Le Free Jazz dans tous ses états

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1949

La première trace phonographique d'une forme d'improvisation libre est l'enregistrement des morceaux de Lennie Tristano pour Capitol en 1949, "Intuition" et "Digression", qui sont les deux premières tentatives d’improvisation totalement libres (atonales et sans matériel thématique initial) de l’histoire du jazz. Ces enregistrements n'auront toutefois pas d'influence directe sur le mouvement free jazz à proprement parler.

Ces plages, la plupart en sextet (Konitz et Warne Marsh étant aux saxophones et Bauer à la guitare) sont une parfaite démonstration du côté novateur mais aussi de la richesse de la musique de Tristano. Parlant de ses titres, Lenny Popkin, saxophoniste et élève de Tristano, a écrit « C’est de l’harmonie free, mais c’est de l’harmonie. C’est là où je fais la distinction entre le free de Tristano et ce qu’on a appelé plus tard free jazz, la rencontre de musiciens qui, le plus souvent, soufflaient chacun de son côté. Chez Lennie, l’harmonie, la mélodie et le rythme ont une égale importance, de même la communion d’esprit entre les musiciens. Ils jouent les mêmes éléments que les gens qui jouent des standards. »

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1956

La musique de Charles Mingus va aussi dans la direction du free, particulièrement avec ses albums "Pithecanthropus Erectus" (1956), "The Clown" et "Tijuana Moods" (1957), dans lesquels il emploie une technique qui consistait à fredonner les thèmes à ses musiciens, et les laisser déformer la mélodie à leur guise.

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1963

Au milieu des années 1950, le saxophoniste Jackie McLean explore un concept qu'il appelle « The Big Room », où les règles strictes du bebop pouvaient être assouplies, ou abandonnées, selon la volonté du musicien. De 1962 à sa mort, il incorporera dans le hard bop les innovations du jazz modal et du free jazz.


Avec ce "Vertigo" il s'émancipe petit à petit du be-bop et du hard-bop alors en vogue. Il se soustrait surtout à l'influence de son mentor, Charlie Parker dont il avait hérité du saxophone, s'engageant dans la voie tracée par un autre altiste, Ornette Coleman, avec le free jazz. S'écartant des règles fixes du be-bop, McLean s'octroie ainsi de plus en plus de liberté. La première séance d'enregistrement comprend deux jeunes musiciens qui vont bientôt beaucoup faire parler d'eux, surtout aux côtés de Miles Davis : Tony Williams, dix-sept ans, et Herbie Hancock, vingt-deux ans.

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1967

Quatre ans plus tard, Jackie McLean enregistre, toujours pour Blue Note, l'album "New And Old Gospel" qui s'inscrit encore plus délibérément dans le free.

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1956

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1959

La date de naissance du free est plutôt considérée comme étant les années 1959/1960, avec les albums d'Ornette Coleman Something Else! (1959), Tomorrow is the Question (1959), ainsi que les deux premiers albums de Cecil Taylor (Jazz Advance et Looking Ahead). Ces albums contiennent encore une structure semblable à celle du bebop et du hard bop.

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1959

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1959

Dès ses premiers enregistrements en 1958, l'altiste Ornette Coleman, secondé par le cornettiste Don Cherry, attire sur lui excommunications et sarcasmes en expérimentant une musique où l'on allait bientôt repérer l'amorce du free jazz. Alors que la révolution parkérienne n'a pas encore fini d'ébranler le petit monde du jazz, Coleman décide d'appliquer au bop le traitement que celui-ci avait imposé au style classique.

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1959

Le tournant décisif fut le déménagement d'Ornette Coleman à New York, et sa signature chez Atlantic Records, où il enregistra les albums The Shape of Jazz to Come et Change of the Century qui marquèrent une rupture importante avec ses travaux précédents. Il reste encore une trace de la structure thème-improvisation-thème, mais la grille a disparu, les harmonies ne sont plus reconnaissables, et les improvisations ne sont en conséquence plus limitées par la structure de la grille harmonique.

