Le cinéma de 2025

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Franck Dubosc crée la surprise avec son troisième film qui s'éloigne de la comédie française traditionnelle pour lorgner du côté du cinéma des frères Coen. Même si il n'en révolutionne jamais la formule, il signe un western rural à l'humour absurde plaisant.
Pourtant au niveau de son écriture, le film aura tendance à se perdre dans sa générosité dans son trop plein de personnages et d'énergie qui font que l'ensemble se perd assez souvent jusqu'à un dernier acte un peu trop expéditif. Mais le récit trouve surtout sa valeur dans son lot de protagonistes aussi ridicules qu'attachants et tous servi par un casting impeccable. De plus, le mélange de tonalité fonctionne assez bien et est de pair avec une mise en scène efficace qui montre que Dubosc comprend parfaitement les codes du genre dans lequel il souhaite s'imposer et les applique avec savoir-faire.
Un ours dans le Jura ne brille donc jamais par son originalité mais fait preuve de vent de fraîcheur admirable dans le paysage cinématographique français malgré ses innombrables maladresses. On passe néanmoins un agréable moment dans ce film de genre qui s'assume pleinement et qui prend un malin plaisir à amuser son spectateur.

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Après presque une décennie d'absence au cinéma, Andrea Arnold revient à la fiction et signe son 5e film en restant fidèle à son style très terre-à-terre tout en essayant d'insuffler un peu plus de fantaisie à son cinéma.
Récit de coming of age d'apparence assez banale, l'ensemble va vite prend des atours légèrement plus fantastique grâce à l'apport de son personnage centrale et qui donne son nom au film. Toujours fasciné par les marginaux, la cinéaste brosse le portrait d'une poignée de personnages attachants même dans leur misérabilisme tant elle parvient toujours à les faire vivre grâce au regard d'enfant de sa protagoniste. Le personnage du père, d'abord pathétique, trouvera une humanité débordante assez déchirante et c'est à travers cette relation ou plutôt son absence que le film trouvera ses meilleurs instants. Un peu moins à l'aise avec sa partie surréaliste, le tout va finir par s'effondrer un peu dans une conclusion attendu et moins maitrisée.
Avec son excellent casting et sa mise en scène acérée, Andrea Arnold prouve avec Bird qu'elle n'a pas perdu de la particularité de son cinéma et sa volonté de l'emmener voguer vers de nouveaux horizons s'avère des plus louables. La nouvelle direction empruntée n'est par contre pas sans embûches, sa poésie se heurtant à quelques maladresses. On reste cependant face à un film touchant qui possède quelques belles envolées lyriques qui le sort du tout venant du cinéma social.

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We Live in Time s'impose comme un drame aux élans de romcom qui veut clairement s'imposer par ses élans de modernité mais souffre surtout d'une structure terriblement classique.
Même si le récit laissera une part plus significative au personnage féminin et on sent la volonté d'un discours progressif où l'amour hétéronormé ne serait pas forcément la clé de l'accomplissement, le tout finit quand même par manqué d'originalité. Ses ressorts dramatiques s'avèrent efficaces mais vite éculé tant la narration essaie de masquer le banal de son histoire par sa façon non linéaire de la raconter. Pourtant, le tout se laisse suivre sans déplaisir car il propose des personnages attachants tenu par un casting exemplaire.
Le film est clairement un film d'acteurs et il gagne grâce à l'alchimie évidente de Florence Pugh, excellente comme à son habitude, et Andrew Garfield, toujours aussi juste et touchant. On aura assez peu de choses à se mettre sous la dent à travers la mise en scène fonctionnelle de John Crowley, mais We Live in Time reste une dramédie réussie car malgré ses limites, l'émotion fonctionne et on se laisse porté par le charme de son couple central servi par de formidables acteurs.

