Les meilleurs titres créés pour un jeu vidéo selon Ginko-Leon

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Nier n'est pas un de mes jeux favoris mais la première découverte de ce thème est encore ancrée dans ma mémoire (il faut dire qu'il intervient à un moment charnière de l'aventure).

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C'est le thème de l'Oiseau et du Lac, si vous vous posez la question. La musique la plus épique du jeu vidéo, donc.

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Un titre extrêmement bien nommé car c'est exactement ce qu'il représente pour moi.

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Très original, n'est ce pas!

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J'ai beaucoup hésité sur le thème à mentionner pour les Zelda et je pense finalement faire dans la simplicité, avec cette toute première musique introduisant Ocarina Of Time (et la série pour moi), même s'il ne s'agit pas forcément du morceau le plus remixé depuis plus de vingt ans, à présent.

Au passage: https://www.senscritique.com/liste/les_meilleurs_albums_remix_de_zelda/3690373

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Je ne suis pas un grand fan des Metal Gear mais cette chanson me plonge dans une sacrée nostalgie.

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J'ai hésité à inclure des compositions de Persona 4 (dont j’apprécie également beaucoup l'OST) mais rien n'incarne autant l'atmosphère étrangement chill et mélancolique des Persona que ce thème. Et surtout l'excellente idée d'avoir une variante plus posée et calme lors des jours de pluie.

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On ne va quand même pas mettre que des jeux Japonais dans le cadre de cette liste! Et inutile de dire que quand il s'agit de songer à des jeux occidentaux dotés de compositions puissantes et mémorables, les productions de SuperGiant Games me viennent instantanément en tête. Le trop méconnu Pyre est mon jeu préféré du studio et j'aurais volontiers cité à ce titre sa flamboyante OST, telle que In The Flame ou l'incroyable Bound Together et ses multiples variantes selon les précédentes décisions du joueur.

Néanmoins, s'il me fallait être honnête, c'est bien l'incroyable OST de Hades qui me revient instantanément en mémoire en réfléchissant à cette liste et particulièrement le mélodieux thème de Good Riddance fredonné par Eurydice durant l'exploration du Tartare. A noter que le génial compositeur Darren Korb incarne également le rôle d'Orphée dans le jeu, formant ainsi un duo musical intradiégétique avec sa comparse Ashley Barrett, et qu'il est également ni plus ni moins la voix de Zagreus, le personnage jouable d'Hadès. Un talent aux multiples facettes, décidément!

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Si les compositions instrumentales de Red Dead Redemption ne sont pas forcément à la hauteur des partitions mémorables d'Ennio Morricone pour le genre cinématographique du Western, sa suite se démarque néanmoins par l'usage de chansons incroyables, composées spécialement par des musiciens de grand talent pour le jeu et employées à bon escient durant l'aventure car elles dépeignent souvent des moments charnières du récit, en accompagnant les traversées des héros infortunés à travers un monde plus vraiment sauvage.

A ce titre, la chanson Unshaken de D'Angelo est quasiment devenu le thème non officiel du jeu dans les mémoires des joueurs tant il a imprégné les esprits de sa voix envoutante mais également de ses paroles désespérées et quasiment prophétiques face à l'effondrement à venir pour notre bande de hors la loi. Si la chanson principale accompagne la chevauchée d'Arthur Morgan lors d'un retour au foyer à la connotation douce amère, il sera surtout réemployé brièvement, et avec une variation notable selon les actions du joueur, lors du dénouement du récit offrant une conclusion poignante, par ses quelques touches musicales, au récit mouvementé d'Arthur.

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Même si je n'ai guère d'affection pour la suite de Death Stranding, qui bafoue purement et simplement son prédécesseur à tous les niveaux y compris ses enjeux narratifs, je ne vais pas renier pour autant mes souvenirs vivaces à l'égard du premier volet. En l’occurrence, c'est bien simple : il n'y a aucune chanson qui me met autant instantanément les larmes aux yeux que cette mélodie finale, accompagnant la dernière exploration de Sam en solitaire (?). Impossible de la dissocier de l'émotion toujours vivace suscitée par la conclusion du premier Death Stranding et ce même malgré les Kojimascarades du second opus.

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Il y a eu énormément de jeux Star Wars au fil des décennies et dont la plupart des créations se sont retrouvées confronter au même dilemme : réutiliser les thèmes cultes des films, malgré la saturation de les entendre dans chaque produit dérivé de la licence, ou tenter l'impossible en incorporant des créations musicales originales, quitte à souffrir durement de la comparaison avec les mélodies mémorables de John Williams. De nombreux titres Star Wars sont pourtant parvenus à relever le défi avec brio : citons par exemple le thème épique des Force Unleashed, les mélodies apaisantes des Star Wars Kotor ou les compositions empreintes d'aventure de Fallen Order.