Cet enregistrement propose un travail novateur qui a aidé à mettre en place le mouvement free jazz. Le jazz avant-gardiste s'est plus tard différencié de cette approche, mais elle a jeté les bases d'un format exploité par l'avant-garde et le free jazz. La nouvelle idée de Coleman est de laisser de côté le jeu instrumental avec les accords. Chaque morceau contient une courte mélodie, un peu comme l'air d'un morceau de jazz classique, puis quelques minutes d'improvisation libre suivie d'une répétition du thème principal. Une construction qui semble être similaire à une structure classique head-solo-head caractéristique du bebop, mais il abandonne ici l'utilisation des progressions d'accords ... Le musicien Chris Kelsey le range parmi l'un des 20 albums essentiels du free jazz dans son essai intitulé "Free Jazz: A History subjective" sur le guide musical "Allmusic" ... Steve Huey y commente l'album et déclare notamment que « toute compréhension du jazz avant-gardiste doit commencer ici »

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1960

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1961

Cet album est sans aucun doute son album le plus contrasté ; trois titres aux développements plutôt reposés enchassés dans une succession de titres qui, plus que jamais, veulent définir un discours clair et limpide, uniquement guidé par le désir impérieux de s'exprimer au travers du filtre de ce jazz que l'on dit libre ... aux côtés des presque hard bop "Blues Connotation" ou "Poise", dû en grande partie au jeu de Blackwell, il faudrait être sourd pour ne pas entendre la subtilité et la finesse d'écriture qui sont pourtant à l'origine d'une merveille comme "Beauty is a Rare Thing", pathétique et poignant ... dans le même ordre d'idée, plus surprenante est la reprise du standard de George Gershwin, "Embraceable You", que sa superbe plastique est amené à subir les contorsions passionnés des instruments à vents ... Ornette Coleman trace sa route, sans trop se préoccuper des railleries qu'amène sa vision toute particulière de la musique ... il avance, tout en ignorant, peut-être, qu'il est sur le point de lâcher un gros pavé dans la mare.

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1961

Lorsqu'Ornette Coleman intitule un disque de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation, où un double quartet improvise simultanément, le nom du disque devient celui du mouvement.

La déclaration de Coleman : « Let's play the music, not the background » fait fureur. Il entend par là que le musicien doit s’affranchir des modèles et schémas traditionnels qui canalisent le jeu des musiciens de façon prévisible. C’est le 21 décembre 1960 qu’il franchit avec un radicalisme inattendu une étape décisive : l’improvisation ne doit plus être comprise comme « succession », mais comme « simultanéité ». Le saxophoniste réserve pour cet enregistrement en studio un octuor où chaque instrument est joué par deux musiciens.
Les musiciens des deux quartettes, chacun sur un canal stéréo, ne reçoivent que des instructions plutôt vagues pour travailler : tout devient une question de réaction au jeu de l’autre quartette, ce qui implique de faire appel à des trésors d’imagination. Ornette Coleman innove ainsi en jouant de la musique à plusieurs voix, en se libérant des schémas figés. L’imprévisible se transforme en son. Coleman intitule son album « Free jazz », et donne un nom à cette nouvelle manière de jouer et à cette nouvelle attitude.

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1961

Après Miles Davis, Coltrane explore à son tour la tradition modale hispanique (accord, demi-ton supérieur, ton supérieur et retour) sur un morceau qui dure 18 minutes mais il le fait à sa manière, plus énergique, et à nouveau au soprano sur un rythme en 3/4. Outre Tyner et Elvin Jones, Freddie Hubbard est à la trompette et George Lane, qui est crédité à la flûte, est en fait Eric Dolphy venu jouer sous un faux nom. Quant aux contrebassistes, ils sont deux, Art Davis et Reggie Workman, parce que Coltrane souhaitait entendre derrière lui plus de variété rythmique.

