Top 10 Cinéma 2022

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Bête de scène. Adapté du roman "Le Roi Chien" d'Hideo Furukawa, lui-même inspiré par l'intrigue du "Dit des Heike", ce long-métrage d'animation japonais met en scène, à partir d'une histoire de rencontre entre deux marginaux, un rapport salvateur entre l'art libéré de tout carcan et la communauté. Son réalisateur Masaaki Yuasa sait provoquer les sens du spectateur avec un traitement de l'audiovisuel hors-du-commun : l'animation s'assujettit à la métamorphose progressive d'un être difforme, devenant hybride et imprévisible, alternant le dessin traditionnel, des esquisses et même des scènes imitant le pointillisme, tandis que la bande-son étonne entre la chanson de geste médiévale et le rock endiablé. "Inu-Oh" est à son meilleur, en tant que spectacle sensoriel, lorsqu'il met en pause son récit et se consacre aux scènes de concert. A ces instants précis, se dégage une énergie enivrante qui élève le potentiel créatif de son dispositif technique. Parmi les scènes de bravoure de cette fresque musicale, je retiens la rencontre entre la créature difforme, s'amusant à effrayer tous les passants en ôtant son masque, et le joueur de biwa aveugle, dont la caméra embrasse de manière inattendue son point de vue, fait de lignes abstraites et d'impressions de couleur dorée, laissant au spectateur le temps de ressentir et d'interpréter ce que lui inspire cette "vision au-delà du visible". Magnifique !

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L'art de raconter des histoires. Après la frénésie caniculaire de "Mad Max : Fury Road", George Miller s'autorise une méditation sur la narration, en délivrant un long-métrage paradoxal car partagé entre des histoires à la tonalité épique et le choix d'une chambre d'hôtel comme l'espace dramatique majeur. Focalisé sur la relation entre une narratologue sceptique (Tilda Swinton) et un génie (Idris Elba) qui a traversé plusieurs époques de l'Histoire, "Trois mille ans à t'attendre" mêle, de manière surprenante, les discussions philosophiques portées sur la relation entre le monde et le mythe avec le cadre oriental des contes de princes et de princesses. Pour réussir à équilibrer les ambitions de cette oeuvre, le réalisateur australien adopte une narration particulière et envoûtante avec les récits enchâssés ; s'entrelacent alors la relation entre les deux personnages principaux et les nombreux récits de vie du génie, la vie ordinaire et le fantastique, le geste romanesque et le drame à hauteur d'humain. Si l'ensemble s'avère indigeste par instants, voire trop expédié dans les dernières minutes, "Trois mille ans à t'attendre" déroule une poétique du monde envoûtante, confrontant l'érudition d'une chercheuse en narration et le caractère puissant d'une créature magique ayant traversé le temps et l'espace. Le long-métrage se montre à la fois ambitieux et intimiste, invitant le spectateur dans un kaléidoscope de récits mythiques, poétiques et enivrants.

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Démons intérieurs. Film hybride, mêlant animation pixellisée et marionnettes, "Les Démons d'argile" propose un passage entre deux mondes, l'un technologique et l'autre bucolique. Ce parti-pris, pouvant être rebutant au départ, n'est pas superflu. Il met en images la sensibilité à fleur de peau de Rosa, ayant perdu son grand-père et redécouvrant la maison de son enfance. Face au tout numérique hyperactif, le long-métrage opère un glissement nécessaire vers un cadre épuré et apaisant pour faire naître une émotion sincère et cathartique. Réflexion sur le deuil pour les enfants, ce long-métrage réalisé par Nuno Beato fait preuve d'une sensibilité forte. La figurine est ici utilisée pour illustrer le vécu du personnage, à la fois l'innocence de l'enfance et les démons du passé qui resurgissent le temps de son séjour nostalgique. Fantastique et émouvant !

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La caverne (re)visitée. "Il buco" est un film alternant l'agonie d'un paysan et l'exploration d'une grotte par des spéléologues. Si ces deux parties ne sont pas liées entre elles, elles offrent un voyage similaire, à savoir une rencontre avec l'indicible du monde. Le silence imposé et l'image bucolique ou fragmentée par l'ombre dans la caverne rendent l'expérience encore plus immersive.

