A la rencontre des compositeurs contemporains

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HANS ABRAHAMSEN : SCHNEE

2008

Hans Abrahamsen est un compositeur à la notoriété établie tardivement, en France, mais aujourd'hui incontournable ; il a acquis le succès public par un mélange d'accessibilité (compositions simples, mais pas simplistes, plutôt naïves en apparence), d'inventivité (surprenante, pupitres en apesanteur, effets d'ascenseurs rythmiques), de transparence (limpidité) et de progressisme tempéré (jeu de dissonances modéré), mais souvent atonale ; sa musique est énigmatique, transparente, délibérément économe et sans éclats, sans sur-dramatisme, sans exubérance, souvent mélodique ; il a suivi, peut-être naïvement, un temps l'esthétique de la «Nouvelle Simplicité» (plutôt un manifeste anti-complexité), initiée par Wolfgang Rihm et Manfred Trojahn, puis après un mutisme compositionnel de plusieurs années (quasi 10 ans, 1990-1998), il s'est rapproché de György Ligeti (notamment pour les arythmies complexes), même si au total il compose peu et lentement ; il y a une part indéniable de néo-romantisme mélodique (et chorégraphique) dans ses pièces les plus populaires, mais sans facilité, ni convenu et la nature non-descriptive (hiver, nuit, neige, forêt, comme dans l'imaginaire Germanique) joue un rôle important dans son inspiration ; il aime écrire des arrangements savants (transcription, orchestration) de pièces de compositeurs passés comme Debussy, Satie, ou Bach...
https://musiquecontemporaine.info/ - Jean-Henri Huber

Une grande œuvre contemporaine inspirée par Bach. "Schnee", c'est une collection de canons joués par neuf instrumentistes, une musique lisible, variée et évocatrice qui multiplie les textures évoquant le froid et l'enneigement.
RTS

Dans Schnee, deux phrases s’échangent, de sorte que la première devient la dernière, et vice versa – une illusion analogue à celle des mondes du graveur néerlandais Mauritius C. Escher, multipliant les architectures simultanément ascendantes et descendantes, selon les repères que l’on y fixe. Chez Hans Abrahamsen, ce n’est plus l’espace mais le temps qui suscite l’illusion, qui avance en ralentissant et recule en accélérant. Le temps, alors, atteint une autre dimension, dans cette troublante « représentation de la neige et d’une blanche polyphonie ».
#festivaldautomne

https://www.youtube.com/watch?v=kmyx8WEmnvU

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KAIJA SAARIAHO : D'OM LE VRAI SENS

2010

L'écriture de Kaija Saariaho est marquée par la sculpture du son, par le timbre (évanescent, avec des glissandi fréquents) et la couleur; jusqu'aux années 90, son style est hétérogène et exploratoire (bande, puis électroacoustique live, multimédia), ensuite plus sensuel et expressif, plus stable et abouti, tout en continuant à miser sur les transformations progressives et les contrastes, avec des effets de miroir, des symétries, et souvent une ambiance contemplative.
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Le concerto pour clarinette "D'om le vrai sens" a été inspiré par la série de tapisseries de La Dame à la licorne, chaque mouvement du concerto correspond à une tapisserie et en reprend le titre. Le titre de l'œuvre est une anagramme du titre de la dernière tapisserie, À mon seul désir.

Le concerto est découpé en 6 mouvements :
I : l'ouïe - II : la vue - III : l'odorat - IV : le toucher - V : le goût
VI : à mon seul désir

"Dans le premier mouvement, "l'Ouïe" la respiration calme de l'orchestre est interrompue par un appel de la clarinette. "La Vue" offre un paysage plus mobile dans lequel l'orchestre entre en second plan, derrière le solo instrumental, afin de développer les motifs musicaux que cela fournit. "L'Odorat" est une musique colorée. J'associe l'harmonie au parfum ; intuitivement c'est reconnaissable immédiatement et la sensation est trop rapide pour être pensée. La clarinette languissante diffuse sa couleur sur l'orchestre, où elle plane, se transforme, passant d'un instrument à un autre. Dans "Le Toucher" le soliste tire du sommeil, à tour de rôle, chaque section instrumentale sans pouls, de l’état rêveur du précédent mouvement. Ceci est le mouvement le plus animé du concerto et le plus virtuose dans le sens traditionnel. La clarinette et l'orchestre s'engagent dans une relation dialogique. Le cinquième mouvement "Le Goût" est dominé par des surfaces rugueuses, tremolos et trilles, que la clarinette sert à l'orchestre, autour d’elle.
En composant le dernier mouvement j'ai éprouvé la sensation d'entrer dans une dimension nouvelle, intime et éternelle." (K.S.)

https://www.youtube.com/watch?v=hU_G-EGWRsw
(Orchestre Philharmonique de Radio France dirigé par Esa-Pekka Salonen; Kari Kriikku, clarinette)

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MARK-ANTHONY TURNAGE : HAMMERED OUT

2010

Ses œuvres réunissent les idiomes classiques et ceux du jazz, le modernisme et la tradition, tant dans l’écriture musicale que dans les sujets traités. Ses rythmes énergiques, son orchestration colorée et ses harmonies empreintes de jazz renouvellent l’auditoire des concerts.