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1961

Musicalement, c'est l'une des plus belles réussites de Coltrane. Au moment de sa sortie, affirmer que c'était le meilleur album jamais publié par Coltrane n'avait rien d'une hérésie. C'est l'un des plus beaux disques de jazz jamais produit. Les compositions limpides sont servies par des arrangements somptueux et des musiciens exceptionnels. L'album ne souffre d'aucun temps mort, littéralement illuminé par chacune des interventions des différents solistes.

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1964

Au répertoire, des standards, le langage commun à tous les jazzmen, de bons vieux saucissons usés jusqu’à la corde, Bye bye black bird, Billie’s bounce, Summertime, On green Dolphin Street, joués et réjoués (ces mêmes thèmes que les jeunes néo-boppers s’amusent à interpréter très sérieusement en costume Armani). Ils sont ici déjoués, déconstruits, décortiqués. Albert Ayler en fait de la charpie. Car il a la passion dévorante et la musique chevillée au corps, mais aussi le sens de l’humour tragique et de la parodie grinçante, avec ricanements et raillements. C’est ce qu’on appelle un saxophoniste ténor hurleur. Sa musique puise au fin fond de la tradition afro-américaine (negro spirituals, gospels), son énergie, d’on ne sait où. C’est une musique de fête, de transe et de folie, débordante d’allégresse, de violence et d’amour, une musique à la vie à la mort.

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1964

Dolphy n’est pas à proprement parler un free-jazzman, pas plus au saxophone qu’à la flûte traversière ou à la clarinette basse. En quête de liberté sur le plan formel, il conserve les structures dramatiques et qualifie lui-même son jeu de « tonal ». C’est en sondant les limites de la tonalité que Dolphy donne sa force à l’album « Out to Lunch! » ; il déconstruit et reconstruit intelligemment les structures musicales de ses compositions, sans jamais vraiment perdre le contact avec la tonalité et ses racines afro-américaines. Son passage progressif à la liberté n’est donc pas une rupture radicale, mais un processus logique ... La tension est palpable, le dynamisme très fort ; cette musique intellectuelle et complexe ne distille pas une atmosphère de froideur mais se révèle au contraire passionnante et vivante pour l’auditeur attentif.

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1965

Album-concept de John Coltrane enregistré en 1964. Il est considéré comme un album majeur du jazz, l'un de ses plus grands chefs-d’œuvre, l'un des plus connus et des plus accessibles ... Les éléments de liberté harmonique, l'atonalité en particulier, sont précurseurs des changements à venir dans la musique de Coltrane et du free-jazz; avant-gardiste il pousse le jazz de plus en plus loin et atteindra les limites de l'improvisation sur une trame modale. John Coltrane exprime successivement l'inquiétude, la tension, l'exaltation et l'apaisement

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1965

Avec cet album, Sun Ra se libère de toutes les obligations jusqu’alors associées au jazz de big band ... il rompt avec le principe habituel consistant à travailler par phrase instrumentale et surprend avec des constellations sonores changeantes et non conventionnelles, où il associe flûte, clarinette basse et soli ou rythmique de fond de basse frottée, avec des timbales et une multitude d’instruments percussifs ... les styles personnels de ses musiciens triés sur le volet sont indispensables au son du groupe de Sun Ra ... on peut entendre, sur cet enregistrement, plusieurs de ceux qui lui sont restés fidèles pendant des décennies : Marshall Allen au saxophone alto, John Gilmore au saxophone ténor et Pat Patrick au saxophone baryton ... Sun Ra joue du piano, mais aussi du célesta et du clavioline, précurseur du synthétiseur analogique ... bien que Sun Ra ait davantage cherché à exploiter la dimension électrique de ses claviers sur d’autres albums, il introduit ici sa conception atonale de la musique, aussi bien en tant que soliste que dans le jeu d’ensemble du groupe qu’il mène.