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Avec les années le cinéma de Pedro Almodovar s'est considérablement embourgeoisé et même si cela servait parfois ses portraits particulièrement acides et satiriques, cela enlevait aussi sa chaleur et ses émotions.
Son dernier film devient donc assez vite symptomatique de cette trajectoire alors qu'il s'emploie à soulever les questions autour de la fin de vie et le droit de choisir comment la finir avec dignité. Si il aborde son sujet avec élégance, il faut reconnaître qu'il manque d'émotions pour vraiment nous embarquer dans ses réflexions et transforme son récit en thèse un peu détaché plutôt qu'en vrai moment de réflexion et de débat. Son film secoue assez peu et on sent que parfois le cinéaste à vieillit n'arrivant pas à vraiment trouver la justesse politique qu'il souhaiterait atteindre. L'ensemble devient donc assez bancal et peine à vraiment émouvoir et se noie dans une vision un peu trop détaché de la réalité à travers ses atours très privilégiés.
Reste que le casting maintient la barque avec surtout les performances soignées de Tilda Swinton et Julianne Moore qui possède ici une alchimie palpable. Mais la mise en scène maniérée de Pedro Almodovar se montre ici aussi picturalement superbe que paradoxalement désincarnée. La habitación de al lado s'impose donc comme un drame qui peine à émouvoir tout comme il ne pousse pas ses réflexions dans des retranchements vraiment intéressant. Le film possède quand même un savoir-faire indéniable et parvient à offrir quelques jolis instants mais reste un rendez-vous mineur et un peu dépassé dans la filmographie de son auteur.

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Deux films se battent en un seul avec ce Ad Vitam, film d'action à la française qui a des airs de campagnes de recrutements pour le GIGN mais qui trouve justement ses meilleurs aspects quand il s'assume en tant que tel.
Même si il faut reconnaître que ses ficelles s'avèrent assez grosses et qu'il lisse beaucoup sa représentation de ses forces de l'ordre, il parvient dans son long flashback central un vrai sentiment de cohésion à travers ses personnages. C'est lorsqu'il s'intéresse à ce groupe et cette période de la vie de son protagoniste que le film se montre le plus intéressant à suivre tant le reste ne s'avère être qu'un enrobage prétexte et ridicule. L'intrigue principal vire plus dans le film d'espionnage de bas étage et manque de logique et de cohérence dans sa façon de développer sa narration. Le film possède un rythme bancal et souffre d'un manque d'enjeux flagrant tant il ne prend pas le temps d'exploiter la situation du présent, le film se jouant sur deux époques.
Le casting est correct, même si Guillaume Canet s'avère plus plausible dans l'émotion que dans l'action malgré une partition physique pas déplaisante. Le tout profite même de séquences d'actions plutôt bien emballés malgré une mise en scène fonctionnelle de Rodolphe Lauga qui se heurte aussi à une réalisation technique assez pauvre. Ad Vitam s'impose donc comme un thriller d'action maladroit et bancal, qui ne sait pas vraiment comment raconter son histoire malgré des personnages attachants et une action maîtrisée.

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Alors que le premier Den of Thieves s'était imposé comme un des meilleurs films de la filmographie de Gerard Butler qui malgré ses atours de Heat du beauf s'imposait comme un thriller musclé particulièrement efficace. Mais le film se suffisait à lui-même et n'appelait pas vraiment à de suites.
Pourtant la volonté de tourner le tout en une franchise lucrative à rattraper le précédent film pour l'étaler en saga qui lorgne ici bien plus vers les Fast & Furious. Se voulant plus terre-à-terre dans son approche, gardant une certaine continuité en terme de tonalité par rapport au précédent film, on se retrouve néanmoins face à un récit qui se heurte assez vite aux limites de son concept. Expliquer la présence du personnage de Gerard Butler dans cette suite devient une question épineuse que le film ne parvient jamais à justifier et finit par alourdir son rythme en le forçant dans une intrigue où il est clairement en trop. Pourtant avec son charisme de beauf en sueur et son surjeu bien bourrin, il reste probablement l'attraction la plus divertissante du film même si il n'y trouve paradoxalement jamais vraiment sa place.
Se voulant plus posé et reposant encore sur ses personnages, cette suite se tire une balle dans le pied car elle est composé de protagonistes moins intéressants car moins confrontés à des lignes morales grises. Plus manichéen, plus sage aussi dans son approche, on se retrouve face à une suite moins bien rythmé et spectaculaire qui peine à sortir quelques moments mémorables. Même si il est louable de voir que Christian Gudegast ne cède pas à l'appel de la surenchère et qu'il emballe ses scènes de casses et d'actions avec savoir-faire même si ceux-ci s'avèrent légèrement moins élaborés qu'escompté. Den of Thieves 2: Pantera s'impose donc comme une suite négligeable qui ne parvient pas à capitaliser sur les qualités de son prédécesseur. L'ensemble n'est pourtant jamais mauvais, arrivant même à se hisser au dessus de la moyenne des films de Butler mais on reste face à un divertissement paresseux et peu palpitant.