Turnage a le don de franchir les frontières : voici un exemple de sa capacité à incorporer des éléments harmoniques issus du jazz-funk et du R'n'B (en l'occurence le morceau de Beyoncé "Single Ladies") à un orchestre.

https://www.youtube.com/watch?v=LbXZ-XCnb5w
(BBC Symphony Orchestra dirigé par David Robertson)

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GEORGE BENJAMIN : THREE MINIATURES FOR SOLO VIOLIN

2001

George Benjamin est un compositeur typiquement Britannique par son inspiration et la couleur de ses timbres ; ses œuvres sont marquées par l'équilibre, l'architecture et une harmonie décisive (comme un orfèvre du son) ; musicien subtil, son langage n'est pas révolutionnaire, mais il synthétise avec modernité à la fois le son British et le Messiaenique.
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Ces trois courtes pièces, explorent chacune une facette différente d’une même technique compositionnelle. A Lullaby for Lalit est une mélodie simple et détendue, accompagnée de cordes à vide qui se muent au fil du discours en un ruban d’harmonies. A Canon for Sally est un mouvement rapide et extrêmement énergique, dont les harmonies en triade et les rythmes accentués se font de plus en plus obsessionnels. Lauer Lied s’ouvre sur une introduction d’accords pincés, laquelle nous mène à une chanson douce jouée à l’archet, mais accompagnée de pizzicati de la main gauche.

https://www.youtube.com/watch?v=cgyUWnGjtG4
(Neta Rudich, violon)

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WOLFGANG RIHM : ASTRALIS

2001

Wolfgang Rihm est un compositeur majeur, inventif, souvent accessible : son modernisme est de plus en plus tempéré, mais sans recherche de la séduction facile. Son langage ressort plus de l'expressionnisme modernisé, plutôt contrasté et tonal (tendant alors vers le post-modernisme), que d'une véritable recherche de voies nouvelles. A partir des années 90, ses œuvres connaissent plusieurs versions (pas le «work in progress» Boulézien, mais des ajouts de sur-écriture, de complexification limitée, vers encore plus d'expression, voire de folie poétique).
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Wolfgang Rihm s’est fortement inspiré du roman de Novalis dont il a retenu l’onirisme et le mysticisme pour sa composition Astralis.
Il indique que le chœur doit chanter aussi lentement et aussi doucement que possible. C’est exactement le contraire de ce que nous trouvons dans le monde qui nous entoure. Rihm force à la décélération, et c’est là l’incroyable défi et tout l’attrait de sa musique. Il faut d’abord apaiser sa respiration et son esprit, les musiciens doivent quitter les chemins habituels, “normaux”, trouver l’attitude mentale adéquate et devenir une partie du tout pour garantir la réussite. Si l’on va ensuite au bout des limites du tempo et du volume sonore, si l’on s’applique à donner forme à l’œuvre avec la plus grande intensité et parfois aussi de manière intuitive, c’est-à-dire si l’on va jusqu’aux limites même de la musique, cette pièce s’ouvre comme une fleur qui éclot. De façon pour ainsi dire naturelle, c’est un organisme musical qui est éveillé à la vie – paradoxalement par le fait même qu’on en vient presque à le détruire.

https://www.youtube.com/watch?v=meDkqegJIqk
(RIAS Kammerchor dirigé par Hans-Christoph Rademann, Rie Miyama, percussions & Dirk Wietheger, violoncelle)

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TAN DUN : WATER PASSION

2000

Le compositeur et chef d'orchestre chinois Tan Dun est sans conteste l'un des compositeurs actuels les plus stimulants. Son œuvre allie de façon on ne peut plus naturelle le mysticisme oriental et l'avant-garde occidentale, l'ancestral et la nouveauté la plus récente.

C'est également le cas de sa Water Passion. Tan Dun a composé cette pièce à l'occasion de la célébration du 250ème anniversaire de la mort de son grand maître J.S. Bach. Cette œuvre dense pour chœur, orchestre et solistes offre une place toute particulière au son de l'eau – symbole interculturel d'espoir et de renaissance, et thème récurrent tout au long de cette composition. Dans son récit de la passion, Tan Dun n'envisage donc pas la naissance, la vie et la mort selon un tracé linéaire, mais propose un récit cyclique sur le pouvoir de la vie en constant renouvellement. Le chant classique côtoie le chant diphonique mongol, les instruments populaires chinois se combinent aux instruments à cordes classiques et l'électronique se marie au son du clapotis de l'eau.

https://www.youtube.com/watch?v=jzR8mjxX7i8
(La Jolla Music Society dirigé par Tan Dun, Stephen Bryant, Cho-Liang Lin, Felix Fan, David Cossin, Dustin Donahue, Bonnie Whiting (percussions), Ying Huang)

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THOMAS ADES : ASYLA

1997

Thomas Adès revendique une approche de la composition et des ressources des nouvelles technologies profondément inscrite dans la tradition, sans verser dans l'hédonisme post-moderne. Éminemment savante, expressive et sophistiquée, sa musique fait référence au passé aussi bien dans sa construction formelle que par le biais de citations littérales ou d'interpolations de matériaux multiples.

Sa musique est savante, sur-expressive, plutôt éclatée, mariant souvent des pupitres par blocs alternés, avec des procédés d'écriture actuels (avec batterie Rock et instruments «préparés», mais pas d'électronique) qui permettent un enrichissement de la palette instrumentale et sonore, elle emprunte au jazz, aux rythmes Pop, à Stravinsky et à ses compatriotes (de Dowland à Tippett), voire à Brahms, Weill ou Rachmaninov, elle associe des contraires comme la fantaisie et la nostalgie, la rêverie et la violence, l'éclat et le mystère ; son langage, après des débuts plutôt ambitieux et originaux, évolue vers le post-modernisme (néo-romantique), mais sans sacrifier sa singularité.
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"Asyla" est une œuvre entraînante, lumineuse et jouissive, en 4 mouvements : elle commence d'abord mystérieusement avec des gongs-cloches étouffés, puis des appels des bois et des cors, et une animation progressive (des riffs obsédants de trompette), puis s'ajoute les cordes selon un schéma erratiquement croissant, mais globalement plus statique, ensuite, le 3ème mouvement intitulé "Ecstasio", expose le fameux répétitif crescendo ensorcelant, faisant appel à un rythme techno (ainsi qu'un collage lointain de "Frère Jacques"), pour se terminer par un apaisement sombre avant une courte magnificence solennelle. Une œuvre plutôt tonale, colorée, une référence d'orchestration moderne, d'une réelle originalité, dans une mouvance post-Stravinskienne.

https://www.youtube.com/watch?v=p9YGQ86vIps (vidéo)
(Frankfurt Radio Symphony Orchestra dirigé par Markus Stenz, 2014)
Le concert commence après une présentation en allemand de 8 minutes par le chef d'orchestre.

