Annotation :

Ave Maris Stella est une hymne chrétienne (VIIe ou VIIIe siècle), consacrée à Marie, qui appartient au répertoire grégorien. Diffusée d'abord aux monastères au Moyen Âge, celle-ci devint très populaire en Europe, notamment à partir de la Renaissance.

https://www.youtube.com/watch?v=hk8fx_kW52k

L'ensemble Amarcord offre une interprétation magnifique de cette hymne mais je n'ai pu malheureusement les trouver sur YT

Annotation :

Kol Nidre (judéo-araméen: כָּל נִדְרֵי « Tous les vœux ») est une prière d’annulation publique des vœux. Déclamée trois fois en présence de trois notables à la synagogue, elle ouvre l’office du soir de Yom Kippour et a, pour beaucoup, fini par le désigner. (existe depuis au moins le IXe siècle)

Introduite dans le rituel de prières en dépit de l'opposition d'influentes autorités gaoniques, attaquée au cours du temps par d'éminentes autorités médiévales, expurgée des livres de prière de nombreuses communautés progressistes au XIXe siècle, cette prière fut de surcroît souvent produite hors de son contexte par des antisémites et conduisit à la formulation du serment more judaico.

Elle n'en est pas moins restée, du fait de sa mélodie, l'une des pièces les plus populaires de la liturgie juive et a fait l'objet de maintes adaptations.

https://www.youtube.com/watch?v=JKi47fxaSx8

Version chantée à la synagogue : https://www.youtube.com/watch?v=fPIiQDICFFc
version de Max Bruch : écrite en 1880 pour la communauté juive de Liverpool : https://www.youtube.com/watch?v=XGzOozXt4ek

Pour en savoir plus sur ce cantique : https://harissa.com/news/article/kol-nidr%C3%A9-le-cantique-son-histoire-et-ses-l%C3%A9gendes

Annotation :

« Étoile resplendissante » appartient au recueil du Livre vermeil de Montserrat réalisé au XIVe siècle à destination des pèlerins se rendant à l’abbaye de Montserrat en Catalogne, un des hauts lieux de la piété mariale de la péninsule Ibérique. Il s’agit d’un chant qui se danse en ronde, rescapé d’un précieux volume largement réduit en cendres lors d’un incendie qui avait ravagé le monastère en 1811, pendant la guerre d’indépendance espagnole.
Les styles musicaux utilisés sont antérieurs à 1399 – ils remontent jusqu’à l’an mil – tandis que les langues utilisées sont le catalan, l’occitan ou le latin.

https://www.youtube.com/watch?v=-_TfMx-hf1M&list=PLXyRSgTq0lDn2F6sPiaFAJ6Ue4sthCXVw

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Hildegarde de Bingen (1098-1179) était une moniale bénédictine allemande. « O vis aeternitatis » (Ô force d'éternité) est un répons de musique sacrée médiévale que cette célèbre abbesse, mystique et compositrice allemande a composé. Ce chant spirituel est extrait de son immense recueil de chants liturgiques, la Symphonia harmoniae caelestium revelationum (Symphonie de l'harmonie des révélations célestes).

https://www.youtube.com/watch?v=_Vcv2HdApcs

Annotation :

Le roi de Castille Alphonse X, dit le Sage, (1221-1284) a supervisé ce qui est devenu un monumental recueil de chansons monodiques du Moyen Âge occidental. Santa Maria, strela do dia est l'une de ces 427 chansons en langue galicienne.
Composée entre 1250 et 1280, cette Cantiga est une œuvre mystique mais non destinée à la liturgie. On l’interprétait peut-être lors de fêtes en l’honneur de la Vierge, en l’accompagnant parfois de danses.

