La plume est plus forte que la manette

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Le FPS narratif le plus immersif de cette génération avec Bioshock. Un univers mélangeant habilemment polar noir et fantastique, l'un des meilleurs doublages de l'Histoire du jeu vidéo et une vraie audace créatrice au service d'un récit crépusculaire qui parvient, malgré sa noirceur, à susciter une émotion sincère notamment par l'intermédiaire de la scène dramatique la plus poignante jamais vue dans un FPS.

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Refusant tout manichéisme et édulcoration de son propos, Spec Ops The Line est une œuvre courageuse qui tente d'apporter un nouveau regard sur un thème trop souvent vulgarisé dans le jeu vidéo. L'audace de sa démarche de part la focalisation du récit sur l'expérience traumatique et émotionnelle de la guerre ainsi que la confusion identitaire de ses soldats permet à Spec Ops The Line d'être le premier véritable jeu de guerre, celui où l'homme n'acquiert pas un statut héroïque dans l'affrontement mais se confronte à sa propre monstruosité.

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L'une des directions artistiques les plus incroyables jamais vues dans un jeu vidéo laissant libre cours à la folie visuelle de Tim Schafer et son équipe. Mais l'écriture n'est pas en reste et présente un univers totalement taré mais possédant pourtant sa cohérence, une galerie de personnages excentriques et attachants, le tout dans un mélange maitrisé d'humour, de drame et d'émotion. Un récit qui parviendra à toucher les joueurs sensibles aux histoires bien écrites, bien au delà des adorateurs du Métal. Si les séquences de stratégie sont une catastrophe absolue en terme de gameplay, le jeu propose un vrai effort de variété dans son action ce qui le rend moins redondant à jouer que Psychonauts.

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Le traditionnel mélange de comédie et d'émotion fonctionne ici à merveille, le monde de Psychonauts avec son allure très enfantine distille pourtant plusieurs moments d'humour noir et quelques moments poignants dont l'impact est d'autant plus efficace grâce au décalage avec la naïveté apparente du jeu. Dans un soucis de pertinence remarquable, les créateurs de Psychonauts n'oublient jamais que la psychologie est la moelle épinière de leur oeuvre et cette dimension morale se retranscrit dans tous les composants du jeu qu'il s'agisse de sa narration, sa conception visuelle ou son level design.

Malheureusement comme toujours également chez Double Fine, l'extraordinaire soin appliqué à l'ambiance du jeu est à la mesure de la banalité de son gameplay. Si l'on rejette tout l'incroyable travail appliqué à son atmosphère, Psychonauts n'est rien de plus qu'un Mario 64 du pauvre, adoptant une structure de jeu similaire mais sans le génie de Nintendo en matière de plate forme. Alors que la direction artistique ne cesse de se renouveler et de briller d'inventivité, le gameplay reste désespérément identique tout le long du jeu jusqu'à en devenir rapidement redondant et lassant. Toutefois l’ambiguïté de l'univers du jeu, rappelant les libertés que peut parfois prendre le jeu vidéo en comparaison du cinéma d'animation, est suffisamment originale pour outrepasser les lacunes réelles de son interactivité. Pas forcément désagréable à prendre à main mais indéniablement ennuyeux à jouer, Psychonauts demeure avant tout un régal de créativité pour les yeux et le cerveau.

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Un récit beaucoup plus intéressant dans l'ingéniosité de son background et la manière dont les personnages (et le joueur) appréhendent l'univers qui les entoure que dans le déroulement de l'histoire principale, efficace mais conventionnelle. L'immersion du joueur est également assurée par une très belle direction artistique conférant à chaque environnement une tonalité propre et une modélisation impressionnante des héros (appuyée par l'une des motions captures les plus efficaces de ces dernières années en matière de jeux vidéos).

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Le premier véritable jeu vidéo de zombies, celui où la monstruosité des morts n'est là que pour mettre à l'épreuve l'humanité des vivants. Alors que les zombies sont un élément récurrent du paysage vidéoludique, il aura malheureusement fallu attendre une adaptation d'un comic aussi célèbre pour qu'enfin un jeu vidéo ose exploiter l'univers des morts vivants pour tendre un miroir à l'instinct de survie du joueur et non lui offrir un simple prétexte pour un défoulement jouissif. Une preuve plus qu'explicite du mépris imbécile qu'affiche encore le média interactif envers son impact narratif et émotionnel.