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GYORGY KURTAG : STELE

1994

György Kurtag est un compositeur à part, ni vraiment sériel, ni progressiste. Son langage est original, ses phrases sont courtes (fragmentation, concision, densité) et fortement intriquées (en héritier de Bartok) et sa musique, immédiatement reconnaissable, est très expressive (retenue, éclatée, ciselée, dramatique). Sa musique refuse l'éclat, le développement, et préfère les ténèbres, la lenteur (mais pas l'immobilisme), les tessitures graves.
https://musiquecontemporaine.info/ - Jean-Henri Huber

"Stèle" est une œuvre extraordinaire par son côté descriptif et son orchestration très expressive : un poème funèbre qui commence par de lents et fluctuants glissandi, évoquant des pleurs, suivi de plaintes, lamentations, et enfin semble se diluer dans l'au-delà. Une musique unique qui littéralement enveloppe de douleur profonde, de frissons, avec une palette de tons étonnante à la fois lourds et colorés.

https://www.youtube.com/watch?v=GXDyfW-l0Go
(Berliner Philharmoniker)

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JOHN TAVENER : SONG FOR ATHENE

1993

Très prolifique, son œuvre, très influencée par la religion, est associée au courant de la musique minimaliste dite « mystique ».

"Athene" Hariades était une jeune fille de 16 ans, qui décéda lors d'un accident de la route en 1993. A la demande de la BBC, Sir Tavener, qui connaissait la jeune fille, composa ce titre en son hommage. C'est l'une de ses oeuvres les plus connues. Elle fut interprétée par le choeur de l'Abbaye de Westminster, sous la direction de Martin Neary, lors de la cérémonie des funérailles de Diana Spencer, princesse de Galles, le 6 septembre 1997, au départ du cortège de Westminster.

https://www.youtube.com/watch?v=p7q1VRiwZF0
(Kosovo Philharmonic Choir dirigé par Rafet Rudi)

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JAMES McMILLAN : VENI, VENI, EMMANUEL

1992

Les sources d'inspiration de James McMillan sont la spiritualité et la politique. Sa foi catholique lui a inspiré plusieurs œuvres, la musique traditionnelle écossaise l'a aussi influencé.

La pièce "Veni, Veni, Emmanuel" est en un seul mouvement, et prend sa source dans le chant de l’Avent du même nom. L’œuvre comporte cinq sections principales : à l’introduction succède une section «pulsée» (qui représente, selon le compositeur, «la présence humaine du Christ»), suivie d’une danse «hoquetée»; des passages de transition introduisent et concluent la partie centrale, après quoi la danse reprend. La composition atteint son point culminant avec le déploiement du plain-chant sous forme de chœur; l’œuvre se conclut ensuite faisant la part belle au motif pulsé et aux cloches tubulaires.

https://www.youtube.com/watch?v=2FRQqc9_oSY (vidéo)
(Scottish Chamber Orchestra dirigé par Jukka-Pekka Sarasteet, Evelyn Glennie, percussions, 1992)

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CARL VINE : SONATE POUR PIANO N°1

1990

Vine se fait connaître en Australie en tant que compositeur de musique pour le ballet. Son catalogue comprend des symphonies, des concertos pour divers instruments (piano, violon, flûte...), de la musique de film, de télévision et pour le théâtre, la musique électronique et nombre de pièces de musique de chambre. Bien que principalement compositeur de musique classique et moderne, il a entrepris des tâches aussi diverses que l'organisation de l'Australian National Anthem et écrire de la musique pour la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'Atlanta en 1996.

Ses sonates pour piano utilisent tout le clavier et donnent un large panel d'expressions dynamiques, énergiques ainsi que des passages rapides, fluides et libres comprenant des lignes mélodiques reconnaissables. La sonate n°1 est une de ses oeuvres les plus acclamées. Complexe, elle utilise des harmonies et tonalités changeantes avec une dynamique et énergie extrême reflétant l'origine dansante de la pièce.

https://www.youtube.com/watch?v=iw7nMKXcb08
(Kim Daeyoung, piano)

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PETER SCULTHORPE : KAKADU

1988

Cette oeuvre tire son nom du Parc National de Kakadu. Cette énorme étendue sauvage comporte à côté des marées de la côte, des plaines ainsi que des hauts plateaux robustes et l'on peut y trouver la culture vivante de ses habitants aborigènes datant de 15.000 années.