Dans le prologue à cette œuvre, le roi Alphonse X a écrit : « L’art du troubadour exige de l’entendement et de la raison, et bien que je ne possède pas ces facultés au degré que je voudrais, j’espère que Dieu me permettra de dire un peu ce que je désire. Et ce que je désire, c’est que la Vierge fasse de moi son troubadour. »

Les quatre manuscrits des Cantigas de Santa Maria sont les plus importants recueils de chansons monodiques de la littérature médiévale en Occident. Ils sont très richement enluminés et illustrés, avec en majorité de magnifiques représentations de musiciens.
les Cantigas ne sont pas écrites en castillan, mais en galaïco-portugais. En 1293, peu de temps après la mort d’Alphonse le Sage, on a recensé quelque vingt-six artistes salariés, comprenant aussi des danseuses. De passage à la cour du roi, des troubadours ont également apporté leur contribution à ce monument de poésie et de musique riche de 427 chansons monodiques espagnoles mystiques.
Dix pourcents de ces Cantigas sont des cantiques de louange ou hymnes à la Vierge. De nombreux thèmes musicaux ont été recueillis dans les différentes provinces espagnoles et même les pays voisins (Laon, Chartres, Rocamadour, Canterburry, Soissons), certains thèmes provenant de troubadours. Une fois mélodies et récits de miracles recueillis, il ne restait plus à l’équipe de spécialistes (lettristes, miniaturistes, experts en notation musicale) qu’à fixer par écrit les Cantigas.

Santa Maria, strela do dia: https://www.youtube.com/watch?v=HuPLZdfteEY

Autres pépites de ce recueil :
Introduction: https://www.youtube.com/watch?v=rBP8SuZgETk
A Madre de Jhesu Cristo : https://www.youtube.com/watch?v=VvzJkMTYpH4
Muito faz grand'erro : https://www.youtube.com/watch?v=_4DKZJ10Nrs

Annotation :

Aliénor de Bretagne a été la 16ème Abbesse de l’Abbaye royale de Fontevraud en 1304. Elle a légué à son abbaye le graduel (livre d'œuvres musicales pour la célébration de la messe). Ce graduel porte son nom.

Rex est admirabilis : https://www.youtube.com/watch?v=OmgTpDji7qA
Kyrie : Orbis Factor : https://www.youtube.com/watch?v=KoxvoCLupmc

On peut écouter ici son répertoire interprété par l'ensemble Organum de Marcel Pérès, spécialiste du plain-chant : https://www.youtube.com/watch?v=Kn6eUemXtyA

Pour en savoir plus : https://www.moyenagepassion.com/index.php/2016/04/01/orbis-factor-tire-du-graduel-de-fontevrault-dit-graduel-d-alienor-de-bretagne/

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Chant sefarade du 14e siècle

"La rose fleurit au mois de mai,
Mon âme s’obscurcit, souffrant d’amour
Souffrant d’amour.

Les rossignols chantent, soupirant d’amour,
Et la passion me tue, ma douleur redouble
Ma douleur redouble.

Viens plus vite, ma colombe,
Plus vite viens à moi,
Plus vite toi mon âme, car je me sens mourir
car je me sens
mourir.

La rose fleurit au mois de mai,
Mon âme s’obscurcit, souffrant d’amour
Souffrant d’amour.
Souffrant d’amour."

https://www.youtube.com/watch?v=cP1LdTat5oU

Interprétation de Luc Arbogast: https://www.youtube.com/watch?v=qajh51cDyNA

Annotation :

On trouve une variante du thème à la fin du XVe siècle dans la chanson de berger Rodrigo Martinez du Cancionero de Palacio.

https://www.youtube.com/watch?v=5v-KUtwZRYE

Annotation :

Miserere nostri est un motet sacré de Thomas Tallis, composé au XVIᵉ siècle pour cinq voix (a cappella).
L’œuvre repose sur une écriture polyphonique très équilibrée, au contrepoint fluide et à la texture claire, caractéristique du style anglais de la Renaissance tardive.

https://www.youtube.com/watch?v=JYHE7vyAc4w

Annotation :