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Projet issue des décombres Dark Universe qui devait voir la naissance de films partagées autour des monstres célèbres d'Universal, cette réinvention du loup-garou vient après le succès et la réussite de The Invisible Man qui voyait une mise à jour bien plus intelligente et actuelle du personnage et déjà dirigé par Leigh Whannell.
Il faudra reconnaître ici que le cinéaste ne dépoussière pas son monstre avec autant de fraîcheur qu'il ne l'avait fait par le passé. Même si pourtant il s'impose comme un diptyque pertinent avec son précédent film, venant explorer sa créature au sein de la structure familiale. Après le couple et sa relation abusive, il explore le lien parental et comment le manque de communication peu engendré la peur envers son paternel. Une autre vision de la masculinité toxique, celle introverti et taiseux qu'on imagine capable d'exploser de colère. Le principe s'avère diablement intelligent et fait le cœur d'une action qui fait le choix de limiter son lieu et sa temporalité. Le tout s'impose comme un huit clos sous tension efficace mais qui ne tiendra pas toute ses promesses.
Le dernière acte s'avère un peu trop expéditif tandis que ses intéressantes réflexions s'avèrent trop souvent amoindrit par des dialogues beaucoup trop explicatifs qui montre un vrai manque de finesse dans l'écriture. C'est d'autant plus dommage car on se retrouve avec des personnages attachants et très bien joué par un casting sans fausse note, mais qui donne aussi l'impression de ne pas être utilisé à son plein potentiel. Reste que la réalisation s'avère somptueuse avec sa photographie qui joue habilement les contrastes de noir et blanc et une mise en scène intuitive et sensorielle de Leigh Whannell qui à la très bonne idée de faire corps avec la transformation du protagoniste. Wolf Man n'est donc pas exempt de défauts, ni très original, mais il s'impose quand même comme une réinvention intelligente et réussie confirmant tout le savoir-faire de Whannell.

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Habitué des thrillers, c'est néanmoins la première fois que Fabrice Du Welz explore le genre sous le prisme policier dans un film d'enquête saisissant inspiré de faits réels.
Librement tiré de l'affaire Dutroux, le film va partir dans l'enquête obsessionnelle d'un jeune policier en quête d'un tueur en série qui enlève de jeunes filles. Même si le postulat peut paraître assez attendu, notamment du jeune policier idéaliste qui se perd dans une spirale borderline, le film parvient à se démarquer par le regard si rugueux de son cinéaste qui parvient à vraiment plonger dans le malaise nauséeux de son récit. Extrapolant l'enquête dont il s'inspire pour faire virer son intrigue dans les éléments complotistes qui l'ont entourés, le cinéaste semble tout aussi obsédé que son protagoniste et parvient à créer une osmose dérangeante qui absorbe son spectateur. Même si le film souffre de quelques longueurs et qu'il à tendance parfois à flirter avec l'invraisemblance, il ne franchi jamais la ligne au point de nous perdre en parvenant à entretenir son sentiment de fascination morbide.
Habilement mis en scène par un Fabrice Du Welz inspiré, gardant une approche très documentaire sur son récit, Le Dossier Maldoror bénéficie aussi d'un superbe casting tenu par la performance habitée d'Anthony Bajon mais aussi de la prestation glaçante de l'excellent Sergi Lopez. De quoi achever dans faire un thriller de très haute tenue qui flirte avec une certaine verve fincherienne du plus bel effet. Clairement le film le plus accompli de Fabrice Du Welz.

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Voulant explorer les ressorts des relations de dominations et comment celles-ci peuvent évoluer dans une sphère totalement intime sans influer sur l'identité d'une personne, Babygirl s'évertue à avoir un regard résolument moderne sur son sujet sans pour autant parvenir à éviter de se heurter à ses tropes surannés et un érotisme bon marché.
N'étant jamais l'exploration sociétale des désirs qu'il souhaiterait être, ni un sujet résolument moderne, Babygirl prend très vite des allures de 50 Shades of Grey à destination d'une audience plus mûres. Se voulant être plus sensible quand à l'abord de son sujet, le récit peine pourtant à trouver son équilibre et s'impose en romance capricieuse qui à dû mal à vraiment réussir à définir ses personnages et les réflexions qu'il est censé amener. Même si on retrouve certains sujets intéressants, notamment autour de l'intelligence émotionnelle de son personnage masculin qui se voit assez peu exploité et permet d'offrir quelques passages intéressants.
Mais malgré les efforts du casting, notamment d'une Nicole Kidman très impliquée et d'un Harry Dickinson très juste, on peine à croire à ses personnages assez froids et l'aspect détaché de l'ensemble. Ce n'est pas aidé par la mise en scène trop démonstrative de Halina Reijn qui ne parvient jamais à toucher du doigt le caractère organique de son sujet. Babygirl s'impose comme un film bancal, pas exempts de certaines idées intéressantes mais qu'il ne parvient jamais vraiment à exploiter.