Elle reflète les impressions du compositeur par rapport au paysage, les changements de saison et le cycle de la vie et de la mort. En trois parties, la partie centrale, plus introspective et dominée par un cor anglais est entourée de deux parties énergiques et dansantes. Le material sonore étant suggérée par les rythmes et mélodies des chants aborigènes.

https://www.youtube.com/watch?v=uhXoYfFX6ZA (video)
(SCM Symphony Orchestre dirigé par Eduardo Diazmuñoz,
William Barton, didgeridoo, 2014)

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SIR HARRISON BIRTWISTLE : EARTH DANCES

1986

Internationalement reconnu, innovateur sans pour autant avoir révolutionné le langage musical (ses influences principales sont Igor Stravinsky, Iannis Xenakis, Edgard Varèse et Olivier Messiaen); il a innové par les rythmes adjacents qui entourent la pulsation (des notes ajoutées au hasard ou pour créer un pattern numérique faussement hétéroclite), suite probablement à son intérêt-manie pour les nombres et les modules ; sa musique, ancrée dans son temps (avec dissonances!), est souvent caractérisée comme très rythmique, brutale et abrupte (erratique, imprévisible, intuitive, tout en étant calculée, jamais gratuite), par bloc de sons (coupants), mais elle laisse aussi la place aux méditations.
https://musiquecontemporaine.info/ - Jean-Henri Huber

S'ouvrant sur une série d'accords (caverneux) en clusters, la pièce "Earth Dances" se développe par groupes, selon les registres plutôt que les couleurs, progresse avec des cahots ; une musique primitive, aux rythmes pulsés non réguliers (la comparaison avec le "Sacre du Printemps" de Stravinsky a été proposée, mais sans ses côtés tribal et rituel) ; une musique énergique, qui puise son momentum dans le mouvement de plaques (comme la tectonique de la croûte terrestre) en 6 strates, de façon croissante jusqu'à un climax pré-final vertigineux qui finit par se dissoudre en s'irisant.
(musique contemporaine info)

https://www.youtube.com/watch?v=AVnpktJtOms
(Ensemble Modern Orchestra dirigé par Pierre Boulez)

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JUDITH WEIR : AIRS FROM ANOTHER PLANET

1986

Compositrice britannique, elle est devenue Maître de musique de la reine depuis 2014. Sa musique s'inspire souvent des sources de l'histoire médiévale, ainsi que des histoires traditionnelles et de la musique écossaise. Même si elle acquiert une reconnaissance internationale pour ses œuvres orchestrales et de chambre, Judith Weir est surtout connue pour ses opéras et ses œuvres théâtrales.

''Airs from Another Planet'' fonctionne sur un curieux concept que c'est la musique faite par un groupe isolé sur une île écossaise préparant la colonisation de Mars. Les 4 mouvements mélangent l'inspiration de la musique traditionnelle écossaise à d'autres singularités d'un autre monde. La particularité de la musique de Judith Weir est sa fraîcheur. S'il fallait identifier une influence, ce serait probablement le catalogue d'oiseaux d'Olivier Messiaen, sans omettre l'originalité de Judith Weir.

https://www.youtube.com/watch?v=N0BCm-_2PBI
(Ensemble Perpetuo)

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PETER MAXWELL DAVIES : AN ORKNEY WEDDING, WITH SUNRISE

1985

Sir Peter Maxwell Davies appartient à ce tout petit groupe de compositeurs universellement reconnus comme les personnalités les plus importantes de notre époque. Il est l'auteur de plus de soixante-dix oeuvres qui traitent, avec une égale qualité, d'une infinie variété de thèmes.Depuis le début des années soixante-dix Maxwell Davies vit et travaille dans les Orcades, au nord de l'Ecosse, dont le paysage et la culture sont une source d'inspiration pour des oeuvres majeures

La pièce "An Orkney Wedding, with Sunrise" décrit une noce écossaise où l'on boit un peu trop, les contre-temps du violon-solo soulignant bien l'atmosphère. Deux minutes avant la fin, un joueur de cornemuse, en kilt, s'avance lentement devant l'orchestre. Il représente ce que le compositeur appelle «l'aube qui dégrise».

https://www.youtube.com/watch?v=kCeh6amXyYE
(Scottish Chamber Orchestra dirigé par Ben Gernon)

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HANS WERNER HENZE : SYMPHONIE N°7

1984

Hans Werner Henze est typique de la génération de compositeurs qui a suivi les modes et styles de la Musique Contemporaine, tout en manifestant une inspiration et une exigence personnelle continue, depuis le sérialisme radical et l'aléatoire jusqu'au néo-romantisme des dernières symphonies ; il a abordé tous les registres de la Musique, mais reste plus connu pour ses opéras et ses 10 Symphonies où se révèlent ses talents d'orchestrateur et son inventivité rythmique et chromatique ; il a également composé des musiques de films (B.O.F.) qui ont marqué comme «Les Désarrois de l'Élève Törless», «L'Honneur perdu de Katharina Blum» et «Un Amour de Swann» de Volker Schlöndorff, ou «Muriel» et «L'Amour à Mort» d'Alain Resnais ; son style n'est pas vraiment caractérisé, mais la maîtrise compositionnelle apparaît immédiatement, ainsi que l'exigence qualitative et l'inspiration mélodique, mêlant modernisme, néo-romantisme Germanique et néo-classicisme, Jazz, Rock-Pop ; sa musique est marquée par une poésie contrastée, des harmonies plutôt froides et une expression sans épanchement sentimental.
https://musiquecontemporaine.info/ - Jean-Henri Huber

Sa septième symphonie est classique, au sens du langage, de la construction, de la forme («sonate»), avec une approche libre de la tonalité et de tradition Allemande ; le 1er mouvement commence par une danse suivie d'un enchaînement de catastrophes, le 2ème est une ode funéraire en hommage à Bartok (du Lac des Pleurs de Barbe-Bleue), le 3ème, rapide et sombre, rejoint Mahler, le 4ème est une mise en scène orchestrale d'un poème d'Hölderlin ; remarquablement équilibrée et inventive, la pièce vaut par son final hallucinant qui n'en finit pas jusqu'à l'orgiaque.

https://www.youtube.com/watch?v=5m1X7tMgF4Q
(Berliner Philharmoniker dirigé par Gianluigi Gelmetti)

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POUL RUDERS : CONCERTO POUR VIOLON N°1

1981

Compositeur autodidacte, il a écrit des pièces pour chœurs, ensemble de chambre et instruments solistes, interprétées dans son pays et ailleurs plus souvent que tout autre compositeur danois vivant. Pourtant ce sont ses œuvres orchestrales qui ont le plus contribué à sa célébrité.