Chanson (1534) à quatre voix (contre-ténor, ténor, baryton et basse) au texte plein d'humour.
En un peu plus d’une minute, Passereau anime pour nous une scène comique plus vraie que nature : on y entend quatre commères qui cancanent sur le pas de la porte. Chacune d’elle vante à qui mieux mieux les qualités de son époux (« il ne me courrouce, ne me bat aussi / il fait le ménage, il donne aux poulailles, et... je prends mes plaisirs »).
Les voix rendent très bien l'atmosphère de cancanage, on se croirait dans un poulailler!
Cette chanson a été très populaire et a fait le tour de l'Europe.

https://www.youtube.com/watch?v=nGRSuXqvDrE

Annotation :

Greensleeves est une chanson anglaise traditionnelle écrite en l'honneur d'une « dame aux manches vertes » (de green : « vert » et sleeve : « manche »).

D'après une légende populaire, elle aurait été composée par le roi Henri VIII (1491-1547) en l'honneur d'Anne Boleyn (1501 ou 1507-1536).

Greensleeves a probablement circulé sous forme de manuscrit, c'est-à-dire de « copie manuscrite », comme la plupart des musiques populaires de cette époque, bien avant d'être finalement imprimée. La première publication date de 1580, sous le titre de A New Northern Ditty of the Lady Greene Sleeves, malheureusement sans qu'aucun exemplaire de cette impression nous soit à ce jour parvenu, si bien que l'on ne sait pas qui a composé ce morceau.

Mon 9 vaut pour le morceau mais pas pour l'interprétation de Ray Bryant que je ne trouve pas bonne. Mais je n'ai trouvé aucune fiche sur SC qui me convienne. Je propose plutôt cette interprétation : https://www.youtube.com/watch?v=h5AqgjzlGp8

Autre bonne version à la guitare : https://www.youtube.com/watch?v=Htg3G2xWKt4

Annotation :

Chanson du XVe siècle, populaire pendant plus de deux siècles, recueillie par Jehan Chardavoine et publiée en 1576 dans un recueil de chansons monodiques.

C'est l'histoire d'une jeune fille qui se meurt d’avoir été mise au couvent contre son gré. Jehan Chardavoine l’inclut en 1576 dans une anthologie d’airs à une voix. La chanson était déjà dans tous les gosiers à son époque, et on la sait dérivée d’une chanson grivoise de Clément Janequin.

Une jeune fillette
de noble cœur,
Plaisante et joliette
de grand’ valeur,
Outre son gré on l’a rendue nonnette
Cela point ne luy haicte
dont vit en grand’ douleur.
Un soir après complie
seulette estoit,
En grand mélancolie
se tourmentoit,
Disant ainsi, douce Vierge Marie
Abrégez moy la vie,
puisque mourir je doy.
Mon pauvre cœur souspire
incessamment,
Aussi ma mort
désire journellement.
Qu’a mes parens ne puis mander n’escrire,
Ma beauté fort empire,
je vis en grand tourment.
Que ne m’a-t-on donnée
a mon loyal amy,
Qui tant m’a desirée
aussi ay-je moy luy,
Toute la nuict my tiendroit embrassée
Me disant la pensee
et moy la mienne a luy.
À Dieu vous de mon père,
ma mère et mes parens,
Qui m’avez voulu faire
nonette en ce couvent,
Ou il n’y a point de resjouissance,
Je vis en desplaisance
je n’attens que la mort.
La mort est fort cruelle
à endurer,
Combien qu’il faut par elle
trestous passer.
Encor’ est plus grand mal que j’endure,
Et la peine plus dure
qu’il me faut supporter.
À Dieu vous dy les filles de mon pays,
Puis qu’en cett’ abbaye
me faut mourir,
En attendant de mon Dieu la sentence,
Je vy en espérance
d’en avoir réconfort.

https://www.youtube.com/watch?v=WtkUZetMn2U

Annotation :

L'Orfeo est considéré comme l'un des premiers opéra, il reprend le mythe d’Orphée et Eurydice. Il fut créé le 24 février 1607 pour l’ouverture du Carnaval au Théâtre de la Cour de Vincent Ier de Mantoue.

