bernard Campan impeccable et un Alexandre Jollien particulièrement attachant. C'est un long métrage touchant, qui aborde le handicap avec le ton juste, avec pudeur et sans commisération malvenue. Si Alexandre Jollien joue les éléments perturbateurs avec humour et autodérision, il nous pousse aussi à réfléchir à beaucoup de choses, à nous-mêmes d'abord, mais aussi aux autres, nos proches et les inconnus qu'on croise, à la vie, à l'amour, à la maladie, à la mort...

Le long métrage avait le potentiel d'aller encore plus loin et laisse un peu sur sa faim, mais le résultat est là : on passe un excellent moment en compagnie de ces deux amis... dans la vraie vie ! Un moment à part, avec des éclats de rire, quelques larmes et de vraies questions, qu'on garde dans un coin de sa tête une fois que le film est fini. En cela, c'est une belle réussite, je salue donc le talentueux duo qui en est à l'origine.

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Difficile de rester de marbre face à ce film poignant... On se souvient tous (ou presque) où on était lorsque Notre-Dame a brûlé. Tout le monde était sidéré, comment un tel drame était-il possible ? Jean-Jacques Annaud rend un bel hommage aux pompiers qui ont risqué leur vie pour sauver Notre-Dame. Dommage que le ton soit parfois trop emphatique et maladroit, et le jeu des acteurs inégal. Mais ces quelques défauts sont largement contrebalancées par la qualité de la réalisation et du scénario, prenants et haletants. Annaud réalise un beau et bon film, sur un sujet délicat et encore très présent dans les mémoires.

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Bon, ça lorgne clairement du côté de Quentin Tarantino ou Guy Ritchie sans atteindre ces références... Quoique pour ce qui est des derniers longs métrages de ces messieurs, c'est plutôt du même acabit. Mais pas sûr qu'on se souvienne dans quelques années de ce long métrage comme d'un film culte...

Pour autant, le réalisateur et les acteurs font le job, et on passe un moment divertissant. Tout est too much, kitch au possible, régressif, assez puéril... Et en même temps il y a un sens de la narration, des bonnes idées de mise en scène et visuelles (ce Japon ultra moderne fantasmé ou ces combats à la Jackie Chan), et la plupart des acteurs sont bien castés. Vers la fin, deux apparitions m'ont pour le moins laissé dubitatif, notamment une pour un rôle clé, loin d'être aussi impressionnant qu'attendu...

Mais bon, je m'attendais à ce genre de film, et j'ai tenté le coup en sachant qu'il y avait des chances que ce soit une purge. Eh bien non, c'est plutôt pas mal. Rien de renversant, mais de quoi passer un bon moment, ce qui est déjà ça.

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Je mentirais si je disais que je n'ai pas passé un bon moment en regardant ce film, très divertissant. L'enquête et l'énigme qui est au centre sont suffisamment bien ficelées pour capter l'attention du spectateur, avec ce qu'il faut de rebondissements placés judicieusement aux bons moments.

Mais tel le jeu de Cluedo, influence clairement affichée, tout cela est très (trop) schématique. Chaque personnage est ultra stéréotypé, et le tout est très convenu, respectant les codes des histoires à la "whodunit". Bien sûr, on sait à quoi s'attendre quand on regarde un film de ce genre. Néanmoins, dommage qu'il ne soit qu'une sympathique sucrerie, aussitôt regardé aussitôt oublié...

Dommage aussi que Rian Johnson force encore plus le mauvais goût par rapport au premier épisode, déjà quelque peu indigeste. Certes, la charge contre les gourous de la Silicon Valley à la Elon Musk est appréciable. Mais l'avalanche de mauvais goût dans ce long métrage m'a rendu son visionnage pas toujours des plus agréables... Avec un goût pour l'excès pas très heureux, ne serait-ce que dans le jeu des acteurs, un peu trop souvent outré pour moi, Daniel Craig en tête...

Au total, Glass Onion est un bon film pour mettre son cerveau sur off et se divertir, mais à ce rythme, je ne suis pas sûr que la série de films dérivés d'A Couteaux Tirés reste longtemps digne d'intérêt...