Les meilleurs films de 2025 selon cinelolo

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Le programme est constitué d'une vingtaine de courts-métrages réalisés par des cinéastes palestiniennes et palestiniens à Gaza depuis le 7 octobre 2023. Les formes choisies oscillent entre documentaires, fictions ou une hybridation des deux. Evidemment, même dans les segments fictionnels, avec parfois des recherches esthétiques bouleversantes car faites avec les moyens du bord, le réel rentre dans le champ par ce qu'enregistre la caméra (bâtiments détruits, recherche de survivants parmi les décombres, promiscuité sous les tentes...). Ce qui frappe, c'est néanmoins la diversité des approches, le kaléidoscope des personnalités et attitudes décrites pour tenir bon, survivre, résister, assurer le présent et si possible l'avenir des enfants, et préserver la dignité humaine et le goût de vivre, parfois grâce à l'imaginaire ou la médiation artistique, face aux crimes contre l'humanité en cours (que les observateurs qui n'ont pas détourné le regard ont tenté de décrire à travers des néologismes avec le suffixe -cide pour signifier l'anéantissement de tout ou partie d'un groupe humain, mais aussi la destruction systématique des constructions urbaines, hopitaux, universités, bâtiments patrimoniaux, mémoire d'une civilisation). Un travail modeste mais indispensable, un peu à l'instar de celui de "Pour Sama" de Waad Al-Khateab (et Edward Watts) à propos des bombardements d'Alep par le régime syrien, déchirant quand on se remémore les aspirations des jeunes gazaoui.e.s recueillies dans "Yallah Gaza" de Roland Nurier ou "Voyage à Gaza" de Piero Usberti. Et dans le contexte actuel, ce travail révèle, par contraste, toute l'indécence du double standard des grands médias occidentaux mécaniquement alignés sur la propagande de guerre d'un Etat qui se soustrait depuis des décennies au droit international, pourtant la seule boussole qui puisse servir de base pour garantir le respect de chaque peuple à disposer de lui-même, et l'égalité d'accès à ses droits fondamentaux.

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Il y a six ans, Pedro Almodovar livrait "Douleur et gloire", un film-somme d'inspiration en partie autobiographique, et dans lequel on retrouvait la quintessence de son style. Ici, il livre plutôt un film testamentaire, notamment de par son sujet, en interrogeant le rapport à la mort de ses deux personnages principaux, une reportrice de guerre frappée par un cancer agressif, et son amie écrivaine à succès qui vient d'écrire un livre à la teneur vitaliste. Le cinéaste s'inscrit depuis longtemps dans un héritage d'un certain cinéma classique hollywoodien, Douglas Sirk en particulier, donc la langue anglaise semble couler de source. Par contre, s'il y a toujours un travail sur les couleurs, elles ne sont pas saturées comme à l'habitude. Au lieu de reproduire ce qu'on attend de lui, Almodovar invente une forme plus sobre en apparence, et adaptée aux enjeux, qu'il traite d'ailleurs avec nuances, loin du manichéisme bien intentionné mais maladroit de "Mar Adentro" de son compatriote Amenabar. On retrouve bien sûr cette précision dans les interprétations de Tilda Swinton et Julianne Moore. Loin de rechercher la satisfaction immédiate, esthétique ou émotionnelle, ce nouveau sommet dans la filmographie du maître espagnol, qui déjoue les attentes, trouve sa grandeur avec des qualités beaucoup plus souterraines, qu'accompagne idéalement la musique d'Alberto Iglesias.

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Elena, danseuse contemporaine très libre avec son corps, rencontre Dovydas, un interprète en langue des signes venu l'assister pour un atelier qu'elle anime pour des élèves sourds. Ils se plaisent tout de suite, apprennent à se connaître, puis Dovydas finit par révéler à Elena son asexualité... Le titre ne fait pas référence au style de danse pratiqué par l'héroïne, mais plus au rythme par lequel les personnages s'ouvrent à l'autre. Le film élargit ce qui nous est proposé habituellement au cinéma en matière de récits sentimentaux. Il le fait sans mièvrerie ni clichés, mais au contraire avec une approche pointilliste et concrète, une photographie magnifique, une mise en scène entièrement au service de ses personnages (et des jeux de regards de leurs interprètes), et qui n'exclut pas de très belles visions de cinéma, comme par exemple une scène dans un bar avec un miroir...