La toccata est flamboyante, elle était jouée trois fois avant le lever du rideau en ouverture de L’Orfeo.

Toccata : vient de l’italien toccare qui signifie « toucher », cette pièce est écrite pour instruments à clavier (orgue, clavecin) dans une structure très libre, proche de l’improvisation.
« Toucher » l’instrument signifie tout d’abord « prendre contact avec lui ». Puis, plus tard, épater la galerie, faire une brillante démonstration de son talent pour montrer toutes les possibilités de l’instrument.

https://www.youtube.com/watch?v=mjpFi9bn1do

Annotation :

L'un des morceaux les plus sublimes que je connaisse. Je ne peux l'entendre sans avoir la chair de poule!

Le titre vient de l'incipit du Psaume 50. Cette musique a été composée vers 1638 elle a été conçue pour neuf voix a cappella, réparties en deux chœurs de 5 et 4 voix. Les versets pairs sont psalmodiés par le premier chœur tandis que les versets impairs sur un canevas polyphonique assez simple sont chantés et librement ornementés par le second. Après une dizaine de minutes, les deux petits ensembles vocaux ne font plus qu’un pour chanter les deux derniers versets du psaume.

Cette musique est si belle que le pape prend la décision de ne la faire chanter que deux jours par an : lors des matines du mercredi et vendredi de la Semaine sainte. Elle était interprétée dans la Chapelle Sixtine suivant un rituel durant lequel les prêtres éteignaient progressivement les cierges dans la salle. Il était interdit de la chanter en dehors de cette période ou de ce lieu, sous peine d’excommunication. Les partitions étaient enfermées à clefs et était est défendu de les recopier ou de les sortir du Vatican.

En 1770, Mozart assiste à ces fameuses cérémonies. Il n’a alors que 14 ans, mais c’est déjà un génie de la musique. Le 11 avril, en rentrant après avoir assisté à la première représentation, il est capable de retranscrire de mémoire le morceau. Quelques jours plus tard, après la deuxième cérémonie, il rectifie certains détails. Il n’écrit toutefois pas les fioritures, les ornements. Ce qui nous empêche encore aujourd’hui de connaître exactement l’œuvre d’origine. Elle échappe à ce moment au Vatican.

Au cours des siècles, le Miserere d'Allegri a connu des modifications dues à des ornementations vocales et à diverses interprétations. Son manuscrit original n'a jamais été retrouvé. Les notes aigues qui étaient réservées aux castrats sont chantées aujourd'hui par deux voix de sopranos.

https://www.youtube.com/watch?v=36Y_ztEW1NE

Annotation :

Athanase Kircher était un jésuite et un grand érudit de l’époque baroque. Il a transmis plusieurs exemples de la Tarantelle dans son traité Magnes sive de arte magnetica de 1641. Il s’y interroge à propos des effets de la morsure des tarentules et de l’antidote proposé traditionnellement, à savoir de danser la – Tarentelle, dont il rapporte plusieurs mélodies à jouer devant les victimes de ces bestioles, in cura eorum qui a Tarentula intoxicati sunt.

https://www.youtube.com/watch?v=RD6khYNpnS4

Annotation :

Che si può fare est une cantate de Barbara Strozzi, publiée en 1654 dans son opus 8 (Diporti di Euterpe).
Écrite pour voix soliste et basse continue, l’œuvre alterne sections libres et passages plus structurés, mettant en valeur l’expressivité du texte et la virtuosité vocale dans une écriture très théâtrale.

"Que puis-je faire ? Les étoiles intraitables
n’ont aucune pitié. Puisque le ciel ne donne pas un
peu de paix dans ma souffrance,
que puis-je faire ? Que puis-je dire ? Des célestes
désastres pleuvent sur moi tout le temps ; que
puis-je
dire ? Depuis que le traître amour refuse un répit à
mon martyre, que puis-je dire ?"

https://www.youtube.com/watch?v=pNrn5xY6C_4

Annotation :

Lamento de Didon, reine de Carthage, apparait à l’acte III de l’opéra Dido and Æneas (Didon et Énée) du compositeur anglais Henry Purcell, sur un livret de Nahum Tate inspiré de l’Énéide du poète latin Virgile (Ier siècle avant J.-C.).