«Orchestration éblouissante», «couleurs musicales», «profondeur émotive» «synchronisation psychologique» et «drame sans faille» englobent une grande partie de l’univers musical de Poul Ruders. Il s’exprime en tant que compositeur et être humain — la musique de Ruders exprime l’union de l’art et la vie.

Compositeur de concertos particulièrement prolifique - selon lui, pour la simple raison que différents solistes lui en ont fait la demande -, son Concerto pour violon No 1, avec harpe, clavecin et cordes, est une pièce pleine de fraîcheur rappelant Vivaldi et Schubert.

https://www.youtube.com/watch?v=Zc-BvPJyp5Q
(Århus Symphony Orchestra dirigé par Thomas Søndergård & Erik Heide, violon)

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TORU TAKEMITSU : RAIN TREE

1981

Toru Takemitsu représente une synthèse originale entre l'Asie et l'Occident et ses rares œuvres sont toutes très abouties par leurs beautés sonores et le dépaysement qu'elles procurent et atypiques par leur fort contenu descriptif-paysagiste (ses «eaux», que ce soit la pluie ou le ruisseau ou autres, sont uniques) ; du Japon, il tient sa conception étirée, voire alanguie du temps musical et un goût prononcé pour les instruments traditionnels Nippons (biwa, shakuhachi, gagaku) ; influencé par Debussy et Messiaen, il a aussi tendance à un certain hédonisme sonore et à des alliages de timbres raffinés, souvent métalliques ou de couleur sombre. Son langage est très accessible, essentiellement en raison des rares dissonances, d'une recherche constante de la beauté formelle, et par une mise en place explicite de climats, de couleurs subtilement changeantes et la superposition de touches impressionnistes, de nuances dynamiques, de timbres d'instruments. Par ailleurs, il a composé plus de 90 musiques de film pour des réalisateurs Japonais tels qu'Akira Kurosawa (Ran, Dodeskaden), Nagisa Oshima (L'Empire de la Passion), Masahiro Shinoda, Hiroshi Teshigahara (La Femme de Sable) et Shohei Imamura.
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La piece "Rain Tree" fait partie d'un cycle (Waterscape) consacré à l'eau.

https://www.youtube.com/watch?v=lTWH2HaJO54
(Peabody Percussion Trio)

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PIERRE BOULEZ : REPONS

1981

Pierre Boulez est un des 10 compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine ; son langage musical est unique, cohérent et fondé sur la recherche de phrases qui s'entremêlent, se répondent, à l'identique ou le plus souvent retravaillées (retournement, déplacement, dérive), avec plusieurs points de vues (dialogues, spirales, miroirs, transferts) et de sonorités uniques (juxtaposées, décalées) par des combinaisons inouïes et un langage toujours renouvelé. Il a innové dans tous les champs de la musique (avec une dose de provocation envers la «tradition»), puis s'est assagi en composant des œuvres plus accessibles et toujours innovantes ; son style ne contient pas d'emphase sentimentale, mais plutôt un environnement poétique pour de la musique pure et subtile.
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"Répons" est certainement l'œuvre de Boulez qui combine une grande originalité et une bonne accessibilité, tout en utilisant pour la première fois à l'orchestre les techniques d'informatique live ; la pièce est spatialisée, avec au centre un petit ensemble instrumental et à la périphérie un rectangle avec 6 solistes (percussions, cordes pincées ou frappées) qui ceinturent le public. De multiples dialogues s'instituent entre les 2 pôles et entre solistes, par l'intermédiaire de l'ordinateur et 6 haut-parleurs qui transforment le son des seuls solistes ; après une introduction où se déploient des solos d'instruments à vent et à cordes, suivent 8 sections développant chacune une idée musicale (un accord pour la 1ère, une cadence précipitée pour la 3ème, une formule pianistique répétitive pour la 4ème, un rythme obsessionnel pour la 8ème), sachant qu'un motif musical relativement stable projeté par un instrument s'oppose à une riche ornementation (variation, écho, spectre, ...) de l'ensemble orchestral qui virevolte et scintille ; enfin, la coda épuise toute l'énergie précédente pour se dissoudre dans le silence ; il est impossible de décrire en détail cette pièce complexe, mais il faut absolument l'écouter en concert à des places variées (l'audition change en fonction des solistes proches) et se laisser porter par sa sensualité déroutante, libre et calculée, par la magie sonore générale, par le tourbillon créé par l'entrée en scène de l'informatique, et par l'épisode central qui est une musique de pluie parmi les plus belles composées à ce jour.

https://www.youtube.com/watch?v=OQE5TYnD58k
(Ensemble intercontemporain dirigé

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JONATHAN HARVEY : MORTUOS PLANGO, VIVOS VOCO

1980

Jonathan Harvey est un compositeur important dont le style synthétise en les intégrant progressivement les esthétiques de son époque; dodécaphonisme, puis post-sérialisme, post-spectralisme, et enfin électroacoustique. L'influence des écrits religieux et mystiques, de la spiritualisation de la pensée, féconde aussi son inspiration : les textes Bouddhistes, la Bible, Rudolf Steiner. Sa musique est très personnelle, avec une transparence de la texture sonore et une grande flexibilité formelle, avec des polyphonies lisses, claires, souvent linéaires et doucement incandescentes, dans lesquelles l'Orient, la spiritualité, le vocal et l'électroacoustique tiennent une place privilégiée, et avec un sens du rythme unique.