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C'est l'histoire d'un père de famille longtemps absent (le grand Stellan Skarsgard, qui passe d'un Trier à l'autre !), cinéaste qui se veut sur le retour, et propose à l'aînée de ses deux filles, actrice de théâtre, le rôle principal de son nouveau film, ce qu'elle refuse. Plus tard, il rencontre une actrice américaine fan de son univers. La maison familiale est presque un personnage à part entière de cette sorte de sonate d'automne : dès le prologue, on visualise le passage secret à travers la haie utilisé par les deux soeurs dans leur jeunesse pour filer en douce... Les décors sont filmés avec un grand sens de l'espace. D'une manière générale, la mise en scène est remplie de détails qui font sens et aident à faire progresser le récit. Jusqu'à maintenant, les films précédents de Joachim Trier ne m'avaient guère touché, trop théoriques ou froids. Mais celui-ci atteint une profondeur remarquable, au diapason de l'intensité de ses interprètes (Renate Reinsve et Inga Ibsdotter Lilleaas).

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Dans les salles françaises, l'année 2025 avait en quelque sorte démarré avec "Je suis toujours là" de Walter Salles, et se referme avec ce film-ci. Les deux traitent de la période de dictature militaire au Brésil, mais pas du tout de la même manière. Le premier s'étendait sur une assez longue période, avec un récit chronologique, et un très grand classicisme. Alors que le nouveau film de Kleber Mendonça Filho, bien que tout aussi romanesque, est resserré sur un temps plus court : celui dans lequel un universitaire débarque à Recife dans une sorte de refuge pour dissidents, et tente de récupérer son fils, en garde chez les parents de son épouse décédée, pour fuir avec lui. Le film progresse par une compréhension progressive des enjeux liés aux divers protagonistes, et une évolution graduée vers le thriller. La narration empile les points de vue, en incluant par exemple des personnages contemporains d'étudiantes. Le tout est un formidable objet de cinéma, récompensé à juste titre du prix de la mise en scène à Cannes. Mais la profondeur réside aussi dans la direction d'acteurs/actrices, dont Wagner Moura, prix d'interprétation tout autant mérité.

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Le brutalisme est un courant architectural, certains spécialistes indiquent que les constructions imaginées par le personnage principal ne s'y ancrent pas vraiment. L'essentiel n'est pas là, puisque le terme n'est jamais prononcé dans le film. Il se pourrait que le titre soit tout simplement un jeu de mot qui renvoie aux brutalités rencontrées. Je redoutais une grande fresque ostentatoire et froide, heureusement il n'en est rien. C'est un film ambitieux, c'est vrai, mais à la hauteur de ses ambitions. Sa profondeur provient à la fois de la forme (une mise en scène inspirée et digne des plus grands), du fond (une sorte de biopic d'un personnage fictif, un architecte juif hongrois rescapé des camps et qui s'installe aux Etats-Unis), mais aussi de l'interprétation : Adrien Brody impressionne dans un rôle qui prend en quelque sorte la suite de celui qu'il incarnait dans "Le Pianiste", mais aussi Felicity Jones dans le rôle de son épouse et Guy Pearce dans celui de son mécène. Une histoire inventée qui résonne de manière féconde avec l'Histoire réelle.

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Laura, étudiante en musique à Berlin, accompagne son compagnon en week-end à la campagne avec des amis. Mais elle se ravise et veut rentrer, son compagnon la ramène, mais ils ont un accident de voiture dont seule Laura réchappe. Elle souhaite rester chez Betty, qui l'a recueillie, plutôt qu'être placée en observation à l'hôpital. C'est le début d'un petit miracle de cinéma : le film est court (1h26), mais d'une grande amplitude par la façon dont il se déplie. Très inspirée, la mise en scène reste constamment dans le registre de la suggestion, aussi on craint une faiblesse, lorsque les choses pressenties sont dites explicitement. Mais c'est ce qui permet au film d'aller vers son dénouement. Avec l'aide de ses quatre interprètes principaux, Christian Petzold, sous une apparence mineure (adaptée à l'indicible), livre son film le plus réussi depuis qu'il collabore avec Paula Beer, toujours très convaincante.