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Film de Netflix par excellence, Back in Action permet surtout à Cameron Diaz de faire son retour sur les écrans mais prouve surtout que son absence n'a ni manqué et ses retrouvailles s'avèrent particulièrement raté.
Avec son récit prévisible, à l'humour bateau et aux enchainements qui font que l'ensemble donne l'impression d'avoir été généré par une IA, le film s'impose comme la production de Netflix par excellence qui vient s'attacher à un concept de films déjà vu et revu pour n'en tirer qu'un produit très insipide. Rien ne fonctionne entre les relations entre les personnages ou les rebondissements aléatoires pour faire avancer une intrigue cousue de fil blanc. Le tout n'est pas aidé par un casting hasardeux qui se contente du minimum et dont l'absence d'alchimie entre une Cameron Diaz et un Jamie Foxx en roue libre n'aide pas à solidifier l'ensemble.
Les scènes d'actions manquent quand à elles de punch malgré parfois une envie de bien faire évidente mais qui se heurte par le manque de savoir-faire d'un Seth Gordon qui livre une mise en scène sans éclat et d'une facture très télévisuelle. Back in Action s'impose donc comme un franc ratage. Une mauvaise comédie d'action qui repose sur des tropes déjà ringards et qui ne parvient pas à convaincre à travers son duo sans étincelles.

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Film concept tout droit tiré de l'actionner des années 90, Flight Risk avait toute les cartes en main pour s'imposer comme une série B musclée et divertissante mais échoue lamentablement sur ses objectifs.
Il est vrai qu'un thriller se passant intégralement dans le cockpit d'un vieux coucou limite très clairement le champ de l'action mais là n'est même pas vraiment le problème du film. Avec ses personnages caricaturaux qui prennent constamment les décisions les plus débiles possibles, le film limite sa tension et justifie sa durée sur la stupidité de ceux-ci. L'antagoniste s'avère assez peu mémorable et ne repose que sur le pastiche capillaire de Mark Wahlberg qui fait mouche le temps de quelques instants mais ne suffit jamais à rendre son personnage mémorable. Pas aidé par la performance ringarde de l'acteur. Topher Grace aussi se montre plutôt insupportable et seul Michelle Dockery se montre suffisamment solide pour parvenir à porter un peu l'ensemble.
On en attendait clairement plus de Mel Gibson qui avait su s'imposer par le passé en metteur en scène plutôt appliqué. Ici il offre une mise en scène qui ne parvient jamais à tirer profit de son contexte si particulier et se contente de situations insipides mis en images sans grand génie. Pour autant, Flight Risk assume suffisamment ses exubérances pour au moins s'imposer en spectacle régressif qui profite de sa courte durée pour ne pas lasser, lui évitant d'être pleinement mauvais.

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Biopic au postulat assez original car il décide de mettre en scène son protagoniste sous la forme d'un singe en image de synthèse, Better Man ne se laisse pourtant jamais perdre dans ce parti pris et offre un film touchant et solaire.
Robbie Williams n'était plus la star pop qui faisait autant parler de lui, mais il trouve avec ce film un moyen assez originale de se mettre en lumière surtout que ce dernier ne prend jamais de gants lorsqu'il s'agit d'explorer sa personnalité parfois borderline. Néanmoins sensible vis à vis de son sujet, le récit se transforme surtout en rise and fall assez classique autour de la détestation de soi et comment celle-ci mène à l'aliénation et l'addiction. Même si l'ensemble ne bouscule jamais vraiment les codes narratifs de son genre, le casting impeccable et la mise en scène dynamique et inspirée de Michael Gracey permet au film de s'offrir un certain panache.
Avec ses remix des musiques de Robbie Williams particulièrement bien réussies, quelques séquences ingénieuses et spectaculaire ainsi que son récit attendu mais plutôt tendre et touchant, Better Man s'impose comme une tranche de thérapie vivifiante et un morceau de cinéma particulièrement réussi.

