SCOTT Ridley - Critiques & Annotations

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Premier plan, premier éclat visuel, vu d’un œil rempli par la splendeur chaotique, aérienne et fumeuse d’un Los Angeles cyberpunk. Deckard, détective issu de l’imaginaire de Philip K. Dick, doit chasser des Replicants, des androïdes plus forts que leurs créateurs et qui se rebellent contre leur condition d’esclaves. Ridley Scott transforme l'idée de l'écrivain en film noir avec de somptueuses visions obscures, éclairées par les néons, les phares des voitures volantes ou encore les faisceaux de lumières artificielles des énormes publicités. Tous les éléments de "Blade Runner" visent à l’hypnose et à la contemplation. Les rues aux parfums tokyoïtes et l’architecture monumentale dorée au goût oriental donnent des vertiges sensoriels dans cette urbanisation étouffante, pluvieuse et folklorique. La sublime bande originale de Vangelis n’est pas étrangère à toute cette beauté visionnaire et colle parfaitement aux thèmes métaphysiques et théologiques de l’œuvre. Tandis que, chez Dick, les Replicants n'ont aucune empathie, confirmant à Deckard que celui-ci est un humain grâce à cette émotion qui peut naître en lui, le film du réalisateur alimente une ambiguïté sur qui est le plus réellement humain entre l'homme et la machine. Cette dernière peut avoir du désir et peut avoir des émotions, comme le confirme la sublime scène de Rutger Hauer qui s'éteint sous une pluie diluvienne. "Blade Runner" est donc un engouffrement futuriste dans la nature humaine, ainsi qu’une méditation mélancolique et mythologique qui ne laisse pas indemne.

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(Revu le 24/05/26)

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Ridley Scott ne réinvente pas le thriller d’espionnage, mais il a le mérite de réaliser une œuvre carrée sur un conflit complexe au sein du Moyen-Orient. Le cinéaste ne s’embourbe pas dans des explications fastidieuses et garde un cadre rigide sur son sujet, celui d’un espion de la CIA qui doit traquer un terroriste en Jordanie, aidé par son mentor qui le téléguide depuis Washington. Le cinéaste vise une approche mouvementée et réaliste de cette guerre géostratégique, qui s’imbrique dans des connexions et des flux d’informations, lesquels, comme le titre l’indique, sont faits de mensonges mais aussi de manipulations, d’apparences, de jeux d’influences et de fausse fidélité. L’homme de terrain campé par Leonardo DiCaprio n’est que le pion d’un État contrôlé par des agents qui décident des ordres à des milliers de kilomètres et à l’aide d’une simple oreillette, comme Russell Crowe qui incarne ce personnage ambivalent et méprisable. Le réalisateur reste peut-être un peu trop modéré et léger dans sa proposition, mais il gère convenablement la quête d’un homme sans cesse sur le qui-vive et qui va apprendre à devenir empathique avec une certaine région du monde harcelée par l'interventionnisme américain, dans un parcours égratignant.

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Sur le principe du dernier duel judiciaire, en 1386, Scott propose un récit en trois points de vue différents sur les mêmes événements, à la manière d'un "Rashōmon". Le sujet du film pourrait être celui de la vérité (où se cache-t-elle ? Qui a raison ? Qui ment ?), mais la troisième partie affirme que la vérité de la victime est la vraie. Ce choix surligne le thème du film : l’orgueil masculin et comment l'existence de cette femme se cogne à l'existence des hommes. L’auteur fait le choix de désamorcer l’ambiguïté de ce type de narration, mais garde la complexité de ses sujets dans un duel final tendu, à la brutalité sanglante et d’une féroce noirceur. C'est une charge anti-romantique et une vision âpre du monde féodal, quadrillé par des alliances, des administrations, des allégeances et des contrats. Une charge aussi contre les hommes-bourreaux convaincus de leur vérité et de leur point de vue, qui tentent vainement de garder une position dominante à travers une lutte de domination, de possession, d'influence, d'honneur, de classe et de jalousie. On pourrait pointer le côté passe-partout de la reconstitution, ainsi qu’une esthétique trop similaire entre les parties, donc trop redondante, mais le film reste rigoureusement efficace et réflexif.

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En partant de l’assassinat de Maurizio Gucci, Ridley Scott offre un portrait historique plus approfondi sur la femme de l'homme, la marionnettiste tirant dans l’ombre les ficelles. Le film prend des airs d'une tragédie dynastique et d’une fresque opératique en exposant des personnages ambigus, à l'image de Patrizia, qui jongle entre cupidité, soif de respect et de pouvoir, et amour pour Maurizio. Il se veut une œuvre tragi-comique sur la décadence d’un univers bling-bling, sophistiqué et classieux, qui, derrière ce luxe apparent, cache un monde grotesque, vénal et obnubilé par la trahison. Le réalisateur filme de l'intérieur un système d’une noble généalogie en déliquescence, un système dont la famille s’entredévore et se vampirise, pour chuter inévitablement comme celui de l’Empire romain. Mais, contrairement au "Parrain", bien loin de sa qualité, l’auteur et sa misanthropie habituelle ajoutent une couche de farce bouffonne et cynique critiquant l’escroquerie que peut être l’art. L’art, pour Scott, est dirigé par des vieillards faussement prestigieux, attendant la mort et prêts à tous les compromis pour avoir du profit. Ils sont des êtres supérieurs au bord du crépuscule, remplacés dans un cycle infini de dieux déchus et dont le destin faillible les remplace en boucle. L'idée est bonne, mais l'exécution est assez pantouflarde.

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Avec son "Napoléon", le cinéaste se demande : que reste-t-il de ce dernier si on lui enlève sa dimension légendaire, son destin épique et sa gloire nationale ? Il ne resterait rien, uniquement les innombrables morts dont il est le responsable, ainsi qu'un mythe déchu, décédé sans panache et aussi fragile que le regard porté à une momie oubliée par l’Histoire. Le portrait fait par Scott est celui d’un homme à la fois charismatique, détaché, froid, grotesque, immature et amoureux transi. L'auteur veut évidemment démythifier le personnage avec une tonalité parfois burlesque et ironiquement comique, puis montrer les zones d’ombre de la légende tout en enlevant sa substance symbolique pour en faire une œuvre épique en trompe-l’œil. C’est dans sa relation avec Joséphine que l’Empereur, mari jaloux et fébrile, dévoile sa nature violente et ses angoisses œdipiennes, comme si c’était sa relation avec elle qui l’avait poussé à conquérir le monde. Cette idée de déconstruction n’est présente qu’un temps, car le récit est troué par de trop nombreuses ellipses et par la tendance de l’auteur à retomber dans la fresque historique classique, avec ses tableaux spectaculaires et fastueux, mais académiquement dévitalisés.