2024

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Documentaire d’une justesse assez étonnante, qui parvient à trouver l’équilibre entre le sordide absolu des histoires pouvant passer dans le cabinet d’une juge d’instruction et la jovialité de ladite juge, qui en a vu d’autres et préfère en rire. Sa verve, ses traits d’esprit et son absence de froid aux yeux ne viennent pas édulcorer le parcours des gens qu’elle reçoit, mais aide à prendre de la distance et à comprendre le quotidien (parfois éprouvant) d’une personne travaillant dans la justice. Une enquête réouverte après vingt ans (et n’ayant, à l’heure actuelle, toujours pas de réelle conclusion) vient encore éclairer une autre facette d’Anne Greuwez, plus dramatique, mais venant ajouter à son humanité. Elle sert de fil rouge au documentaire et lui donne une harmonie. D’une succession de scènes déconnectés les uns des autres, le film devient une sorte de polar entrecoupé d’instants de vie quotidienne, d’autant plus fascinant que l’on sait que rien n’y est fictif. Derrière l’ironie propre à l’émission Strip-Tease, on distingue donc la volonté d’aller plus loin, de parler du système judiciaire, des inadaptés de la société (victimes comme bourreaux) et surtout de dresser le portrait d’une femme hors du commun. Entreprise très honorable et digne, pour un résultat convaincant.

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Ce court-métrage documentaire, c’est « Triangle of Sadness » en moins cynique, moins ricaneur, avec beaucoup moins d’effets - et donc plus réussi. La réalisatrice n’adopte pas de jugement particulier sur les gens qu’elle filme, se contentant de nous donner à voir un univers particulier, celui des croisières. Les plans larges et fixes qui peuplent le film renforcent cette impression d’observation anthropologique et aident, paradoxalement, à s’immerger dans la diégèse, même si ce n’est que pour dix minutes. Et les plans (tout aussi distanciés) sur les employés qui préparent les piscines et les lieux de spectacle, ou nettoient après le passage des clients du yatch, sont étrangement signifiants…

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Une idée de scénario, de mise en scène (un plan-séquence de 10 minutes) toutes deux brillamment exploitées jusqu'au bout. Le rythme effréné créé du (faux) suspense autant qu'il fait rire. Un court-métrage fort bien exécuté, donc.

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Après « Le jour où maman est devenue un monstre », Joséphine Darcy-Hopkins confirme sa maîtrise de la narration. Ce nouveau court-métrage, qui traite également de l’enfance, ne frappe pas tant par sa mise en scène (certes maîtrisée elle aussi, mais assez classique pour un film d’épouvante) ou par son interprétation (même si les jeunes actrices y sont excellentes) que par son scénario précis, aiguisé, à l’intention limpide (ce qui n’est pas donné à tous les court-métrages). Le ton est tout de suite donné : c’est de la lutte des classes dont il sera question ici, reproduite chez des fillettes bien moins innocentes qu’on ne pourrait le croire. Les mères (car il n’est toujours question que de mères chez la réalisatrice, les pères sont absents) sont en toile de fond, insouciantes ou préoccupées, en tout cas inconscientes de ce qui peut se produire chez leur progéniture (dont elles ont pourtant, souvent sans le savoir, influencé les comportements). Comme dans son précédent court-métrage, le monde des adultes s’insinue donc implicitement (mais violemment) dans les jeux enfantins, aboutissant à une perte précoce de l’innocence. Une vision claire et précise d’une cinéaste dont l’univers est déjà bien constitué (et dont on attend le premier long-métrage avec impatience).

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A l’image de la plupart des comédies horrifiques asiatiques : barré, outrancier, jouissif.

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#Ecrasetonporc.

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Ouais bon bah, c’est du gros délire d’ados régressif. Le genre qui casse pas des briques (ou que Brice ne casse pas (ahah)), mais qui fait quand même sourire. Y’a un héros con (et j’ai un faible pour les héros cons, ils me ressemblent tellement), de l’humour un peu lourd sans que ce soit fatigant, une mise en scène travaillée, une histoire évidemment pas recherchée, mais où le message de « il faut s’ouvrir aux autres » n’est pas asséné à coups de pioche…bref, ça se regarde gentiment, si possible en faisant autre chose à côté, et en ne retenant que les moments où on a lâché le rire le plus gras. Tout ce qu’on lui demande. PS : Super pub pour Point Break. Ça donne envie de le voir.

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Film terne, scénario poussif, mise en scène sans envergure, jeu d'acteur approximatif, représentation des femmes pour le moins stéréotypée. Peu de choses à garder.

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Récit d'apprentissage classique sur le fond, "1992" doit surtout son originalité à une forme radicalement autobiographique, son réalisateur mêlant à ses images de fiction des images qu'il a réellement filmée, adolescent, au caméscope HI8. Adoptant une forme au diapason de ces images "d'archive", le film se transforme alors en un documentaire atypique (et plutôt original) sur une époque et sur son auteur. La fin, qui se veut un hommage à son père, est même assez émouvante.

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Malgré un aspect assez formaté, tant au niveau du jeu que de la mise en scène, ce court-métrage se distingue par la finesse avec laquelle est traité le thème de l’accouchement vécue par un couple lesbien. Il ne s’agit pas ici de parler d’homophobie (même si cela affleure, un peu, le temps d’une scène), mais plutôt de montrer la position hybride de celle qui, tout en étant femme, n’a pas porté l’enfant. A cet égard, beaucoup de scènes sont très justes. Tout passe par un regard, une position, un dialogue maladroit. Et puis surgissent des questions qui, au fond, ne sont pas si différentes de celles qui agitent un couple hétéro à l’arrivée du premier rejeton : est-ce qu’on sera assez fortes ? Est-ce qu’on l’aimera assez ? A quoi va-t-elle ressembler ? etc. Le film est touchant dans ces moments d’ « attente » qu’annonce le titre, et l’appréhension qui les accompagne. On voit à ce moment-là une femme (Clotilde Hesme, très juste) se faire peu à peu une place de deuxième parent, avec toutes les hésitations qui accompagnent ce nouveau statut. Au final, si on ne voit pas l’enfant naître, on voit bel et bien une famille se constituer. C’est là toute la beauté de ce film.