Mon Top 1974

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Je suis loin de tout aimer chez Wim Wenders, en particulier dans sa filmographie récente, mais là que c'est beau, p... que c'est beau !

Sorte de jumeau de son "Au fil du temps" réalisé deux ans plus tôt cet "Alice dans les villes" est lui aussi un road movie politique dans la manière qu'il a de montrer un monde et une société en mutation. Tout ici est est profondément mélancolique, désabusé, et pourtant jamais plombé. Car il y a chez Wenders la volonté de montrer de l'humanité à chaque seconde, à chaque gros plan sur un visage, à chaque travelling, comme celui d'un enfant à bicyclette sur un trottoir.

Parfois c'est ça le cinéma, des images qui ne vous quitteront plus, une boucle musicale qui fout les poils, un noir et blanc qui à lui seul bouleverse. Quand photographie et cinéma se rejoignent, à l'image de tout le travail d'un Morris Engel par exemple, ça donne cela, une magie difficilement explicable.

Et parce qu'il y a aussi du buddy movie, la magie n'opérerait pas sans un duo magique, de personnages et d'acteurs.

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Bernard Menez chez Pascal Thomas. Quel bonheur !!!

http://www.senscritique.com/liste/La_legerete_est_son_affaire/56910

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Le film à dispositif, bien que présent, se dilue dans un récit tenté par le linéaire. Mais tenté seulement car c'est du Ackerman pur jus, et la continuité de ses essais formels précédents. Ce premier long (plus ou moins) de fiction, réalisé un an avant le monument "Jeanne Dielman", est donc d'une audace folle, de par sa structure mais aussi dans sa crudité, sa frontalité face aux rapports humains, aux corps (qui rappelle Luc Moullet) et par extension à l'homosexualité. Et on oublie trop souvent de souligner à quel point la cinéaste belge était aussi une formidable actrice, qui n'hésitait jamais à se mettre en danger.

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La première moitié tient du génie pur, tout est à l'unisson, le scénario ou la maîtrise absolue de l'ellipse, les dialogues qui claquent, la mise en scène à la fois cool et vertigineuse de Lumet, le jeu (Le terme prend ici tout son sens) de Pacino impossible à décrire tant les mots seraient en-dessous de la vérité. Le cocktail que tous ces éléments forment a un nom : le rythme, le swing, ce truc insensé qu'on ne trouvait probablement que dans les plus grands films du Nouvel Hollywood.

Ce cinéma est mort et enterré, et la seconde partie du film, plus traditionnelle, s'attachant plus au genre, le polar, démontre que la magie artistique tient toujours de l'impalpable, et surtout de l'éphémère qu'il faut donc savoir cueillir quand il se présente.

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Cet OFNI a quelque chose d'un tour de force, il parvient à rendre visible-lisible, et consistant, le nihilisme, ce qui est par définition une gageure. Et ce qui pourrait être un exercice de style élitiste devient au bout de quelques minutes un "vrai" film, avec son anti-héros, sa narratrice. Sauf bien sûr que ce qui est narré n'est pas n'importe quoi puisque c'est le texte de Georges Perec, que des images illustratives pourraient venir ruiner. Et pourtant ici, on ne sait par quel miracle, la fulgurance des mots est non seulement intacte, mais même magnifiée par la voix de Ludmila Mikaël, par une mise en scène qui semble vouloir revenir aux sources de la Nouvelle Vague alors que tout à l'écran semble s'y opposer. Vraiment un objet fascinant...

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Un grand Tavernier (presque un pléonasme) qui s’ouvre comme un Sautet avant de se muer en film noir où deux monstres sacrés (et amis dans la vie) se font face : Noiret et Rochefort, majestueux. Si on ajoute à ça la magnifique partition de Philippe Sarde, ça commence à faire du monde, et du beau. En résumé c'est un régal.

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De la nonnesploitation certes mais pas que, parce que là c'est quand même du haut niveau en terme de mise en scène. C'est déjanté, fun, classieux, et quand on se dit que ce truc a 45 ans on mesure à quel point nos sociétés sont devenues frileuses...