Pièce électroacoustique de sons concrets traités par ordinateur avec hybridation entre 2 matériaux, les cloches et la voix d'enfant. Nourri des chœurs polyphoniques des cathédrales Anglaises, l'assemblage "Mortuos plango, vivos voco" est un mélange des voix séraphiques de choristes Anglais et les sons de la grande cloche noire de la cathédrale de Westminster. La pièce commence par un choral de la cloche avec la voix en sourdine, puis le signal est déformé, avec dispositif d'écho renforcé et s'amorce un onirisme d'une grande beauté éthérée ... une des rares musiques entièrement électroniques qui a peu vieilli au cours du temps.

https://www.youtube.com/watch?v=TxEGPIEraFA
(Jonathan Harvey & Philip Mead)

https://www.youtube.com/watch?v=5r_K7roZCWo
(analyse par Pierre Boulez)

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ARVO PART : FRATRES

1980

Compositeur de musique très accessible; il utilise le mot «tintinnabulation» (du latin tintinnabulum : clochette) pour décrire son style musical, minutieux et restreint, pauvre en modulations. Sa démarche est imprégnée de sensibilité spirituelle intense, son langage s'apparente souvent à la musique répétitive, marqué par le contemplatif, la clarté, la lenteur, les voix désincarnées, avec fort dramatisme et violents contrastes, puis davantage de silences dans ces oeuvres plus récentes. Sa musique est classée souvent dans la catégorie minimalistes mystiques, avec Henryk Górecki et John Tavener.
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"Fratres" est l'œuvre phare de Pärt, car il en existe pas moins de 17 versions. Initialement, pour cordes et percussions ou pour octuor de vents et percussions, ensuite pour ensemble variable avec cordes et vents, voire pour 2 instrumentistes ou un quatuor ou encore pour percussions seules. Les violoncelles et les contrebasses (ou les instruments à tessiture grave dans d'autres versions) énoncent un procédé fréquent dans la musique médiévale (plain-chant); accompagnant ce symbole d'éternité, la percussion répète plusieurs fois, avec une intensité croissante, un motif couvrant 2 mesures, tandis que les violons, divisés en 3 et largement espacés, énoncent des rythmes très irréguliers ; le thème se modifie presque insensiblement par transposition jusqu'à un sommet dynamique vers la mi-temps, pour retourner ensuite vers le silence. La version pour violoncelle et piano a été utilisée dans la bande origine du film-culte de Paul Thomas Anderson, «There will be blood».

https://www.youtube.com/watch?v=T1Hd2USKTmc
(Vadim Repin, violon & Itamar Golan, piano)
https://www.youtube.com/watch?v=DL4wHdal0yc
(Young Musicians Foundation Debut Orchestra & Caitlin Kelley, violon)

Annotation :

KEVIN VOLANS : MBIRA

1980

Associé au début de sa carrière au mouvement post-minimaliste, Kevin Volans se tourne progressivement vers la musique africaine dont il incorpore les techniques dans le style qui le rendra célèbre dans les années 1980.

Certaines de ses œuvres telles que "Mbira", "Matepe" et la première version de "White Man Sleeps" utilisent des instruments de musique ancienne notamment le clavecin (accordé selon les tonalités africaines) et la viole de gambe.

https://www.youtube.com/watch?v=oeN-wJ1_YI4
(Deborah James & Kevin Volans, clavecins, Robin Schulkowsky, hochets)

Annotation :

IANNIS XENAKIS : PLEIADES

1979

Iannis Xenakis est un des 10 compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine qui est porté par son vif penchant pour l'originalité du langage et des alliages d'instruments, par l'architecture structurée, par la notion d'espaces. Il est l'inventeur des clusters modernes pour orchestre, des blocs tranchants et clairs de cellules musicales en masse, auxquels il ajoute une dimension aléatoire. Les mathématiques constituent pour lui un modèle et un levier compositionnel a priori, avec une traduction musicale a posteriori, et un résultat paradoxalement riche en émotions envoûtantes et teinté de romantisme. Sa musique est sans pareille, polymorphe, énergique, marquée par les paysages rudes, la mer, la tragédie Grecque, et aussi d'une belle inventivité.
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"Pléiades", un monument polyrythmique, long et imposant, pour 6 percussionnistes; le titre "Pléïades" issu de la mythologie Grecque signifie multiplicité, pluralités, et fait allusion à la constellation des Pléiades à cause de la disposition arbitraire des musiciens. Il s'agit davantage d'une étude de variations sur les rythmes avec nombreux ostinatos, avec des petites accélérations continues, ou des transformations rapides, voire même des ruptures brutales de ses transformations ; a contrario, il s'agit moins d'une exploration des timbres, malgré une grande variété de palette sonore obtenue avec peu de familles d'instruments (un instrument conceptualisé pour la pièce, de couleur métallique, le sixxen, qui suggère le gamelan de Bali); la pièce donne une impression de grande tenue, de maîtrise, tout en étant libre, multiple, aléatoire : elle est divisée en 4 parties, sans ordre imposé, dont les titres font référence aux matériaux de fabrication des instruments et aux sons produits, (1) "Mélanges", avec tous les instruments, comme une synthèse a priori, (2) "Métaux", avec le sixxen, scintillant, motorique, (3) "Claviers", avec les instruments aux plaques sonores accordées, fluide, (4) "Peaux", avec la grosse caisse, les bongos, tumba, toms-toms, timbales, quasi orgiaque.

https://www.youtube.com/watch?v=aLJo1KgXuuY (Mélanges)
https://www.youtube.com/watch?v=91uYVXQ3DU0 (Peaux)
https://www.youtube.com/watch?v=GuWmpEI4_oI (Métaux)
https://www.youtube.com/watch?v=nJCSjhUjm3g (Claviers)
(So Percussion et le duo Meehan/Perkins)

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HENRYK GORECKI : SYMPHONIE DES CHANTS PLAINTIFS

1976

Henryk Górecki est un compositeur qui a viré de l'avant-garde nationale Polonaise au néo-tonal (accaparant une grande variété de styles passés), et à la musique harmoniquement très simple (pointant vers les minimalistes Américains, comme Arvo Pärt), avec toujours une forte dimension émotionnelle et souvent un contenu religieux…
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Górecki se démarque de la tradition classique ou baroque en ne découpant pas sa symphonie en trois mouvements de tempos contrastés de type vif-lent-vif ou même lent-vif-lent, mais en trois mouvements lents.