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Après le coup de mou qu'aura été le dernier Indiana Jones, James Mangold revient à ses classiques et joue la sureté avec ce biopic sur Bob Dylan où il en ressort un film appliqué, exemplaire mais un peu trop scolaire.
S'intéressant très clairement à la jeunesse de l'artiste, on sent la volonté du film de célébrer le caractère indomptable et irrévérencieux de Dylan ce qui alimente assez habilement son aura mystérieuse mais qui donne aussi l'étrange sensation d'un biopic qui ne parvient jamais vraiment à saisir son sujet et nous laisse sur le bas de la porte. Pourtant on ne peut bouder son plaisir tant il nous met en bonne compagnie avec un excellent casting dont la performance sans fausse note d'un Timothée Chalamet habité. Avec en plus une réalisation sobre mais soignée aidé par le classicisme au charme indéniable de la mise en scène de James Mangold, on reste face à un film tenu de bout en bout.
Mais plutôt attendu dans son déroulé et un peu trop froid pour vraiment parvenir à investir, on reste face à un film solide et maîtrisé mais qui lui manque ce petit plus pour vraiment parvenir à passionner. A Complete Unknown s'impose donc comme un bon biopic dans la définition la plus académique du terme.

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Partant d'un postulat assez intéressant, le film finit assez vite par tomber dans une métaphore bien trop lourde et qu'il traite avec légèreté faisant de lui un divertissement qui manque de mordant.
Pourtant ayant la base pour s'imposer comme une fable qui aurait pu aisément virer dans un délire réjouissant à partir de body horror et d'émancipation énervé, on se retrouve face à un récit qui se refuse à trop bousculer les conventions et préfère juste redéfinir un statut quo bien sage et ennuyant. Au final il ne se passe rien de palpitant dans ce film qui n'a rien à dire ni à ajouter à son discours féministe rabattue autour de la maternité si ce n'est ici en plus renforcer des préjugés très old school.
Nightbitch rate donc amèrement le coche de ce qu'il aurait pu entreprendre et déomontre un manque de regard évident de la part de Marielle Heller qui n'aide pas l'ensemble à travers sa mise en scène morne. Reste que le casting parvient à faire vivre l'ensemble tant le couple Amy Adams et Scoot McNairy ne manque pas de charme même si ils ne jouent pas ici leurs meilleurs partitions. Décevant.

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Avec son postulat assez attendu, Companion ne chamboule pas la formule du film SF autour de la question de l'IA et de son exploitation par l'homme notamment lorsque celle-ci sert de substitut au genre féminin.
Avec son discours d'émancipation simpliste et efficace, le film vient surtout montrer du doigt la figure de l'incel à travers un récit plaisant mais sans grande surprise. Les personnages sont délicieusement détestables et on se laisse embarqué par ce jeu de massacre qui brille surtout par son second degré et son casting impeccable. Mais le tout reste trop sage, notamment dans une partie formelle trop discrète avec la mise en scène très télévisuelle et désuète de Drew Hancock.
Companion s'impose donc comme un thriller aux élans satiriques plaisants mais anecdotique. On passe un moment sympathique devant mais on l'oubliera bien vite tant il ne parvient pas à proposer quoique ce soit de vraiment original ou mémorable.

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Will Ferrell devient une figure trop rare dans le paysage de la comédie américaine, lui qui en aura pourtant été un des grands maîtres du début des années 2000. Cela va surtout de pair avec une comédie US qui a perdu en impact et en qualité ses dernières années et ce nouveau film n'est qu'un exemple criant lorsque même Ferrell ne parvient pas à briller.
Partant d'un postulat banal mais prometteur pour ce genre de comédies à base de quiproquo et de cohabitation forcée pour que l'ensemble finisse par basculer dans un récit bien sage où les bons sentiments l'emporte toujours au pur coups de folie. Pourtant il y aura quelques gags ici et là vraiment drôles qui permet d'utiliser l'énergie chaotique de Ferrell à bon escient mais même lui ne semble pas des plus inspirés au milieu de ce casting particulièrement mou.
Mis en scène de manière assez molle et ayant peur de constamment aller trop loin, You're Cordially Invited s'impose comme une comédie trop sage pour vraiment proposer autre chose que son méli-mélo paresseux et sans grand génie. Décevant.

