Vu en 2026

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Premier film brésilien très réussi dans l'aperçu qu'il donne de Rio–la maison à la fois cossue, moderne et vieillotte de la Barra de Tijuca–et de la sensualité grossière et maladroite de l'adolescence. Les nombreux plans fixes donnent au film un côté documentaire qui n'est pas malaimable.

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Film français pas indigne mais "sans plus", malgré l'interprétation méritoire de Bastien Bouillon. Est-ce un film social sur l'ubérisation et les petits boulots ? Un film subversif sur la liberté retrouvée de l'artiste, à travers sa récusation du matérialisme ? On ne sait pas trop, et l'intérêt s'enfuit...

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On ne voit pas tous les jours un documentaire azerbaïdjanais ! Dans une vallée reculée, un projectionniste de l'ère soviétique cherche à ressusciter le cinéma d'antan, en duo avec un adolescent passionné de montage et d'animation. À partir d'une situation réelle, le documentaire est fortement scripté, au point qu'on peut se demander par moments s'il ne s'agit pas d'une fiction. Cela contribue à son charme un peu expérimental.

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Ce drame d'entreprise m'a semblé bien inférieur au remarquable *Entre le ciel et l'enfer*. Cette histoire de vengeance, celle du fils naturel tué par les machinations de ses patrons, n'a ni l'envergure narrative de cet autre Kurosawa, ni sa somptuosité visuelle. Le maniérisme un peu figé du film n'enchante donc jamais vraiment.

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Belle fable sur les ensorcelements de l'enfance, chez trois orphelines frappées par la mort successive des deux parents, le tout bien servi par la ritournelle de Jeanette ("Todas las promesas de mi amor se irán contigo"). L'hypocrisie et la dissimulation des adultes dans la bourgeoisie franquiste est capturée avec beaucoup d'ingénuité. La fin, peut-être un peu plus faible, ne donne aucun dénouement à la confrontation entre Ana et sa tante.

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Film assez charmant et drôle, dans le genre "comédie bourgeoise". Claude Rich est excellent en conseiller d'État affairé et homosexuel ; Bacri bougonne avec talent, en même temps qu'il ré-apprend à vivre aux côtés de la charmante Aurore/Zorica. Rien d'inoubliable, mais une composition tout à fait honnête.

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Bon Sautet sur un de ses thèmes obsessionnels : le drame de la vie qui s'écoule, insensiblement, pendant que les hommes luttent contre leurs petits problèmes... Le casting est remarquable–Piccoli toujours aussi magistral en médecin riche et aigri. Mais le film, qui se veut choral, est assez déséquilibré : Vincent (Yves Montand) et Jean (Gérard Depardieu) prennent la part du lion, tandis que les arcs de François et Paul sont vite traités.

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Film très réussi de Giannoli. Le principal reproche qu'on pourrait lui faire est d'être identique, à un siècle près, à ses *Illusions perdues* : c'est une histoire de compromission morale, soulignée très franchement par les nombreuses scènes de fête avec danseuses dénudées. Cela dit, il ne faut pas bouder quand le cinéma français parvient à un tel rendu de fresque.

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Curiosité expressionniste diffusée par la Cinémathèque française, composée de trois films très différents : une farce orientaliste aux décors en carton-pâte ; une sinistre plongée dans la Russie d'Ivan le Terrible ; et un épilogue très bref dans un "Luna Park" où rôde Jack the Ripper. Le cinéma des années 20 fascine toujours par sa qualité d'expérimentation formelle et sa plastique, même quand le fond est un peu léger.

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Superbe film de vacances, dans lequel un orphelin de père conduit dans la superbe demeure aristocratique d'un camarade d'école est initié aux jeux de l'amour en devenant l'innocent – puis de moins en moins – messager de Marian (splendide Julie Christie). La cruauté n'est jamais aussi belle que sous le soleil de plomb d'un été au Norfolk.

