Penser l'art

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Lyotard conceptualise ici le premier le "figural" (terme proposé par Merleau-Ponty mais néanmoins pas autant conceptualisé), inspiré par la pensée Freudienne, et plus précisément concernant la formation des images de rêves. Impossible d'expliquer en quelques lignes la pensée de Lyotard, fort complexe, dense et riche (plus de 400 pages), disons néanmoins pour commencer que l'ouvrage s'intéresse comme son nom l'indique au discours et à la figure. Au discours , c'est-à-dire au système langagier en général, ce qu'il appel l'espace textuel, qu'il opposera à l'espace figural qui est celui de la figure. Je synthétise à outrance pour faire court et parce que je n'ai pas tout lu. J'ai passé sous silence principalement les parties sur le discours qui m'intéresse moins, bien que Lyotard arrive à rendre ça passionnant, pour me concentrer sur sa conception du figural qui est directement introduite par le premier chapitre "le parti pris du figural". Je recommande aussi chaudement le chapitre "La ligne et la lettre" qui synthétise clairement l'entreprise de l'ouvrage dans une opposition entre langage et figure. L'un n'est jamais au dessus de l'autre chez Lyotard, il ne cesse de dire que les deux se valent et qu'en plus le figural se trouve aussi dans le texte. Concernant l'inspiration freudienne le chapitre "le travail du rêve ne pense pas" et "connivences du désir avec le figural" sont parmis les textes les plus commentés et cités de l'ouvrage. Lyotard développe alors un mode d'analyse propre aux images qui prend ces distances avec les entreprises sémiologiques alors en vogue.
Le figural étant un concept fort abstrait, la lecture de ces textes permettent de saisir ses nuances "à la source", puisque chaque auteur en proposera sa version.

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Fernand Léger qui n'est plus à présenter, réalisateur d'avant garde, peintre, etc..., compile ici un ensemble de textes sur la peinture mais aussi en partie sur le cinéma. Ce qui ressort à la lecture de ses textes et sa grande confiance en la plasticité du cinéma, qui ne doit pas se réduire à une dimension dramatique. De plus certains textes esquisses une pensée de la figure humaine qui ne doit pas prendre le dessus dans la composition de l'image qui "n'est pas plus important(e) dans l'intérêt plastique qu'un arbre, une plante, un fragment de rocher, un cordage. » Ouvrage assez petit mais avec beaucoup de chapitres aux approches multiples.

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Pour le texte intitulé "le doute de Cézanne"

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Ouvrage condensant les théories de l'image les plus importantes. Un livre donc très important pour avoir une compréhension rapide des différentes théories et une présentation sommaire des auteurs majeurs.

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Ensemble de textes de Maldiney regroupés dans un seul ouvrage.
Pour le texte " L'art et le pouvoir du fond" ou Maldiney revient sur les relations entre forme et fond, autant dans l'ornementation que dans la peinture moderne. Il distingue aussi à la suite de Riegl et Wofflin le couple haptique-optique. D'autres textes sont intéressants, notamment celui sur l'abstraction. Comme il s'agit d'un recueil de textes vous pouvez sans souci vous reportez directement au chapitre qui vous intéresse.

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Ouvrage collectif.

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Je me suis intéressé ici aux deux premiers textes de Panofsky qui n'ont aucun lien entre eux puisque c'est l'éditeur qui a réunis les textes. Le premier concerne le baroque, et le deuxième le cinéma. Si le texte sur le baroque intéressera les néophytes, celui sur le cinéma n'est pas incroyable, il est assez daté, bien que contenant des remarques pertinente.

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Partant de la nouvelle de Balzac "Le Chef d’œuvre inconnu"
, Didi-Huberman produit une réflexion autour de l'incarnation en peinture, le désir du peintre, et la difficulté de rendre le corps vivant. La lecture de la nouvelle est absolument indispensable à la compréhension du commentaire qui se base quasi-exclusivement dessus bien que le texte dépasse largement le simple commentaire de texte. L'éditeur a eu la bonne idée d'inclure le texte de Balzac en fin d'ouvrage, vous n'avez aucune excuse.

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Comme toujours chez Artaud, l'ouvrage est un ensemble de textes au premier abord disparates mais qui sont pour le coup bien plus cohérents que d'habitude. S'il n'évite pas certaines répétitions (les textes sont regroupés après coup), la force d'Artaud réside toujours dans son style d'écriture très percutant. Accusant le théâtre de se complaire dans un théâtre de texte et de paroles, il propose en contre-partie un théâtre de la cruauté. Un théâtre qui redonne au corps un rôle premier, qui met la métaphysique dans les corps selon son expression.

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Pour les passages concernant les poètes, Homère, l'imitation et l'énonciation. Bien qu'il ne s'agisse pas du cœur de l'ouvrage, il était nécessaire de le mentionner.

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Concerne majoritairement la tragédie antique avec le couple dionysiaque-apollinien , mais analyse aussi la culture grecque.

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Quelques réflexions sur le beau et l'artiste.

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Un passage sur l'art comme imitation et simulacre. Mis en correspondance avec le sophiste qui trompe ses auditeurs.