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Les grands cinéastes ont un point commun : ils cultivent bien souvent un univers propre, retravaillent en permanence des thèmes qui leur sont chers. Et c'est particulièrement clair chez Zanussi qui dans ce deuxième film après "La Structure de cristal" parle à nouveau de physique et du sens de la vie. Avec toujours la même obsession pour une forme éclatée, pour une recherche de tous les instants, comme s'il se donnait pour mission d'utiliser tout ce que permet le cinéma, y compris au niveau du son, partie intégrante de sa narration.

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A chaque fois que je découvre un Pialat (Et je découvre aussi, avec une certaine tristesse, que j'ai fait le tour de ses longs) je suis sidéré par l'acuité de ses dialogues, par sa façon unique de décrire l'humain pour ce qu'il est et non pour ce qu'on voudrait qu'il soit. Donc cette "Gueule ouverte" ne fait pas exception, tout y est douleur, failles et faiblesses, mais surtout vérité.

(Et Philippe Léotard, que le hasard m'a fait croiser deux fois en quelques jours, c'était quand même une bête d'acteur.)

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C'est fou ça, mais quand j'ai envie de me rassurer, il suffit que je me repasse un des Sautet de cette période (Première moitié des années 70) et ça va tout de suite mieux. Il y a un côté doudou dans ces films, parce que j'aime les relations entre les personnages, ces bars enfumés et bondés, ces acteurs qui semblent aussi proches dans la vraie vie qu'à l'écran. En gros je crois que c'est ce parfum de vraie vie, de vérité qui me fait du bien. D'autant plus étrange que c'est une époque dans laquelle j'ai à peine grandi...

Note inchangée de 8

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SC ne veut pas faire apparaitre dans le live que j'ai revu ce film, et c'est dommage car j'avais envie de crier à quel point ces œuvres du Nouvel Hollywood ont pour beaucoup remarquablement vieilli. Cette "Conversation secrète" démarre comme un polar assez classique avant de dériver lentement vers le thriller paranoïaque et politique autant qu'une réflexion profonde sur la conscience. Le travail sur le son y est dingue, l'utilisation de la musique jazzy audacieuse, la mise en scène va en permanence sur des terrains où on ne l'attend pas. Le type de film qui rend un vieux con encore plus vieux con, rappelant que le cinéma américain a pu être ça et non les gros trucs aseptisés, sans la moindre imagination ni audace, qui inondent les écrans aujourd'hui.

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Après le monument "La Maman et la Putain" il y a tout juste un an c'est le reste de la filmographie de Jean Eustache qui est à nouveau enfin visible. Et de surcroît sur grand écran. Bon forcément comme souvent avec les ressorties ce sont surtout les grandes villes qui peuvent en profiter, les ploucs de province devant se contenter des miettes.

Des miettes que je suis allé consommer hier avec "Mes petites amoureuses" qui s'est avéré plutôt fidèle à mes vagues et lointains souvenirs. Film qui confirme la filiation Eustache-Pialat, le Maurice ayant lui aussi su observer l'enfance et l'entrée dans l'adolescence sans mignonnerie, avec simplement une justesse épatante. Un âge finalement sérieux, où seuls comptent pour l'alter ego du réalisateur le cinéma et les filles.

Le bel ouvrage, celui qui ne vieillit pas, est souvent le plus simple Simple en apparence...

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Qu'est-ce que c'est bien Hal Ashby ! Ici il est comme souvent irrévérencieux, furieusement politique sans en avoir l'air. Ainsi sa "Dernière Corvée" peut se vivre comme un buddy movie à la "Very Bad Trip" alors qu'on sait qu'on va forcément vers le drame, vers l'injustice dans toute sa splendeur. Avec un trio d'acteurs d'un naturel déconcertant, dont Jack Nicholson qui peut parfois agacer à force de cabotinage mais qui ici est tout simplement dément, au point de se transformer par instants en Jerry Lewis.

(Je ne serais pas étonné que la mémorable scène de beuverie ne soit pas totalement jouée...)