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Film impressionnant par la splendeur de ses plans et sa vision artistique, hypnotisante (une mention parmi d'autres aux scènes de voie ferrée se dissolvant dans les couleurs de l'arc-en-ciel). Les deux héroïnes du film se "dépravent", dans la violence, la gloutonnerie et la bizarrerie. Ces deux diablesses ne sont au fond désarmées que lorsque leurs petits tours laissent indifférents un jardinier et des ouvriers à vélo (concession au réalisme socialiste ?). La scène de fin, où les jeunes femmes cherchent à réparer le banquet saccagé, est splendide. Même s'il est convenu d'interpréter le film comme un ode à la liberté, je n'ai pu m'empêcher de prendre au sérieux ses moments de tristesse : la furie destructrice et profondément dérisoire des "petites marguerites" n'est-elle pas, au fond, le destin commun de l'homme sans Dieu ?

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Premier film intéressant pour la radicalité de certaines scènes – notamment la scène pornographique qui ouvre le film, ou la bataille phallique entre père et fils. Le jeune acteur principal, découvert en casting sauvage, est remarquable. Cela dit, l'essentiel du film n'échappe pas à une certaine conventionnalité, qui tourne parfois à la miévrerie, que ce soit dans la grammaire visuelle ou dans les dialogues.

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Remarquable documentaire qui nous fait explorer comme rarement la troisième dimension sonore du cinéma. Le dispositif sonore déployé par Philippe Béziat permet d'écouter un concert comme si l'on se trouvait dans l'orchestre lui-même – y compris, si vous avez eu la chance de le voir dans une salle de cinéma bien équipée, avec des effets de spatialisation qui mettent en relief la richesse inouïe des technologies modernes.

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Film sympathique, sorte de pendant français des nombreux romans et films sur les enfances juives new yorkaises (y compris l'idylle avec la jolie shiksa !). Quelques semaines après, restent une jolie reconstitution des années 1980, une bande son travaillée, et un sentiment général d'efficacité–alors même que le film dépeint une tranche de vie ordinaire, sans effets de manche scénaristique. Enfin, beau choix de titre : outre qu'il capture en trois mots toute la nostalgie d'une époque, il donne au film une coloration mélancolique qui interroge immédiatement le spectateur sur les souvenirs artificiellement rosis de son enfance...

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Joli film qui démontre la puissance de l'animation : en prise de vue réelles, impossible de transporter le spectateur avec cette histoire d'amour et de deuil élémentaire, qui aurait tout de suite semblé mièvre. Rien de tout cela grâce à la force du design de *In Waves*, joliment taillé pour rappeler la matérialité du dessin grâce à des effets de texture, de couleur et de caméra.

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Remarquable geste de mise en scène de Paweł Pawlikowski, qui n'a pas volé son prix cannois. Ce film d'1h22 (ce qui est une élégance en soi dans une sélection souvent longuette), taillé au cordeau jusqu'à chaque plan, n'est pas facile d'accès – et il est peut-être préférable d'avoir lu Thomas et Klaus Mann avant le film pour en profiter pleinement. Mais ce portrait de Thomas Mann en Doktor Faustus peut, à mon sens, rester captivant pour lui-même.

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Un très beau film de James Gray. On n'en sort pas avec le même sentiment de chef-d'œuvre que devant *Two Lovers* (sorti de Cannes 2018 sans prix), mais c'est une œuvre de très belle facture : acteurs impeccables, décors et costumes très réussis, dialogues ciselés qui résonnent longtemps après la fin du film... et surtout une amertume et une pénombre saisissantes.

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Unique film d'André Malraux – disparu en 1976, il y a cinquante ans –, Sierra de Teruel, présenté à Cannes Classics dans un montage inédit, est un film inégal mais intéressant sur les combattants de la guerre d'Espagne. La première partie d'exposition est un peu nébuleuse, d'autant que l'on ne réussit jamais à identifier précisément les personnages. Mais la deuxième partie du film est très réussie, avec une belle scène d'action aérienne (ce n'est pas encore Top Gun, mais c'est très méritoire !) et une superbe scène de funérailles qui préfigure déjà la pompe avec laquelle Malraux sublimera le martyre de Jean Moulin en 1964.