Surmontant un gameplay extrêmement médiocre et une réalisation technique en demi teinte, la narration de Walking Dead offre une incroyable immersion morale où le joueur est pour une fois confronté à la vulnérabilité de ses héros (et de ce fait à sa propre impuissance) et à la responsabilité de ses actions grâce à la présence salutaire de la jeune fille qu'il sera chargé de protéger durant l'intégralité de son périple . Une approche courageuse qui renforce le réalisme du récit tout en déstabilisant de ce fait la position du joueur, loin du confort passif que proposent la plupart des jeux interactifs pour ne pas froisser leur public. L'immersion émotionnelle est si réussie qu'elle en fait même pardonner le manque de conséquence réel des actions du joueur grâce à un rythme parfaitement maitrisé, alternant scènes intimistes et d'introspection avec des rebondissements dramatiques aussi douloureux que ceux du comic originel. La construction en série télévisée est également excellente et à l'inverse d'un Alan Wake qui s'en servait maladroitement dans une tentative désespérée d'embellir sa narration, le format épisodique enrichit considérablement le récit de Walking Dead en lui assurant un renouvellement de son action. The Walking Dead rejoint ainsi le cercle très fermé des jeux à licences cultes et devient instantanément un argument de poids pour la victoire de l'écriture interactive sur le gameplay brut.

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L'un des meilleurs jeux vidéos indépendants jamais crées car il correspond le plus à ce que le joueur est en droit d'attendre de ce type de production : une expérience alternative et expérimentale qui ,contrairement aux jeux vidéos traditionnels, ne tente pas d'améliorer des schémas interactifs déjà établis mais tente d'exploiter un potentiel encore inutilisé. Prenant à contresens les habitudes du joueur en le forçant à conduire ses protagonistes vers la mort symbolique de leur innocence, The Path est un jeu déstabilisant à plus d'un titre. Portée par une bande sonore évolutive et dérangeante, le joueur ne doit lutter contre aucun ennemi concret mais contre sa propre empathie envers les personnages qu'il dirige et qu'il doit pourtant mener, malgré l'affection qu'il leur porte, vers une désillusion funeste.

Mais contrairement à ce que son concept ambigu pourrait laisser craindre, The Path n'est en aucun cas une œuvre racoleuse ou perverse. La violence n'y est jamais explicite et c'est sur le plan émotionnel que le joueur est interpellé. La plus grande réussite de ce jeu vidéo est ainsi de se situer réellement dans la continuité du conte du Chaperon Rouge, à savoir de proposer un récit initiatique, éduquant le joueur à travers cet univers fictif sur les dangers de notre réalité. Une ambition que beaucoup d'artistes revendiquent mais que peu d’œuvres parviennent à réellement concrétiser. Et dans un média en plein questionnement identitaire comme le jeu vidéo, cette réussite est d'autant plus louable.

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Le joueur est le pire ennemi du game designer car il ne cessera de tester la construction du jeu et de vérifier jusqu'où sa liberté de déplacement et son influence dans cet univers interactif peuvent s'étendre. Ce précepte bien connu dans la création vidéoludique devient le principal ressort narratif de Stanley Parable narrant la confrontation explicite entre un développeur soucieux de préserver sa création face à un joueur désespérément muet et borné qui ne cessera de malmener la progression imposée.

De ce fait, des réflexions généralement associées à l'analyse du jeu vidéo sont ici directement mises en scène au fil de cette aventure psychologique. Faut t-il à tout prix laisser le joueur exprimer son libre arbitre quitte à ce qu'il perde le fil du récit? L’interactivité du jeu vidéo, après tout la principale caractéristique de ce média, vaut t-elle la peine de mettre en péril l'histoire véhiculée par le jeu? Que représente le désir individuel d'un développeur face au désir des joueurs de s'approprier un récit interactif en influençant directement son évolution? Autant de problématiques que The Stanley Parable dépeint avec humour, intelligence et sincérité mais sans avoir la prétention d'y apporter une réponse. Car dans un média aussi jeune que le jeu vidéo, en plein questionnement identitaire et dont le potentiel n'a été qu'effleuré, c'est à un véritable bordel narratif auxquels les développeurs sont confrontés en souhaitant sortir des sentiers battus, un chaos aggravé par le manque d'expérimentations qui pourraient exister pour les aiguiller et dont ce Stanley Parable apporte une première pierre.