Inspirée de Vénus et Adonis de son maître John Blow, l’œuvre fut composée vers 1684 pour l’éducation des jeunes filles d’un collège de Chelsea. Le thème de cette tragédie en miniature est celui d’un conflit entre l’amour et le devoir

https://www.youtube.com/watch?v=1g8zks-k5do

Annotation :

King Arthur est un semi-opéra en cinq actes sur un livret de John Dryden et une musique d'Henry Purcell. Il fut donné pour la première fois en mai ou juin 1691 au Théâtre de Dorset Garden de Londres.

L'œuvre raconte la quête du roi Arthur pour retrouver sa fiancée, la princesse Emmeline, enlevée par le roi Oswald. Les principaux personnages ne chantent pas mais sont présentés par les personnages secondaires.

Dans cet acte III : Philidel et Merlin ne parviennent pas à délivrer Emmeline car Osmond a ensorcelé les bois. Ils ont réussi toutefois à lui faire recouvrer la vue. L’odieux Osmond poursuit ses maléfices en transformant la campagne en un désert de glace et de froid, tandis qu’Emmeline repousse ses avances. Cupidon (soprano) descend du ciel et fait fondre la glace.

https://www.youtube.com/watch?v=qNSKxEhAh1Q

Annotation :

Œuvre composée vers la fin du XVIIᵉ siècle pour trois violons et basse continue.
La pièce repose sur une basse obstinée répétée tout au long du morceau, au-dessus de laquelle les voix supérieures entrent successivement en canon, avec des variations mélodiques progressives.

Ce canon a commencé à être connu à partir de 1960, grâce à l'interprétation de l'orchestre Jean-François Paillard. Depuis, il n'a cessé d'être décliné en de multiples interprétations et variations.

https://www.youtube.com/watch?v=H1L4sVxuKZg

Annotation :

La chaconne en fa mineur pour orgue est la plus connue parmi toutes celles que Pachelbel a composées. La date de sa composition est inconnue, mais l'œuvre étant la plus élaborée des Chaconne qu'il a écrites, elle a probablement été composée tardivement.

https://www.youtube.com/watch?v=Na5VT9Dmsg8

Annotation :

King William’s March est un air traditionnel britannique, généralement rattaché à la fin du XVIIᵉ siècle, souvent associé à l’arrivée au pouvoir de Guillaume d’Orange (William III) après la Glorieuse Révolution.
Le groupe Triskell en propose une interprétation instrumentale s’inscrivant dans l’esthétique des musiques celtiques, avec un arrangement moderne à partir d’un thème ancien largement diffusé dans les îles Britanniques.

https://www.youtube.com/watch?v=QsX60C0MpoY

Annotation :

Une œuvre traditionnellement attribuée à Tomaso Antonio Vitali, probablement composée à la fin du XVIIᵉ siècle, bien que l’attribution et la forme originale fassent débat dans la musicologie.
La pièce est construite sur une basse obstinée et se distingue par des modulations très audacieuses pour l’époque, surtout dans la version transmise au XIXᵉ siècle pour violon et basse continue.

https://www.youtube.com/watch?v=YRFAyH-lvxc

Annotation :

Venue de la péninsule Ibérique et même du royaume du Portugal vers la fin du Moyen Âge, la follia – ou folia (qui signifie littéralement « vain, fou, sans cervelle, qui a perdu la tête ») était une danse chantée, accompagnée à la guitare et aux percussions. Ce thème n'a cessé d'être repris par divers musiciens. A la fin du XVIIe siècle, il atteint son pic de popularité.