Le premier mouvement, commence par un vaste prélude orchestral préparant à une complainte qui s'inspire d'une lamentation des Chants de Lysagora du monastère de la Sainte Croix, écrits au XVe siècle. Le thème est celui de l'amour d'une mère pour son fils, en l'occurrence de Marie pour son fils.

Le deuxième mouvement est une prière à la Vierge Marie inscrite par une prisonnière sur le mur de sa cellule dans le siège central de la Gestapo à Zakopane, situé dans le sud de la Pologne.

Le troisième mouvement, dans lequel la soprano déclame le texte d'un chant populaire écrit dans le dialecte de la région d'Opole, a pour thème le deuil d'une mère pour son fils.

« La Symphonie des Chants Plaintifs » procure une ambiance monotone, triste, pesante, mais apaisante.

En dépit du tragique de la situation évoquée, cette œuvre respire la paix et le calme plutôt que la peur et la douleur. La musique s'achève sur des accords ininterrompus et très longs, ce qui montre l'éternité ...

https://www.youtube.com/watch?v=v_pn_cVqGJQ
(Narodowa Orkiestra Symfoniczna Polskiego Radia w Katowicach dirigé par Antoni Wit - Zofia Kilanowicz, soprano)

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ANNE BOYD : AS I CROSSED A BRIDGE OF DREAMS

1975

Bien des œuvres de Anne Boyd sont influencées par la musique de l'Asie de l'Est, en particulier celle du Japon (par l'utilisation de certains modes japonais) et de l’Indonésie (les modes balinais). Anne Boyd est une chrétienne fervente, et nombre de ses pièces sont de nature méditative ou spirituelle.

Le chant choral de "As I crossed a bridge of dreams" est fait de mélodies sans mots venues de nulle part et de partout à la fois, les sons sont émis bouche fermée ou faits de paroles chuchotées.

https://www.youtube.com/watch?v=wbNA-lXs0WU
(The Crossing Choir)

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FREDERIC RZEWSKI : THE PEOPLE UNITED WILL NEVER BE DEFEATED !

1975

L'œuvre de Rzewski est marquée depuis le début par un engagement politique inconditionnel. Marxiste et antimilitariste déclaré, le compositeur prend la défense de tous ceux qui subissent aliénation et injustice. Son engagement se traduit par l'incorporation dans son écriture musicale de formes et de thèmes populaires qu'il revisite à sa manière. Pendant les années 1970, il oriente ses expérimentations vers des formes dans lesquelles style et langage sont traités comme des éléments structuraux. Son engagement se traduit par l'incorporation dans son écriture musicale de formes et de thèmes populaires qu'il revisite à sa manière.

La composition "The people united ..." est constituée, sur le modèle des Variations Diabelli de Beethoven, de 36 variations sur une chanson chilienne écrite par le groupe Quilapayún et composée par le musicien Sergio Ortega : El pueblo unido jamàs serà vencido. ( Le peuple uni ne sera jamais vaincu ). https://www.youtube.com/watch?v=-Hm62K9tL7M ... Au fil du temps, cette chanson est devenue un symbole d'unité et de solidarité populaire pour les citoyens opprimés de tous les pays luttant pour la liberté et l'égalité, dépassant son rapport direct avec le Chili. Elle fusionne l’énergie protestataire, la culture pianistique du XIXe siècle et un travail rythmique qui provient du jazz.

https://www.youtube.com/watch?v=Unw1yMImEvY
(Michael Noble, piano)

Annotation :

LUIGI NONO : RICORDA COSA TI HANNO FATTO IN AUSCHWITZ

1966

Luigi Nono est d'abord un compositeur du chant engagé, de la voix dans toute sa plénitude. La personnalité que l'Histoire retiendra est à la fois remplie de doutes, fragile, secrète, et capable d'une intransigeance dogmatique, d'une violence sauvage (y compris dans sa musique, à côté de passages doux, tellement pianissimi qu'ils sont à peine audibles). Au total, sa musique est exigeante, d'une grande pureté (parfois incandescente, mais plus souvent céleste), et d'une profonde expressivité poétique. Aujourd'hui ses partitions, même majeures, sont rarement jouées en France et il est bien difficile de savoir si c'est un oubli momentané avec l'inévitable détachement-banalisation du post-sérialisme ou si la dimension globale de son œuvre n'est pas encore complètement appréhendée pour en faire un des compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine.
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La musique de "Ricorda ..." est strictement électroacoustique et fait entendre des voix et instruments préenregistrés, retravaillés, assortis d'effets (par exemple l'effet Doppler - impression que l'on a lorsqu'une voiture arrive à l'horizon, passe près de nous et s'en va au loin). Il n'y a pas de texte, il s'agit de vocalises qui peuvent aussi s'apparenter à des hurlements fantômatiques (comme les esprits des personnes gazées). Il n'y a pas de pulsation repérable. Des bruitages métalliques assortis à des sifflements suraigus évoquent l'univers concentrationnaire et les chambres à gaz.
C'est aussi une oeuvre narrative qui est engagée dans le devoir de mémoire. Son objectif est de bouleverser émotionnellement l'auditeur, de lui faire ressentir l'inhumanité des agissements nazis. Elle est en elle-même une engagement à ne jamais oublier et surtout à empêcher que cela puisse se reproduire.

