Un homme avalé par un cachalot, une bouteille d’oxygène qui se vide, des entrailles où chaque mouvement menace de devenir le dernier. Sur le papier, Englouti possède ce genre de prémisse dont on devine immédiatement le potentiel commercial et les chausse-trappes. Brian Duffield, qui avait déjà enfermé Kaitlyn Dever dans un cauchemar domestique muet ou presque avec Traquée, s’empare ici d’un dispositif extravagant, à mi-chemin entre le survival aquatique et l’horreur corporelle. L’idée est suffisamment folle pour susciter une curiosité immédiate. Encore faut-il réussir à faire tenir un film entier dans l’estomac d’un cétacé. Duffield y parvient souvent, avec une inventivité visuelle certaine, avant de se laisser rattraper par une histoire de famille qui finit par lui rester en travers de la gorge.

Jay Gardiner plonge au large de la Californie pour retrouver les restes de son père, Mitt, un homme qui s’est donné la mort en s’enfonçant dans l’océan, lesté pour ne jamais remonter. Un an après, son fils entreprend cette descente qui ressemble autant à une quête impossible qu’à une punition qu’il s’inflige. Puis le cachalot l’avale. Une heure d’oxygène, un organisme vivant dont il faut comprendre les replis, des blessures qui compliquent chaque tentative d’évasion. Le scénario tient là une mécanique rudimentaire, presque primitive, et c’est précisément sa force. Survivre redevient une affaire de gestes, de souffle, de douleur. Chaque mouvement coûte, chaque décision peut précipiter la fin. La mort cesse d’être une idée pour devenir une échéance au compteur.

Duffield comprend que l’intérieur du cachalot doit être un espace dramatique à part entière. Les cadrages rapprochés, les déformations optiques et les textures organiques composent une géographie répugnante, parfois fascinante, où l’on cherche ses repères autant que le personnage. Le dispositif visuel a de l’audace, même lorsque l’artifice affleure. Austin Abrams, lui, fait beaucoup avec peu. Coincé derrière son équipement de plongée, privé d’une bonne partie des ressources habituelles du jeu, il doit faire passer la panique par les yeux, les crispations, la respiration. Il s’en sort avec une intensité qui donne du poids aux péripéties les plus extravagantes. On croit à son épuisement, à sa terreur, à cette volonté butée de gagner quelques secondes supplémentaires. Le film trouve alors une matérialité assez rare, celle d’un corps qui lutte contre un autre corps, immense, indifférent, entièrement étranger aux affaires humaines.

C’est justement lorsque l’humain reprend ses droits que l’ensemble se complique. Les flashbacks consacrés à Mitt dessinent le portrait d’un père violent, autoritaire, dont les leçons de plongée se mêlaient à une emprise psychologique destructrice. Josh Brolin lui prête une rudesse intimidante, une présence qui déborde largement les souvenirs de son fils. Le paradoxe est intéressant : les connaissances transmises par cet homme peuvent sauver Jay, alors que son influence affective continue de l’empoisonner. Comment se libérer d’un père dont on a appris à la fois les gestes et la peur ? Le cachalot devient le prolongement trouble de cette relation, une prison physique qui donne corps à une captivité plus ancienne.

Mais le film souligne son idée jusqu’à l’épuisement. À chaque obstacle dans le ventre de la bête répond un souvenir, à chaque souvenir une leçon, jusqu’à ce que la mécanique narrative devienne franchement visible. Le montage interrompt l’urgence au moment où elle devrait nous serrer à la gorge. Le mélodrame réclame son espace, le survival réclame le sien, et Duffield peine à les faire respirer ensemble. La relation père-fils aurait gagné à conserver ses contradictions, ses zones sales, tout ce qui résiste aux belles conclusions. À force de vouloir donner un sens à chaque épreuve, le récit finit par expliquer ses propres images. Le pathos s’installe, les dialogues prennent le relais des sensations et la tension, si efficacement construite au départ, perd de sa morsure.

Le phénomène de whalefall, qui désigne la carcasse d’une baleine devenue source de vie pour tout un écosystème abyssal après sa chute au fond de l’océan, offre pourtant au film une piste féconde : de la mort peut naître une continuité, et l’héritage paternel pourrait lui aussi être transformé plutôt que simplement rejeté. La métaphore est lourde, mais elle possède une vraie résonance. Le problème tient à la manière dont Duffield la rabâche, comme s’il craignait que le spectateur ne comprenne pas ce que le cachalot, le deuil et la culpabilité racontent déjà ensemble. Le dénouement pousse cette insistance jusqu’à une forme de grandiloquence qui désamorce une partie de l’émotion espérée.

Englouti reste donc une drôle de bête, à la fois assez gonflée pour fabriquer du suspense dans un estomac de cétacé et trop sûre de ses effets pour laisser ses images travailler seules. Brian Duffield sait nous faire sentir l’oxygène qui manque, la chair qui se referme, l’impossibilité de trouver une issue. Il se montre beaucoup moins habile lorsqu’il entreprend de résoudre les blessures de Jay à coups de symboles appuyés. Son film veut arracher un fils au ventre de la bête et à celui du père. Il réussit mieux la première opération que la seconde. La chair est convaincante, la morale beaucoup moins.

Activité sur Englouti

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