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Avec Maria, Pablo Larrain vient clôturer le triptyque lancé par Jackie et poursuivi avec Spencer autour du destin tragique de 3 femmes d'influences du 20e siècle.
Jusqu'alors livrant des portraits particulièrement vibrant et authentique jonglant habilement avec des codes du cinéma qui transcendait les biopics en expérience suffocante. Même si ce dernier opus garde la même ligne directrice, celle-ci s'essouffle un peu malgré de majestueux moments plus abstraits où le cinéaste parvient à souligner adroitement l'aspect tragique de son récit, probablement le plus poignant des 3. Mais l'ensemble souffre aussi de quelques longueurs plus déplorables ainsi qu'un manque d'impact certain au niveau de son casting. Si Angelina Jolie reste convaincante dans le rôle, offrant probablement sa meilleure prestation de sa carrière, elle démontre aussi les limites de son jeu tant elle ne parvient jamais vraiment à s'effacer derrière son personnage.
Maria s'impose donc comme un film qui possède indéniablement ses moments mais reste paradoxale dans sa qualité. S'imposant comme le récit le plus tragique de son triptyque, il en est aussi celui qui paraît le plus froid et mécanique qui laissera une empreinte moindre sur son spectateur.

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Alors qu'il revient flirter avec le cinéma hollywoodien, Justin Kurzel parvient à y marquer bien plus son identité à travers l'adaptation d'une histoire vraie qui vient cristalliser toute ses obsessions du cinéma.
Plus actuellement que jamais dans son portrait d'une Amérique proche de plonger dans le fachisme, le récit déballe un thriller implacable et intense dans un face à face entre une doctrine haineuse qui gagne en puissance face à une institution désabusée qui déborde pourtant de la même violence. Plutôt habile dans ses réflexions, le film n'évite pas pour autant quelques passages assez attendu dans l'élaboration de son suspense mais parvient à garder le cap grâce à un casting impliqué et sans faille. Jude Law irradie de charisme face à un Nicholas Hoult habité qui livre avec justesse une performance des plus complexes.
Avec la mise en scène percutante et précise de Justin Kurzel, livrant quelques séquences musclées d'un réalisme saisissant soutenu par une photographie somptueuse d'Adam Arkapaw, The Order s'impose comme un thriller très réussi grâce à son regard aussi alerte que politique sur l'Amérique. De quoi permettre à Kurzel d'explorer encore ses obsessions autour de la radicalisation et de ses activistes maudits.

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Avec sa carrière éclectique, Steven Soderbergh continue à naviguer entre les genres et les expériences formelles et signe avec Presence un film de fantôme en POV où l'on suit l'action sous la perspective du spectre.
Une idée audacieuse mais malheureusement pas entièrement tenu tend l'ensemble s'avère parfois limité par les restrictions techniques et physiques de la caméra. On peine à sentir pleinement l'aura fantastique du film tant il semble parfois trop chorégraphié dans ses séquences tout comme il repose sur une construction scénaristique rigide et qui manque parfois d'audace. Même si l'ensemble gagne en puissance dans un dernier tiers plutôt inattendu et maitrisé, il faut reconnaître que l'ensemble se montre aussi intriguant que limité dans son approche.
Reste que le casting est totalement convaincant tout comme Steven Soderbergh construit quand même une mise en scène habile et efficace qui fait son petit effet même si on le sent parfois un peu hésitant dans l'exercice du genre. Presence reste un film atypique et plaisant qui démontre l'audace de son metteur en scène et même si il ne répond pas à tout ses promesses, livre une expérience qui mérite un coup d'œil.

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Alors que la phase 5 du MCU touche bientôt à sa fin, on sent que cette saga du multiverse n'aura pas été correctement préparée et qu'elle aura reçu beaucoup de turbulences entre des projets avortés et d'autres qui auront été drastiquement modifiés en cours de route.
Mais alors qu'on est à l'aube d'un nouveau film Avengers, la saga manque d'un véritable leadership et l'opportunité rêvé de mettre le Captain America de Sam Wilson sur le devant de la scène se présente. Pourtant on se retrouve face à un projet qui est bien trop rattaché la série Falcon and the Winter Soldier ainsi que dans un récit faisant suite direct aux événements de The Incredible Hulk pour véritablement parvenir à imposer son identité. Sam Wilson se voit donc noyé sous les sous-intrigues et apparaît au final comme un protagoniste très lisse qui peine à s'imposer au milieu de personnages souvent mieux caractérisés que lui. Cela devient le défaut principal d'un film à l'intrigue qui veut trop rejouer la carte du Winter Soldier pour vraiment se démarquer et qui n'apporte finalement assez peu à sa franchise s'imposant juste en épisode filler.
L'aspect série TV n'a jamais été aussi flagrant dans le MCU, avec sa réalisation sommaire entre ses fonds verts hideux et sa mise en scène juste fonctionnelle qui n'est dynamiser que par quelques chorégraphies assez inspirées dans des scènes d'actions correctes mais vite répétitives. Julius Onah ne parvient jamais donc à injecter un tant soit peu de surprise dans une formule fatigué et pas transcendé par un casting en pilote automatique dont un Anthony Mackie qui n'en profite pas pour muscler sa partition. Captain America: Brave New World s'impose donc comme un divertissement juste moyen, clairement le moins réussi et mémorable des Captain America et confirme encore le manque de souffle du MCU post-Endgame.