https://www.youtube.com/watch?v=-z-IUbwaMC0

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GYORGY LIGETI : REQUIEM

1965

György Ligeti est un des 10 compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine, mais il se positionne complètement à part dans la création musicale : à l'écart des écoles ou des tendances, touche à tout, indépendant et profondément original. Sa musique est marquée par un fondu sonore planant (micro-polyphonie ou polyphonie saturée, en trames sonores), par le contrepoint (avec éparpillement des pupitres), et par une recherche sur le son qui a paru absolument révolutionnaire à ses auditeurs des années 60. A la fin de sa vie, s'amorce un tournant de style par un retour partiel à la tonalité et à la mélodie.
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Son Requiem est une œuvre sacrée majeure, popularisée par le film «2001, l'Odyssée de l'Espace» de Stanley Kubrick, qui allie le langage moderne et la polyphonie ancienne. Dans l'lntroitus, une surface sonore pour ainsi dire immobile est transformée progressivement. Le filet polyphonique jusqu'ici statique se trouve animé d'un léger mouvement dans le Kyrie. Le modèle formel traditionnel est ici une sorte de double fugue à cinq voix. Le cœur de la composition : un Dies Irae d'une grande agitation dramatique et même théâtrale s'articule en de nombreuses sections caractérisées par les contrastes exaltants du très doux et du très fort, des registres aigus et graves, de l'expression agressive et douce. Les vers du Lacrimosa appartenant habituellement au Dies Irae ont été séparés, dans l'adaptation musicale de Ligeti, en un mouvement à part entière. L'expression de la composition retourne au caractère du contenu : le chœur disparu, seuls les deux solistes et un orchestre réduit ont survécu à la fin du monde.

https://www.youtube.com/watch?v=wIZG1IcpR-4
(Orchestre, Choeur et Maîtrise de Radio-France dirigé par Esa-Pekka Salonen, Barbara Hannigan, soprano et Virpi Raisanen, mezzo-soprano)

Annotation :

KARLHEINZ STOCKHAUSEN : MIKROPHONIE 1

1964

Karlheinz Stockhausen est un des 10 compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine : depuis 1953 et pendant au moins 25 ans, il ne cessera d'innover et de surprendre. Durant ses 30 dernières années, il se concentre sur 4 longs cycles cosmiques qui aboutissent à des œuvres monumentales, voire démesurées, dans un style de plus en plus fusionnel et intuitif (d'influence Yoga, mystique, cosmogonique et planant, mais moins radical). Même si une certaine cohérence s'impose dans la globalité de sa création, il reste le compositeur capable d'écrire des pièces extrêmement différentes, chaque pièce créant son propre style, son identité, sa représentation.
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Dans ses expérimentations avant 1964, Stockhausen s'est servi d'objets de matières diverses (gomme, papier, métal...) afin d'obtenir des sons en grattant, en frottant ou en frappant la surface d'un grand gong chinois tout en bougeant un microphone autour de cette activité sonore (d'où le titre de la pièce). Tout ceci était enregistré par un technicien qui actionnait simultanément filtres et potentiomètres. Il en résulta un catalogue de timbres inouïs, étranges, bien éloignés du son habituel du tam-tam. Stockhausen a rationalisé ses trouvailles sonores en composant la partition de Mikrophonie I. L'oeuvre nécessite six exécutants : deux fois deux autour du tam-tam, et deux pour la partie technique. Dans la partition, les mouvements à exécuter sont indiqués très précisément, avec leurs rythmes, afin de restituer les sons découverts en situation expérimentale. Les deux joueurs de tam-tam placés de part et d'autre du disque métallique se voient notifier le timbre à produire sous la forme d'une description du résultat sonore : trompetant, grattant, frottant, vrombissant. Le deuxième couple d'instrumentistes tient les micros à proximité des manipulations du premier couple. Le compositeur a spécifié l'endroit où il faut mouvoir les micros et leur vitesse de déplacement, près, loin et le long du tam-tam. Le troisième couple effectue les opérations de filtrage et manie les potentiomètres, suivant les instructions de la partition.

https://www.youtube.com/watch?v=EhXU7wQCU0Y
(GRM, Aloys Kontarsky, Alfred Alings, Harald Boje, Johannes G. Fritsch et Karlheinz Stockhausen dirigés par Francois Béranger)

Annotation :

LUCIANO BERIO : FOLK SONGS

1964

Luciano Berio est un des 10 compositeurs majeurs de la Musique Contemporaine ; son langage musical est à la fois unique et ancré dans son temps, avec une prédisposition particulière pour la voix humaine (il fut marié à la soprano Américaine Cathy Berberian jusqu'en 1965) et un réel intérêt pour le Rock et le Folk, pour le collage, pour l'électro-acoustique. Sa musique semble couler de source, tant elle sonne naturelle et élégante, mais l'écriture et l'interprétation en révèlent la grande complexité, la solidité de facture, et elle est marquée par le sentiment émotionnel et la fascination pour l'écriture savante. A noter que sa musique est plutôt difficile d'accès, sauf quelques pièces atypiques et distinctes, souvent des transcriptions et des arrangements ou des reconstructions, pas essentielles, voire anecdotiques, mais belles et utiles pour découvrir son univers ("Folk Songs", "Rendering" d'après Schubert, "Orfeo II" d'après Monteverdi, "Beatles Songs")
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"Folk Songs" est un cycle de mélodies contenant des arrangements de musique populaire de plusieurs pays ainsi que d'autres chansons, formant « un tribut à l'extraordinaire sens artistique » de la chanteuse américaine Cathy Berberian.

https://www.youtube.com/watch?v=wngtBWmWB0k
(Ensemble 21 et Laure Delcampe)