La version de Vivaldi (1703) est l'une des multiples versions du célèbre air.

https://www.youtube.com/watch?v=7v8zxoEoA_Q

Voir ma liste sur ce superbe thème qui continue d'inspirer aujourd'hui des compositeurs : https://www.senscritique.com/liste/la_follia_un_hit_venu_du_moyen_age/3854695

Annotation :

La Toccata et Fugue en ré mineur (BWV 565) de Jean-Sébastien Bach est l'ouverture d'orgue la plus célèbre, dramatique et immédiatement reconnaissable de l'histoire de la musique occidentale. Composée au début du XVIIIe siècle (vraisemblablement entre 1703 et 1707), elle incarne le génie impétueux du style baroque précoce.

Le morceau s'ouvre sur un motif fulgurant de trois notes descendantes à l'octave supérieure, immédiatement suivi d'un accord de septième diminuée tenu dans un silence suspendu, évoquant un coup de tonnerre théâtral.

La toccata (du verbe italien toccare, toucher) est une pièce de forme libre caractérisée par des contrastes extrêmes. Elle relève du style fantastique de la tradition d'Allemagne du Nord, imitant l'improvisation libre.

Le morceau enchaîne des cascades d'arpèges rapides, des traits de gammes virtuoses, des accords massifs et des solos de pédalier fracassants, simulant un dialogue passionné entre les différents claviers de l'orgue.

Au-delà des églises, la Toccata est devenue un pilier de l'imaginaire collectif mondial. Elle a été immortalisée par le film d'animation Fantasia de Disney (1940) dans l'orchestration de Leopold Stokowski, et est constamment réutilisée au cinéma pour installer une atmosphère d'épouvante, de gothique ou de puissance dramatique (comme dans Le Fantôme de l'Opéra).

https://www.youtube.com/watch?v=ho9rZjlsyYY

Annotation :

La Sarabande de la Suite en ré mineur HWV 437 est une pièce pour clavecin composée par Georg Friedrich Haendel au début du XVIIIe siècle (vraisemblablement entre 1703 et 1706).

À ses origines au XVIe siècle en Espagne et en Amérique latine, la sarabande était une danse populaire extrêmement rapide, sensuelle et jugée si indécente que le roi Philippe II d'Espagne l'avait interdite sous peine de châtiment corporel.
En voyageant à travers l'Europe (notamment en France), elle s'est ralentie et stylisée pour devenir une danse de cour solennelle à trois temps, caractérisée par un deuxième temps lourd et étiré. C'est cette forme noble et théâtrale que Haendel adopte ici.

Sa grille harmonique et sa basse obstinée rappellent de très près La Folia, l'un des plus anciens thèmes musicaux européens, associé à la folie et au destin tragique.

Si cette œuvre à l'origine écrite pour un simple clavecin solo résonne aujourd'hui comme une immense marche funèbre orchestrale, c'est grâce au cinéma :
* Barry Lyndon (1975) : Le réalisateur Stanley Kubrick en a fait le fil conducteur musical absolu de son film historique. Réarrangée pour orchestre symphonique par Leonard Rosenman (ce qui lui vaudra un Oscar de la meilleure musique), la pièce est rythmée de façon glaçante par des coups de timbales dramatiques. Elle y symbolise la fatalité, la mort et la déchéance inéluctable du personnage principal.
* Une icône pop culturelle : Grâce au succès du film, cet arrangement est devenu mondialement connu. Il a été réutilisé dans le dessin animé historique français Il était une fois... l'Homme, dans de nombreux blockbusters, mais aussi échantillonné dans la musique pop et moderne.

https://www.youtube.com/watch?v=6lnGFib_WiU

Annotation :

En 1706, Haendel entame un voyage de trois ans en Italie qui le conduira à Rome, Florence, Naples et Venise. C'est à Rome, en avril 1707, qu'il achève la composition de son Dixit Dominus.