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1966

Il y a chez Albert Ayler une esthétique du cri et de l'incantation proprement bouleversantes et dont les secousses, après avoir ébranlé le monde du jazz dans la deuxième moitié des années 60, n'ont pas fini de provoquer émotion ou rejet. Une énergie, une puissance de souffle phénoménales, une rage intérieure mêlée d'une profonde tendresse, une approche syncrétique de la musique qui brasse hymnes religieux et nationaux, marches néo-orléanaises et militaires, calypso et gospel dans un même creuset avec une candeur confondante, mais sans intellectualisme ni naïveté, c'était tout cela Ayler et, pour l'époque, c'était sans doute trop.

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1966

« Heliocentric Worlds Volumes 1 & 2 » nous permettent de (re)vivre l’essence de sa création avant-gardiste ... au regard du renouveau apporté par Cecil Taylor, Ornette Coleman et l’Art Ensemble of Chicago, Sun Ra apparaît comme l’un des personnages clés du free jazz ... de par la nature des événements sonores collectifs qu’il a orchestrés, il reste tout à fait unique en son genre.

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1966

Dernier album studio publié du vivant de Coltrane, il constitue la transition entre la fin du quartet historique et l'ultime quintet (avec Pharoah Sanders). C'est aussi l'album qui est à la frontière des deux mouvements de ce qu'on appelle souvent la dernière période de Coltrane (qui débute après "A Love Supreme") ... il est d'ailleurs intéressant de rapprocher "Meditations" de "A Love Supreme". Enregistrés à seulement un an d'écart, ils présentent des similitudes : ce sont des disques de musique spirituelle conçus comme un tout. L'ordre des différents mouvements est pensé, et le travail d'écriture en amont non négligeable. Les deux albums partagent d'ailleurs une qualité d'écriture rarement égalée dans l'univers du jazz ... pour autant, l'écoute des deux albums montre surtout le chemin parcouru musicalement par Coltrane en un peu moins d'un an : il dépasse l'entendement. Alors que "A Love Supreme" se situe encore dans le prolongement des débuts du quartet, constituant d'une certaine façon son aboutissement, "Meditations" est un album de free jazz, où l'émotion, la puissance, la beauté et l'énergie brute s'impose à l'auditeur avec violence.

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1967

Clochettes, jeu percussif de Elvin Jones en totale adéquation avec le propos, chassé croisé lancinant entre les contrebassistes Donald Garrett et Jimmy Garrison qui en viennent aux archets, filets de flûte contrariés par des saxophones qui braillent comme des images cauchemardesques recurrentes qui vont et qui viennent dans nos esprits débousolés, un piano qui chante en guise de mémoire et puis le chant - introduction mémorable - de Joe Brazil qui nous donnerait presque l'illusion de participer à une messe noire. Disque plus flippé que vraiment flippant, le trop méconnu "Om" pourrait bien incarner la définition plus que parfaite d'un jazz devenu psychédélique.

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1967

Une belle démonstration des coups d’éclats de ce grand pianiste et un de ses disques encore facilement accessibles (la suite étant parfois nettement plus ardue !). A la tête d’une formation plutôt agitée (le saxophoniste Jimmy Lions, le trompettiste Bill Dixon, les contrebasses de Henry Grimes et Alan Silva, le tout complété d’Andrew Cyrille à la batterie), ce maître de l’avant-garde commence à esquisser un jazz mouvant et dense, grouillant de surprises, de petits coups de théâtre et d’improvisations échevelées. Un classique.

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1968

Brötzmann est considéré comme l'un des musiciens les plus importants du free jazz européen. Il est célèbre pour posséder un son de saxophone puissant, et un jeu énergique. Son disque Machine Gun enregistré en 1968 est devenu un classique du free jazz ... l'album est d'une violence extrême, considérée encore aujourd'hui comme insurpassée8,4,9. Pour le magazine Jazzman, il y a un avant et après Machine Gun pour la scène européenne du free jazz10. Outre la fureur impressionnante de l'album, c'est aussi la rencontre et la constitution d'une communauté de musiciens européens du free, ainsi que la présence de deux saxophonistes ténors qui sont devenus depuis des symboles de la musique improvisée: Brötzmann lui-même et Evan Parker.