Le dévello...narrateur de Stanley Parable a bien conscience de la difficulté de sa démarche créatrice et derrière son humour sarcastique laissera parfois exprimer son amertume et sa mélancolie. La tâche n'est pas aisée comme le démontre la progression du jeu avec son système de die and retry lassant mais illustrant ingénieusement la remise en question inéluctable dans le média intterractif.

Alors ne vous fiez pas aux apparences. The Stanley Parable est peut être un jeu dont le gameplay minimaliste peut être appréhendé par le premier néophyte venu mais les gamers aguerris sont la véritable cible de cette expérimentation interactive, ceux qui ont choisi de s'interroger sur le média qui avait le pouvoir de les maintenir assis.

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N'ayez pas peur de la contemplation.

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L'un des scénarios les plus subtils proposés dans un jeu vidéo, un récit à la fois touchant, amer, réaliste et surtout empreint d'humanité qui parvient même à faire oublier le dirigisme frustrant de cette aventure. En somme un mauvais roman interractif mais un excellent roman graphique.

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Il est souvent dit que les grands récits littéraires permettent au lecteur de se sentir moins seul en lui faisant ressentir par le biais de personnages imaginaires des émotions qu'il pensait toutes personnelles. Fidèle à ce précepte, Last Window nous plonge dans un récit poignant d'humanité où les crimes ne sont pas là pour satisfaire les pulsions morbides du joueur mais pour nous ramener à notre propre imperfection humaine. Délaissant un dynamisme outrancier au profit d'un récit plus réaliste et intimiste, Last Window s'attarde ainsi davantage sur la résolution des problèmes sentimentaux de ces protagonistes que sur la résolution policière à proprement dit. C'est là tout le parti pris du jeu d'imposer au joueur un rythme lent pour mieux lui faire apprécier l'humanité de ces personnages, perdant en nervosité ce qu'il y gagne en émotion.

Bien sûr, il faudra accepter l'interactivité perfectible du jeu transposant l'aventure dans un registre davantage proche d'un grand roman graphique que du véritable roman interactif dont il avait l'ambition. Si le maniement se révèle assez inventif pour retranscrire dans le gameplay les mouvements du héros taciturne, le récit est toujours aussi désespérément dirigiste même si quelques nuances louables ont été apportées pour que le joueur puisse obtenir (ou non) des informations supplémentaires selon ses talents de diplomates. Mais il est inutile de le nier : c'est en position de lecteur que vous appréhenderez majoritairement le récit et non en intervenant direct. Au moins cette suite évite l'écueil principal de son prédécesseur en clarifiant bien mieux ses objectifs, permettant au récit de se poursuivre sans trop d'interruptions intempestives au lieu de perdre le fil en étant bloqué trois heures à cause d'un élément que le joueur aurait négligé.

Amplifié par la beauté de l'animation illustrant les sentiments des personnages, le récit de Last Window est à nouveau une plongée touchante dans un univers bien proche du notre, un lieu où les apparences trompeuses nous aveuglent et où la vérité n'est pas aussi simpliste qu'elle n'y paraît. Sans chercher à plaire à un plus large public qui pourrait être gêné par son concept, Last Window a préféré être fidèle à ses convictions en corrigeant simplement les lacunes de son prédécesseur. Un choix tranché qui lui valu autant l'admiration indéfectible d'une communauté de fans que le dédain des joueurs à sa sortie.