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Avec son Vox Lux, son deuxième long-métrage, Brady Corbet c'était fait remarquer en cinéaste particulièrement captivant et innovant au point où son dernier film c'était particulièrement attendre.
Et il ne déçoit pas avec ce The Brutalist, fresque épique et grandiose sur l'Amérique où le cinéaste y déploie toute ses obsessions et notamment autour de sa façon d'aborder l'art comme catharsis du trauma non seulement à travers son protagoniste mais aussi comme moyen de réécrire ou s'approprier l'histoire. Avec sa galerie de personnages qui représente un pan de l'histoire d'Amérique, le cinéaste élabore un récit ambitieux et dense qui ne se perd jamais dans sa rhétorique et garde en son sein une émotion diffuse des plus saisissantes. Aidé par un casting magistrale, dont les performances endiablées d'un Adrien Brody en état de grâce et aussi d'un Guy Pearce tout bonnement brillant.
Même dans sa façon de représenter ses personnages féminins le film parvient à pointer du doigt leur invisibilisation face à l'édifice de l'ego masculin et démontre l'ampleur des strates de lecteur d'une œuvre tentaculaire. Reste que sa narration est parfois trop didactique pour son propre bien mais s'accorder avec la mise en scène brutaliste et très tranchée de Brady Corbet qui embrasse pleinement l'esthétisme de son sujet à travers des idées aussi modernes que classique qui évoque les grands moments du cinéma tout en parvenant à remodeler habilement ses codes. The Brutalist nous gratifie donc de plans somptueux qui souligne à merveille la noirceur rugueuse d'une Amérique carnassière, un film à l'image de son sujet, monstrueux et monumental. Un des derniers grands films sur l'Amérique.

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Scott Derrickson est un cinéaste à la carrière aléatoire, oscillant entre quelques surprises sympathiques et films beaucoup plus indigestes, catégorie dans laquelle ce The Gorge vient s'engouffrer.
Malgré un postulat intéressant, le récit ne parvient jamais à capitaliser dessus au point où les révélations du dernier acte s'avère prévisible et décevante à la fois. Car moins intéressé par le fait de proposer une série B horrifico-action, le film perd un temps fou à mettre en place son duo de protagonistes qui sont assez mal caractérisés et dont l'enjeu dramatique repose sur une romance qui prend bien trop de place surtout qu'elle s'avère assez mal exécutée. Miles Teller et Anya Taylor-Joy font de leur mieux pour donner un peu de substance à leurs personnages est s'avère le point fort d'un film peu inspiré jusqu'à la réalisation sommaire de Scott Derrickson qui signe des séquences d'actions peu palpitantes et oubliables au sein de CGI pas toujours glorieux malgré quelques designs de créatures un peu plus inspirés.
Reste que The Gorge s'impose en divertissement peu engageant et assez vite oubliable en raison de son récit téléphoné et ses personnages caricaturaux dont ni l'action ni le concept prometteur ne parvient vraiment à relever le niveau.

