Top 10 Cinéma 2023

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Errance créative. Autofiction pour Michel Gondry, réalisateur connu pour son inventivité artisanale, à travers notamment "Eternal Sunshine of Spotless Mind" (2004) et "La Science des rêves" (2006), "Le Livre des solutions" tire son inspiration d'une expérience survenue durant le tournage d'un de ses films. Le spectateur suit un jeune cinéaste, Marc Becker, tenter de finir son film, délocalisant les prises de vues et son équipe chez sa tante au coeur d'un village dans les Cévennes. Or, Marc n'arrive pas à se concentrer sur le montage. En abordant sa propre bipolarité, Michel Gondry ose l'autoportrait à travers la figure de ce réalisateur inventif, hyperactif et capricieux. Ce dernier, incarné par Pierre Niney, accumule les idées qui l'éloignent de sa création et joue donc l'équilibriste en ayant le goût du risque, poussé par son envie de tout contrôler, tout en étant envahi par une pulsion autodestructrice. En témoigne une séquence proprement hallucinante dans laquelle le réalisateur incontrôlable décide de diriger lui-même un orchestre local dans le but d'avoir la musique pour son film, reposant de ce fait dans un équilibre précaire entre l'improvisation dangereuse pour le personnage principal et l'harmonie musicale apportée par les musiciens. Cette scène illustre à merveille l'énergie déconcertante et imprévisible de tout le long-métrage, qui fait correspondre la réalisation à l'esprit instable de Marc. Des débordements de la fiction (irruption de courts-métrages au cours de l'histoire) jusqu'à un jeu sur l'espace-temps (d'une scène à l'autre, Marc profite d'une ellipse dans l'histoire pour éviter une conversation et aller dans un autre décor), "Le Livre des solutions" dépeint les dérives de la création, à la manière de "Huit et demi" (1963) de Federico Fellini. Marc est un électron libre, un clown triste qui navigue entre ses émotions dispersées et le soutien de son entourage, en particulier sa douce tante (interprétée avec justesse par Françoise Lebrun) en tant que boussole morale. Rythmé très aléatoirement, le long-métrage de Michel Gondry est conçu comme un film-cerveau (littéral) troublant et fascinant, traduisant à la fois une folie créative et une détresse réelle venant du personnage central. D'un plan fixe qui met en scène le jeune cinéaste seul face à une gigantesque prise électrique vide, suggérant sa panne d'inspiration, il ressort une fragilité sincère qui apporte une part d'humanité à une comédie excessive placée dans un cadre intime.

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Pacte avec le diable colon. Adapté d'un roman écrit par le journaliste américain David Grann en 2017, le nouveau long-métrage de Martin Scorsese se focalise sur une manigance criminelle visant une famille riche d'indiens Osage dans les années 1920. Sur fond d'enquête sur des meurtres, l'histoire, se déroulant sur 3h26, navigue de façon inégale entre trois points de vue : Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio, insupportable dans un jeu peu naturel), vétéran de la Première Guerre mondiale qui devient l'âme damnée de son ombrageux oncle (interprété par Robert De Niro, au contraire plutôt sobre) ; Tom White (Jesse Plemons, efficace), agent du futur FBI qui enquête sur l'affaire des massacres Osage ; Mollie (Lily Gladstone, vraiment convaincante dans une interprétation poignante, mais dont le talent est trop sous-exploité), une Osage visée comme une "poule aux oeufs d'or" par plusieurs éleveurs américains. Cette dernière, au centre des tensions majeures de cette fresque historique, est malheureusement releguée au second plan, alors que les problématiques qui l'entourent au fil de sa mésaventure auraient pu renforcer la dynamique oppressante du film. Parce que "Killers of the Flower Moon" tire sa réussite d'une atmosphère ténébreuse véritablement prenante ; le spectateur assiste à une forme de cercle vicieux au sein d'une communauté, une tension lancinante et pesante qui se resserre sur une tribu promise à un bel avenir avant de sombrer en plein cauchemar.

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Jeu de faux-semblants. Le réalisateur prolifique Quentin Dupieux, après son précédent film "Fumer fait tousser" qui multipliait les personnages et situations décalées, propose un peu l'inverse avec "Yannick". Cette fois, un seul espace-temps linéaire : une salle de théâtre qui devient le lieu d'une prise d'otage particulière. Un spectateur insatisfait (Raphaël Quenard) interrompt un mauvais vaudeville et impose aux comédiens une autre alternative. Le cinéaste adepte de l'absurde construit un rapport de force inversé à partir de l'art et de sa réception : le spectateur insignifiant interroge, par sa prise de parole, la légitimité de la pièce de théâtre et prend la place de l'auteur-"créateur". Grâce à un tournage en temps réel, Quentin Dupieux prend le temps d'établir cette situation incongrue pour distiller progressivement un malaise palpable, une certaine tension derrière la comédie. De ce fait, "Yannick" surprend par son côté acerbe niché au coeur d'une forme minimaliste. Le temps en suspens fait tomber les masques rieurs des comédiens sur scène, dont le jeu en apparence posé se heurte à la gouaille naturelle du fameux spectateur dissident. La confrontation entre ces caractères en présence fait naître un enjeu précis au-delà de la durée de la prise d'otage : qui réussira à capter l'attention (et l'empathie) du public retenu contre son gré ? "Yannick" est une vraie tragi-comédie, puisant dans l'énergie des quatre acteurs principaux pour mettre en scène des personnages en constante représentation devant des spectateurs perdus. Au milieu d'une situation tendue, rythmée avec précision et orchestrée avec des dialogues percutants, se distingue Yannick le spectateur rebelle, tantôt ordinaire dans ses intentions (vouloir être diverti par une pièce), tantôt imprévisible dans ses actions.

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Inquiétante étrangeté. Adrien Beau, le réalisateur, fait preuve de son talent de plasticien avec l'adaptation de la nouvelle "La Famille du Vourdalak" (1884) de l'auteur russe Alexis Tolstoï (publié avant "Dracula" de Bram Stocker) en tant que premier long-métrage. Le Vourdalak seul, fantôme squelettique d'un père dévorant le peu de vie qui reste des membres de sa famille, vaut le coup d'oeil et représente la quintessence poétique du film ; nous contemplons ébahis l'arrivée d'une marionnette, matérialisation parfaite d'un mort-vivant, au sein d'un lieu dominé par la superstition. Dans la droite lignée de "Nosferatu" (1922) et "La Sorcellerie à travers les âges" (1922), "Le Vourdalak" développe avec un réel soin une esthétique de la putréfaction des corps et des lieux et charme à travers plusieurs tableaux cauchemardesques, telles un dîner macabre, une scène d'amour et un rêve hypnotisants. De cette manière, Adrien Beau impose, certes avec un petit budget et un jeu théâtral partiellement assumé, un style flamboyant, réminiscent de la littérature fantastique du XIXe siècle et du courant artistique expressioniste, pour un film d'épouvante "à l'ancienne" à la forme simple mais à l'ambiance éthérée, inquiétante et fascinante.