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Metro 2033 n'est pas un grand récit interactif mais une plongée fascinante dans un univers à la triste beauté. La plus grande qualité de l'intrigue est de fournir un prétexte parfait au joueur pour découvrir les multiples facettes d'un monde incroyablement cohérent où l'explorateur navigue entre claustrophobie, peur primitive de l'inconnu et cruauté humaine. Appuyé par une bande sonore exceptionnelle et une interface ingénieuse directement intégré dans l'action, l'immersion immédiate suscitée par ce FPS narratif doit également beaucoup à son rythme posé. Metro 2033 ne craint pas la contemplation et laisse ainsi le temps au joueur de s'imprégner viscéralement de l'instinct de survie véhiculé par ce monde crépusculaire, une survie quotidiennement rappelée par les nombreux décès de survivants dont le joueur est le témoin impuissant. La tension palpable du jeu qui tend à quelques reprises vers le survival horror est de surcroit enrichie d'une dimension fantastique savamment dosée ajoutant une peur et un mystère supplémentaires au récit sans lui faire perdre sa crédibilité.

Mais Metro 2033 n'est pas dénué de défauts et ceux ci provoquent une gêne sincère car ils ternissent l'immersion immédiate suscitée par cet univers dont la présentation interactive est totalement maitrisée. Il est explicite dés le début du jeu que tous les éléments sont en place pour créer un grand FPS narratif mais sa maladresse narrative et la médiocrité de son gameplay brut se confrontent à la richesse du background et de l'atmosphère alors qu'ils devraient l'appuyer. Alors voici la question que vous devez vous poser avant de vous lancer dans ce voyage crépusculaire : l'ambiance est t-elle suffisante pour faire un bon jeu? Cette chose si diffuse et subjective que nous qualifions d'atmosphère. Qu'est ce donc au bout du compte? Peut être ce pincement au cœur face à la détresse des survivants impuissants devant l'anéantissement du monde. Peut être ces quelques instants que l'on s'accorde pour contempler le gâchis des splendeurs passées alors que notre respiration devient plus haletante. Peut être la rage de la combattivité humaine face au chaos grandissant. Peut être pas grand chose finalement...ou peut être quelque chose de plus important que tout le reste.

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Que se passerait t-il si notre monde était voué à l'extinction? Quoi, encore cette vieille histoire! En ces temps d'incertitude sur l'avenir de l'humanité, voilà une question qui est devenue bien banalisée à travers les œuvres de divertissement. Mais voilà à la manière de la série animée Casshern Sins, Nier ne compte pas répondre à cette problématique en offrant un prétexte pour une violence décomplexée mais préfère plonger le joueur dans un voyage épique et désespéré où l'humanité atteint son crépuscule. La gravité du sujet est appréciable et nous rappelle agréablement que les RPG Japonais ne sont pas condamnés à interpeller un public adolescent même s'il ne faut pas placer trop d'espoirs dans l'émancipation créatrice de Nier.

Certes le périple est mature à bien des niveaux, de part le cynisme des personnages, l’ambiguïté idéologique croissante, la direction artistique glauque, la violence visuelle ou bien entendu le langage cru des dialogues mais derrière cet enrobage le récit accumule des scènes d'un classicisme absolu dans le cadre d'un RPG Japonais tout en conservant finalement la naïveté banalisée de certaines scènes.

Au delà de cette prétendue maturité, la véritable force de Nier réside en réalité dans son immersion émotionnelle grâce à une narration subtile prenant le temps de véhiculer le désespoir de son univers. Construit en deux parties narratives bien distinctes, l'intrigue de Nier prend le temps de faire ce que les récits post apocalyptiques veulent généralement éviter: montrer d'abord un monde tenant encore sur ses fondations avant qu'il s'écroule. Un principe qui implique inévitablement une narration lente, ennuyeuse d'un certain point de vue car relatant d'abord la banalité de l'existence du héros avant qu'il soit amené à plonger en enfer.

Et c'est justement cette immersion dans la banalité de l'action qui permet d'apprécier par contraste le danger auquel le personnage fait face, de part l’héroïsme décomplexé des affrontements de boss ou l'assombrissement global de l'univers qui suit la progression du joueur. Un concept narratif qui aurait logiquement dû s'accompagner d'une troisième partie dépeignant la résignation du héros face à l'effondrement inéluctable de cet univers, un dernier acte qui ne viendra malheureusement jamais laissant le sentiment que Nier n'a développé que les deux tiers de son propos.