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Après les films d'horreur à l'ambiance pesante et une bizarrerie macabre vraiment dérangeante, Oz Perkins décide d'adapter une nouvelle de Stephen King pour son nouveau film en prenant à contrepied les attentes et signant son film le plus drôle.
Changeant assez drastiquement le tout de la nouvelle de King, Perkins démontre ici un sens de l'humour ravageur qui ne renie jamais sa bizarrerie macabre mais l'emploi ici dans un contre-emploi salutaire qui donne à l'ensemble un humour noir qui fait souvent mouche. Bâtit sur un twist habilement amené, le film repose aussi sur des personnages mesquins en décalage de tout sens de la normalité et qui permet de déballer un jeu de massacre aussi créatif que jubilatoire. Même si l'ensemble perd un peu en souffle dans sa dernière ligne droite, les deux premiers tiers marque par leur originalité et la créativité de certaines mises à morts bien gores ainsi que quelques gags visuels des plus inspirés.
Oz Perkins signe vraiment une mise en scène inventive, où l'on retrouve son sens de la composition particulièrement millimétré et qui offre un film particulièrement beau et maîtrisé malgré un budget assez restreint. Avec son casting loufoque, notamment Théo James qui s'affirme de plus en plus comme un acteur au talent insoupçonné, The Monkey s'impose comme une réussite inattendu. On sent que le cinéma de Perkins se détache un peu de sa lourdeur et de ses limites passées, et même si l'on reste face à un film qui s'essouffle un peu et est assez mineur, on reste devant une série B suffisamment méchante pour y passer un bon moment.

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Après avoir réalisé deux des meilleurs films de la saga James Bond ainsi que deux films particulièrement efficaces sur Zorro, même si le second était quelque peu décevant, Martin Campbell n'aura jamais su retrouver la même qualité dans son cinéma.
Cantonné au thriller sans envergure, il signe avec Dirty Angels un film qui se veut un peu plus dans l'actualité mais passe à côté de son sujet au profit d'un film militaire standard aux personnages caricaturaux et où la brutalité inaugurale s'évapore au profit d'une action générique. Même si il reste plutôt habile derrière une caméra, offrant même un montage acéré et quelques moments musclés bien emballés, le manque de budget limite l'ensemble tout comme le miscast évident d'Eva Green pas très à l'aise dans le registre et se montre étonnamment peu convaincante dans son rôle.
Dirty Angels s'impose comme un thriller d'action peu engageant et qui se perd dans un spectacle qui prend trop à la légère un sujet qui aurait mérité plus de sérieux et moins de virages caricaturaux. Le film se maintient grâce à un certain savoir-faire à la réalisation mais l'écriture raté, le casting en demi-teinte et le manque de budget finissent par l'achever.

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Après un Challengers qui dynamisait vraiment son cinéma, Luca Guadagnino retombe un peu dans ses travers avec ce nouveau film trop long pour son propre bien, poseur et qui se perd dans ses propres réflexions.
On sent néanmoins que cela est un projet très personnel pour le cinéaste mais il ne parvient jamais à en saisir l'essence avec sa romance toxique et la pathétisme de ses personnages mais dont il ne parvient jamais vraiment à explorer leur mal-être et reste sur une représentation trop superficielle. C'est l'esthétisme qui l'intéresse mais à trop se regarder filmer, il peine aussi à imposer une mise en scène pleinement viscérale et reste sur une froideur ronflante tout en virant trop dans des élans psychédéliques plutôt bordéliques. Même si son casting s'avère excellent, notamment la performance habité et fiévreuse de Daniel Craig qui signe clairement une de ses meilleures prestations, le manque de focus dans l'écriture et la lourdeur de la réalisation peine à faire décoller l'ensemble.
Pourtant Queer ne manque pas de quelques passages vraiment incarnés mais on y retrouve un cinéaste qui se perd dans les longueurs de son récit où il tente parfois un peu trop citer son succès passé plutôt que d'amener son cinéma vers de nouveaux horizons comme il avait su brillamment le faire avec son précédent film. Il manque ici l'énergie et la folie pour vraiment transcender son spectateur et on reste face à une œuvre parfois inspirée mais assez vite limitée.

Annotation :

Film thérapeutique solide mais attendu, A Real Pain vaut surtout par les excellentes performances de Jesse Eisenberg et Kieran Culkin. Ils composent un duo attachant dans ce road trip sincère et touchant mais qui ne brille pas forcément par sa mise en scène trop conformiste mais témoigne d'une jolie sensibilité d'Eisenberg en tant que cinéaste.

Annotation :

Avec Mickey 17 Bong Joon-Ho signe un film un peu best-of où il réunit tout ce qui fait le sel de son cinéma sans parvenir pour autant à vraiment l'emmener vers de nouveaux horizons. Sa satire sociale amuse et vise juste mais reste un peu trop dans le sillage d'un Snowpiercer ou d'un Okja pour vraiment épater. Reste qu'on est face à un blockbuster plus malin que la moyenne, habilement mis en scène et tenu par un excellent casting avec en tête un Robert Pattinson qui démontre encore une fois l'étendu de son immense talent. Une réussite.