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Comme celui de tant d'autres réalisatrices le cinéma de Lina Wertmüller a été éhontément oublié pendant très longtemps, ignorant ainsi qu'elle faisait intégralement partie de cette incroyable vague italienne qui avait sans doute vu (et montré) avant tout le monde le capitalisme tout engloutir. En tant que femme elle savait de quoi elle parlait quand elle évoquait les dominants et les dominés, et c'est avec fureur qu'elle travaillera entre autres le sujet de la classe sociale dans ce "Chacun à son poste et rien ne va", une fureur où le terrible constat ne prend que cinq minutes, là où le rire, parfois bouffon, a été omniprésent durant les 105 premières. Femme, ouvrier, provincial même combat, celui perdu d'avance contre le monstre argent.

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Le premier film de Michael Cimino est un objet surprenant, à la fois très éloigné,dans son versant buddy movie aux dialogues hilarants, de ce qu'il fera par la suite, mais pourtant marqué de son empreinte sombre, jusque dans une fin que je ne dévoilerai pas.

La partie initiale, soit le jeu de séduction et la naissance d'une amitié, est d'une justesse incroyable, la suite, en mode action, est bien moins passionnante et déjà vue mille fois, même si elle recèle quelques scènes d'une violence saisissante et peu commune dans le cinéma US mainstream. Et puis il y a cette fin... Oups pardon, non non je n'en dirai pas plus.

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"Milan calibre 9" est à la fois un vrai poliziottesco mais pas que, tant il semble influencé par Melville et pas non plus si éloigné des "chinoiseries" mafieuses. Il y a tous les ingrédients qu'on aime dans ce genre de production : une intrigue bien ficelée, de la violence, un brin d'érotisme sans oublier un aspect politique particulièrement présent avec par exemple l'évocation de l'antagonisme Nord - Sud. Le plus étonnant étant peut-être cette romance qui mine de rien fonctionne. Alors si certains aspects ont sérieusement vieilli, en particulier dans la mise en scène qui est certes aventureuse mais parfois sur le fil du rasoir, on suit ces 97 minutes avec un immense plaisir. Ah oui j'allais oublier la BO signée Luis Bacalov qui n'est pas pour rien dans cette réussite.

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Pendant la première partie j'ai cru tenir un chef-d’œuvre, ne serait-ce qu'avec cette scène tragique rappelant terriblement "La Dernière Maison sur la gauche" de Wes Craven, l'un de mes films de chevet, sorti à peine un an auparavant.

Ça et la présence de Julie Christie, il n'en fallait pas plus pour me faire espérer des choses immenses, mais quand le film bascule du drame au fantastique je lâche un peu l'affaire, comprenant que je vais voir se dérouler une œuvre solide mais bien plus conventionnelle.

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Puisque j'en suis aux messages personnels : « Stefania Sandrelli, épousez-moi ! »

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"La Poursuite implacable" est typique des poliziotteschi de l’époque, du moins dans sa première moitié. Car ensuite le film prend un étonnant virage pour aller vers quelque chose de nettement plus politique (et même complotiste à la sauce Yves Boisset) et quasiment nihiliste. En cela la fin est terrible, désenchantée, vraiment très belle. Solima signe donc un film d’une efficacité redoutable, à l'image d'une partition 'Morriconesque' en diable, ou plutôt deux films, un peu comme si le Eastwood vengeur était soudain remplacé par le Redford fouineur. Sauf que là c’est Oliver Reed, et qu’il est formidable… dans les deux films.

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Avis à tous ceux qui en ont assez d'avoir les yeux et les oreilles qui saignent à force de se faire du Bollywood : on peut rester en Inde, avoir du mélo, de la romance, mais tout ça sans kitsch dégoulinant, dans le calme, la retenue, l'élégance, avec une vision politique acérée.

Et truc incroyable : ça dure moins de 8 heures...

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Comme "Always" dans ma relation avec Steven, c'est amour-haine. Alors afin d'espérer une réconciliation rien de tel qu'un retour vers son premier film pour le cinéma.

Et bingo on se refait des câlins jusqu'à la prochaine chicanerie. En effet même si "Sugarland Express" ne brille pas par son originalité, on était en effet en pleine vague "Badlands" - "Dirty Mary, Crazy Larry", je me suis laissé prendre par ce film survolté et qui surtout ose une rupture de ton dans son récit qui lui donne finalement une réelle épaisseur. Et puis il y a une Goldie Hawn surprenante, même si c'est impossible de tenir la comparaison face à Sissy Spacek et Susan George.