Mais aucun thème n'est aussi marquant dans la galaxie des jeux Star Wars que la mélodie principale de Republic Commando : un thème guerrier qui impose sa marque grandiloquente dès l'écran titre du jeu, en immergeant instantanément le joueur dans une vision radicale et plus violente de l'univers Star Wars. Une tonalité très marquée pour un jeu où la direction artistique se permet même pas mal de libertés avec l'esthétique plus colorée, d'ordinaire, de la Prélogie tandis que les romans dérivés du jeu marqueront les esprits pour leur regard sans concessions sur cette époque troublée de la saga, avec un regard désabusé et méfiant sur les Chevaliers Jedi, érigés en héros dérisoires en comparaison des véritables soldats qui périssent sur le champ de bataille.

Fait notable dans le cadre de ce jeu : la chanson utilise le langage fictif des Mandaloriens puisque cette culture guerrière est intrinsèquement liée à celle des Clones dans la vision de Karen Traviss.

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Je ne suis pas un immense fan des SoulsBorne mais il faut avouer que leur utilisation de la musique reste intéressante dans le cadre du jeu vidéo : des aventures résolument silencieuses où des compositions majestueuses viennent contraster avec le calme de l'exploration, en indiquant ainsi la présence d'un ennemi redoutable à abattre. Ces thèmes ne sont pas tant des morceaux de combats de boss que des odes à des personnages déchus, livrant généralement leur affrontement ultime entre les mains du joueur. La progression de la musique est à ce sens caractéristique du genre car elle accompagne l'évolution du combat, gagnant en intensité dramatique à mesure que la barre de vie diminue, que le joueur s'approche de la victoire...Et que le "monstre" entame une dernière résistance désespérée, le plus souvent sous une forme flamboyante avant de rendre enfin l'âme.

Le combat ultime de Bloodborne est sans doute la quintessence de cette formule avec son décor mémorable et une musique qui l'est encore davantage. A vrai dire, j'en ai même des frissons en la réécoutant tandis que j'écris ses lignes alors que je ne suis pourtant pas un admirateur du jeu de base. Mais il s'agit là d'une de ses indéniables fulgurances et il convenait donc de rendre hommage à cette prouesse musicale, malgré tout.

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Un thème éminemment dramatique et que j'ai surtout associé à la réorchestration au violon du second opus. Il est néanmoins intéressant de constater que le morceau originel est davantage inquiétant à l'écoute, incarnant en quelque sorte la vengeance inflexible de ce héros nihiliste tandis que le second volet marque davantage l'empreinte de sa dépression et de sa détresse émotionnelle.

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Jesper Kyd est un compositeur brillant et dont le talent sur les Hitman originaux n'est plus à démontrer.

J'avais néanmoins envie de citer davantage son travail sur une licence autrefois illustre du jeu vidéo, même si elle s'est aujourd'hui embourbée dans le consumérisme qui aura sonné le glas de son éditeur, y compris sur sa partie musicale, d'ailleurs. Si les compositions du premier Assassin's Creed étaient solides sans être mémorables, c'est peu dire que le compositeur a dû être davantage inspiré par le contexte de Renaissance Italienne du second volet, offrant non seulement un thème culte à Ezio (qui deviendra l'emblème musical des Assassin's Creed, faute de compositeurs davantage inspirés pour prendre le relais) et surtout de morceaux magistraux durant l'exploration de Venise où les voix d'opéra rythment les grimpettes sur les toits de la ville. Ce morceau est utilisé en l’occurrence lors des épreuves de course endiablée d'un bout à l'autre de Venise et marque à la perfection l'adrénaline de ces séquences et l'ambiance d'aventure dépaysante qui caractérise encore aujourd'hui ce second volet.

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Pourquoi intégrer ici un simple thème de menu, en quelque sorte, puisque Uncharted Worlds accompagne l'interface de la navigation galactique où le joueur sélectionne simplement sa destination sur les icônes de la Voie Lactée? Hé bien car il convient de rappeler que les musiques de jeux vidéos consistent également à accompagner les actions du joueur avec des mélodies simples mais qui ne doivent pas en devenir lassantes pour autant, malgré leur répétition énorme durant la partie. A ce titre, ce morceau à peine d'1m14 incarne à la perfection cette réussite, en suscitant immédiatement l'imagination du joueur sur les destinations inconnues encore à découvrir et en incarnant à lui seul l'atmosphère spécifique de ce premier Mass Effect où un porte parole de l'humanité se lançait dans l'exploration d'un univers qui n'avait pas encore révélé tous ses secrets. Simple et pourtant brillant, en définitive.