Haendel a alors 22 ans, bénéficiant de la protection et de nombreux bienfaiteurs romains, dont plusieurs cardinaux, qui l'ont accueilli bien qu'il soit luthérien, il compose cette œuvre. Inspirée de compositions chorales de Vivaldi, cette œuvre par laquelle il fait son entrée musicale touche profondément les autorités religieuses qui lui proposent de se convertir au catholicisme... Ce qu'il refuse...


https://www.youtube.com/watch?v=x7UC68BeHCM

Annotation :

Le Concerto pour hautbois et cordes en ré mineur fut composé probablement en 1708 et devint l'une de ses œuvres les plus connues grâce à la transcription pour clavecin seul également en ré mineur (Concerto BWV 974) de Jean-Sébastien Bach. C'est aussi l'un des concertos pour hautbois les plus joués.
Dans le passé, et encore aujourd'hui, il a été attribué par erreur à son frère Benedetto Marcello et à Antonio Vivaldi.

https://www.youtube.com/watch?v=LLaI4oofrcA

Annotation :

France Musique : Pourriez-vous décrire cette œuvre à quelqu'un qui ne la connaît pas ?
Anne Queffélec : La "description" d'une œuvre est impossible parce que les musiques s'adressent à nous sur un autre plan que celui des mots. Et pour moi, la musique existe vraiment, plus que les mots qui ne peuvent pas tout dire. On entre vraiment dans l'indicible, mais cela ne signifie pas que le message est loin de nous. Au contraire, on peut recevoir des fragments, des décharges électriques ou ressentir des frissons en écoutant une œuvre à travers des modulations ou des harmonies. Le Menuet en sol mineur de Haendel a sur moi aussi un effet qui est d'ordre également physique, il provoque une émotion qui engage toute la personne. J’ai pu constater qu’il en est de même vis-à-vis du public. La pureté et la beauté de la pièce provoquent une émotion immédiate.

Vous souvenez-vous du moment où vous avez découvert ce menuet ?
Je ne pourrais pas situer exactement la date du moment où j'ai eu ce choc. Évidemment, je l'ai entendu pour la première fois par Kempff lui-même puisque c'était le premier enregistrement qui existait de cette pièce. De toute façon, elle m'accompagne depuis très longtemps et elle est devenue un bis fétiche. Elle induit une sorte d'apaisement et un recueillement pour les personnes qui sont présentes, qui écoutent. Je l'ai souvent jouée en bis après avoir joué avec les musiciens de l'orchestre. J'ai toujours été extrêmement touchée de voir qu'ils étaient émus par ce menuet tout simple dans sa pureté. Ils venaient souvent me remercier après, me parler de la pièce qu'ils découvraient avec, pour certains, les larmes aux yeux.

Pouvez-vous resituer le contexte de création de l’œuvre ?
Je connais le menuet "primitif" qui fait partie d'une suite de Haendel et qui n'a rien à voir avec la pièce qui a été ensuite métamorphosée par Wilhelm Kempff avec sa transcription. Pour ce menuet, il ne s'agit surtout pas d'un appauvrissement mais au contraire d'un enrichissement. Et Kempff le transforme, presque comme un matériau de base. Il en fait autre chose. Il transforme le caractère, les couleurs, le son, le timbre naturellement. Et il romantise en quelque sorte cette musique baroque.

Année de composition 1710-1717?

https://www.youtube.com/watch?v=LuwCatDkGZc

Annotation :

Le Stabat Mater (RV 621) d'Antonio Vivaldi est une œuvre sacrée majeure pour voix solo d'alto, cordes et basse continue, composée et créée en 1712 à Brescia.
Commandé en 1711 par l'église Santa Maria della Pace à Brescia, il est créé le 18 mars 1712 pour la fête des Sept Douleurs de la Vierge.

Redécouvert tardivement au XXe siècle lors de la Settimana vivaldiana à Sienne en 1939, ce chef-d'œuvre est aujourd'hui une référence incontournable de la musique baroque sacrée.

Andreas Scholl https://www.youtube.com/watch?v=gk89R9dEUkI

Toute l'oeuvre inteprétée par Philippe Jarousky : https://www.youtube.com/watch?v=BTHwodbnTrs&list=PLyrS5_ErY3KRlRa-DCtVrzmFQrOkoeBaH

Annotation :

https://www.youtube.com/watch?v=lvZlv0H4VIc