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Drôle de film que L'Espèce explosive – comédie dramatique très drôle, qui enchaîne les situations décalées voire absurdes dans une Argonne reculée, où s'opposent chasseurs et agriculteurs. Malgré le discours politique, raisonnablement subtil, le film manque peut-être un rien de profondeur. Mais pour un premier long métrage, c'est plus qu'honorable.

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Encore un premier long métrage de fiction réussi avec *Vesna*, du réalisateur ukrainien Rostislav Kirpičenko. La narration est classique, lente et sombre, comme une marche funèbre ; mais elle est aussi efficace, notamment grâce à une cinématographie très convaincante et un scénario prenant. Un témoignage important sur le retour de la guerre en Europe.

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Alors qu'il y a tant de bons films, pourquoi réserver une place de la compétition officielle du festival de Cannes à cet Almodóvar très décevant ? On ne comprend jamais vraiment où se dirige la narration, mollassonne... jusqu'au moment où le film, dans un curieux épilogue, nous signifie "métafictionnellement" qu'elle ne va nulle part. Dommage. Seul intérêt : la scène tournée dans une splendide villa de Tenerife montre qu'il n'y a pas que le cinéma français qui aime placer ses personnages dans des décors de luxe sans rapport avec la classe sociale qui leur est prêtée...

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Solide histoire d'adultère à laquelle se surimpose la guerre en Ukraine. Mais il y a quelque chose d'un peu convenu, pour ne pas dire vaguement ennuyeux, dans ce film de "grand cinéma international à sujet".

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Film exceptionnel d'Emmanuel Marre, "Palme française" du 79e festival de Cannes. On assiste à un documentaire au long cours sur un "moyen fonctionnaire" de Vichy, inspecteur provincial du Commissariat à la lutte contre le chômage (CLC). Ce personnage ambivalent et peu sympathique – père démissionnaire, un peu ridicule dans sa façon de pousser du col – est passablement roulé dans la farine par la vie. Tout cela est rendu dans une superbe image, dans un film captivant d'un bout à l'autre en dépit de ses 2h30. Un vrai geste de cinéma qui rompt avec la monotonie des "films à Oscar" qui ont, par ailleurs, pris les plus belles places du palmarès cannois.

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Film réussi de Léa Mysius, qui adapté en moins de deux heures le volumineux roman de Laurent Mauvignier. Un excellent casting – et notamment ses acteurs moins connus – imprime un bon rythme à cette histoire de homejacking qui, comme il se doit, va mal finir. Reste qu'on se demande un peu comment ce très honnête film français a passé la barre de la sélection cannoise.

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Joli film de Sorogoyen qui est comme un remake réussi du décevant *Valeur sentimentale*, autour du même argument : un cinéaste renommé cherche à renouer avec sa fille en lui proposant un rôle dans son prochain film. Javier Bardem est très bon, de même que Victoria Luengo, dans ce film d'interprètes marqué par de longs dialogues tendus, gênants, d'où n'éclate jamais la réconciliation tant attendue... sinon, peut-être, par la beauté stupéfiante de quelques plans sur l'Atlantique depuis les côtes de Fuerteventura. Sur le plan esthétique, le film est souvent très beau, avec un usage abondant des gros plans ; mais le maniérisme des changements d'image (noir et blanc, pellicule...) ne convainc pas, faute pour le spectateur de comprendre ce qui déterminé ces changements de grammaire visuelle.

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Palme d'or de la 79e édition du festival de Cannes, Fjord est un film intelligent qui prend à rebrousse-poil son audience occidentale et progressiste, pour mieux éprouver sa capacité à tolérer celles et ceux qui ne pensent pas comme elle. En l'occurrence, "celles et ceux", c'est une jolie "famille traditionnelle" évangéliste, accusée de pratiquer des méthodes éducatives rétrogrades un peu axée sur la fessée – pas forcément les clients habituels de la tolérance, donc, et c'est l'habileté du film. Pour le reste, le film est un peu long et parfois très didactique, notamment dans la scène de procès qui le conclut. Et Renate Reinsve confirme qu'elle est une des meilleures actrices de la décennie avec