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La bête humaine. Les premières minutes donnent immédiatement le ton du long-métrage : un cheval est immobilisé par deux hommes avant de se faire abattre. De cette introduction, "As bestas" garde cette énergie méthodique de la violence et l'applique au genre humain. Le conflit entre voisins qui est mis en scène par Rodrigo Sorogoyen captive par son sens du rythme, traduisant à merveille une menace lancinante qui pèse sur le couple formé par Denis Ménochet et Marina Foïs. Loin de tout manichéïsme, le réalisateur dépeint un rapport empli de fatalité entre tous les personnages, les voisins galiciens (dont Luis Zahera, habité par son rôle) étant des laissés-pour-compte à la rage intérieure. Dans cette histoire réaliste, parfaite tragédie, l'humain laisse place à ses instincts sauvages. Malgré une deuxième partie un peu trop réminescente de "Madre", film précédent de Sorogoyen, "As bestas" se révèle haletant jusqu'au bout.

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Savoir lâcher-prise. En suivant le quotidien d'une jeune hôtesse de l'air, Emmanuel Mare et Julie Lecoustre mettent en oeuvre le portrait d'un mal-être persistant faussement ignoré par la jeunesse contemporaine. D'abord sous une forme documentaire, les réalisateurs démontrent que quelque chose de fragile sommeille en Cassandre, brillament interprétée par Adèle Exarchopoulos : alors qu'elle enchaîne les soirées arrosées et les rencontres en ligne, la jeune femme, voulant vivre au jour le jour, doit cacher ses débordements émotionnels sous un masque social, au travail comme à la vie privée. A partir de cette dynamique oscillatoire, "Rien à foutre", dépeignant une vie presque vécue de manière fantômatique, étonne par sa capacité à dresser un regard critique mais juste sur notre rapport au monde.

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Mon nom est personne. Bouli Lanners, acteur-réalisateur belge, se consacre dans son nouveau film à faire le portrait d'un personnage-fantôme au coeur d'un paysage désolé. Après un accident, le personnage qu'il incarne perd sa mémoire. Etranger au sein de la communauté d'un village écossais, il devient un inconnu pour lui-même. La mise en scène crépusculaire de Bouli Lanners retranscrit cette perte de l'identité au travers d'une narration visuelle qui passe par l'omniprésence de reflets et de miroirs. Dans ce décor naturel épuré, le spleen entre en jeu par l'intermédiaire de Millie (Michelle Fairley), une femme sans attaches qui va nouer un lien avec notre personnage principal - lien jusque-là inexistant. En mettant en scène un être vu comme un étranger, par lui-même et le monde, "L'Ombre d'un mensonge" est une oeuvre douce-amère qui, par son rapport au silence et les faux contacts entre les personnages, construit avec intelligence et sobriété une poétique de l'ineffable.

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Monstre-caméra. Après être passé par le cinéma d'horreur avec l'oscarisé "Get Out" et "US", Jordan Peele s'essaie au genre de la science-fiction, en racontant la résistance d'un frère (Daniel Kaluuya) et d'une sœur (Keke Palmer) face à une soucoupe volante qui erre autour de leur ranch. Celui-ci est adjacent à un parc à thème consacré en partie aux imaginaires cinématographiques. Sur la base conventionnelle d'une invasion extraterrestre, le film construit un discours imagé sur notre rapport aux images et sur l'héritage de la chronophotographie, les deux personnages principaux ayant pour ancêtre le jockey sur la série de photographies "Animal Locomotion" de Muybridge. J'avoue être mitigé sur l'ensemble : si les thématiques abordées sur la captation des images servent pertinemment une mise en scène plutôt suggestive, frustrant le spectateur à raison, le divertissement suscité par le réalisateur, qui est fortement inspiré par "La Guerre des Mondes" et "Les Dents de la Mer" de Steven Spielberg, se révèle terne et aplani par un rythme en dent de scie. Il en ressort néanmoins dans ce "Nope" la vision d'une société du spectacle coincée dans un état maladif, comme en témoigne le montage alternant entre deux temporalités, et un plan final hypnotisant sous forme de mise en abyme ; soit un cadre dans le cadre, ressuscitant une image-fantôme et perpétuant ainsi son pouvoir d'adhésion, inscrite à jamais dans la mémoire collective.