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1971

Ce qu’il y a de vraiment intéressant dans les albums de Alice Coltrane, c’est toute la dimension spirituelle de sa musique. Par sa liberté et son approche, elle crée des ambiances enveloppantes, avec un mur de sons saturé par des clochettes, des instruments indiens, des percussions, les notes cristalline de sa harpe ... mais ce mur est loin d’être opaque, au contraire. Il est transparent et en perpétuel mouvement. Il semble presque danser avec notre âme et notre esprit, en les enveloppant doucement. En écoutant du Coltrane, on ne peut que fermer les yeux et lâcher prise. Écouter un album tel que celui-ci, c’est méditer pendant une heure; c’est laisser son esprit vagabonder dans les divers paysages qui s’offrent à nos oreilles; c’est ce perdre dans une rivière de sons, s’y baigner, pour ensuite revenir tranquillement à soi une fois l’album terminé.

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1973

Par un jeu de poupée russe effrayant, cet album, au départ publié sur le label Blue Thumb, a fait l’objet d’une réédition cd sur Impulse! vers 1998. Aussi est-il possible aujourd’hui pour le plus grand nombre d’écouter ces cinq titres, peut-être pas les plus aventureux de sa carrière, mais en tout cas résumant chacun parfaitement certains aspects essentiels de son mode d’écriture, et peut-être aussi une introduction idéale, un passeport, validé en bonne et due forme, qui incitera à de nouveaux voyages.

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1974

C'est avec un hommage poignant à Duke Ellington que s'ouvre cet album sombre, odyssée déchirante de 32 minutes faites de silences et de discrètes envolées. Le reste de l'album est peut être un peu moins évaporé mais reste dans une teinte très sombre. Les influences y sont diverses: le Rock, le Funk, la Bossa et une certaine tendance psychédélique ... Cet album est en fait extrêmement compliqué à décrire. Poser des mots sur cette musique hybride, hallucinée et sortie du cerveau d'un grand malade musical n'est pas chose facile. Comment expliquer le son d'un morceau comme "Rated X"? C'est un espèce de cri de rage hystérique amené par des orgues survoltés et une rythmique folle. On a dit une fois de ce morceau que c'était du Jazz-Punk.

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1974

Deuxième album de ce groupe de rock expérimental britannique dont les musiciens sont influencés dès ses débuts par la musique contemporaine, le jazz et les musiques improvisées ... cette formation a probablement été la plus à l'avant-garde des groupes de rock des années 1970 ...

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1993

Florilège de deux soirs de concerts, le disque assemble ses dédicaces au rythme imposé par l’ancien batteur du maître : celui de Giant Steps, d’abord, sur Part A – Gayle passant des aigus aux graves sous l’effet d’un grand solo d’Ali – ou celui, toujours aussi soutenu, de Part C – le ténor évoluant dans les hauteurs quand Parker se charge d’ensevelir ses interventions sous des cordes qu’il accroche par deux ... Part B et Part E donnent à entendre Gayle tituber pour avoir pris le parti d’une densité plus obscure, quand Part D déploie sur près de 30 minutes son incantation redoutable, faite des plaintes d’un ténor déchiré entre le souvenir du maître et l’affirmation nécessaire de l’élève et les emportements disparates d’une section rythmique éclatante ... l’hommage à Coltrane soignée par l’ardeur de ses plus convaincants disciples.

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2010

Masada est le nom d'un groupe de jazz créé par John Zorn, Joey Baron, Greg Cohen et Dave Douglas durant l'été 1993 ... le groupe a enregistré 10 albums de février 1994 à septembre 1997, ainsi qu'une série d'albums live ... le répertoire de Masada a été intégralement composé par John Zorn. Ce repertoire est désormais joué régulièrement par différents groupes dirigés par John Zorn : la formation originale, appelée Masada acoustique, mais aussi Electric Masada, Masada String Trio, The Bar-Kokba Sextet, et de nombreuses autres formations.