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La Trilogie d'Oslo est composée de trois films indépendants (un peu comme les "Trois couleurs" de Kieslowski), qu'on peut visionner dans l'ordre qu'on veut (ils sont d'ailleurs distribués en France dans l'ordre chronologique inverse de leurs réalisations). Les titres pourraient également être permutés : il y a des rêves dans "Désir", du désir dans "Amour", et un premier grand émoi amoureux dans "Rêves", vécu par une adolescente envers sa prof de littérature qui se laisse approcher en dehors des cours. La jeune fille décrit cette relation dans un journal intime, qui émeut les générations précédentes (sa mère et sa grand-mère). Auréolé d'un Ours d'or à Berlin qui a l'air bien mérité, le film arrive à toucher au plus profond grâce à la qualité de l'écriture imputée à son héroïne, aux interprètes intenses mais jamais caricaturales, et à l'espace que le réalisateur laisse à ses personnages et aux spectateurs/spectatrices.

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Le film raconte l'histoire d'un groupe de résistants communistes allemands qui passera à la postérité sous le nom de l'Orchestre rouge. Mais c'est aussi l'histoire d'amour qui unit deux de ses membres, Hans et Hilde (formidable Liv Lisa Fries). On ne quittera pas d'une semelle cette dernière. Le montage n'arrête pas de faire des va-et-vient, de telle sorte que le récit est reconstitué de manière sensible et non pas chronologique. Le style n'est pas mélodramatique mais plutôt naturaliste, et les personnages de l'autre côté ne sont pas forcément montrés comme des monstres ou des méchants d'opérette, ce qui rend d'autant plus effrayantes les structures du totalitarisme. Andreas Dresen est un cinéaste parfois inégal, mais il est ici à son meilleur.

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Sans y avoir été préparé, Nino apprend qu'il est atteint d'un cancer, et qu'il doit commencer un traitement trois jours plus tard. Son vingt-neuvième anniversaire tombe dans l'intervalle. Un concours de circonstances l'amène également à passer ces quelques jours hors de chez lui... Sur le papier, il aurait pu s'agir d'un drame banal, mais, pour son premier long métrage, Pauline Loquès nous offre un petit miracle cinématographique. Certains commentaires ont pensé à "Cléo de 5 à 7" (autre histoire d'inquiétude médicale sur un temps resserré). Mais la réalisatrice, au lieu de s'inspirer de l'inimitable, nous propose autre chose : un très beau portrait de jeune homme (Théodore Pellerin), à travers une suite de scènes inattendues. On en apprend sur lui au même rythme qu'il en apprend sur lui-même, au fil de ses interactions avec les autres. On sent la cinéaste pleine de tendresse pour tous les personnages, et cette absence rare de cynisme donne son cachet à ce coup d'essai, traversé d'humour, extrêmement prometteur.

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Au coeur du désert marocain, Luis, accompagné de son jeune fils Esteban, rejoint une rave party, dans l'espoir de retrouver sa fille aînée qui a disparu quelques mois plus tôt. Puis ils suivent un noyau dur de raveurs vers un autre rassemblement clandestin, alors que la radio informe de la militarisation croissante du monde... Le film est donc une épopée sensorielle, entre le son des musiques électroniques et les paysages arides des montagnes et des pistes périlleuses. Un périple à la Werner Herzog ("Aguirre, la colère de Dieu" et "Fitzcarraldo"), mais avec également des coups de théâtre inouïs. Un film choc, mais dont le sens n'est pas très explicite. Peut-être une ode à des liens de solidarité solides à l'écart des puissants, malgré les menaces de chaos, en recherchant la dignité du présent plutôt qu'un vague flottement sans grâce (pour paraphraser une talentueuse autrice écosocialiste).

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Il s'agit du quatrième film de la cinéaste Andrea Arnold à avoir été sélectionné en compétition officielle à Cannes. Contrairement aux trois autres, il n'a pas eu de prix, ce qui est paradoxal alors qu'il s'agit probablement de son meilleur. Curieusement, à tête reposée, on pourrait retrouver des motifs de ses précédentes réalisations : une adolescente défavorisée (elle est élevée par un père immature qui l'a eu trop tôt), mais douée d'une forte personnalité (comme dans "Fish Tank"), une utilisation non conventionnelle de musiques pas trop mainstream (comme dans "American honey"). Mais au cours de la projection, on a pourtant l'impression de redécouvrir son univers, grâce à une mise en scène dans laquelle les contraires (le naturalisme d'un côté, des touches de poésie presque surnaturelles d'un autre, celui du rôle titre) s'additionnent avec une grâce inédite, au lieu de s'annuler...

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Pratiquante intensive du tennis, Julie est très douée, aspire à devenir professionnelle, mais est encore lycéenne. Un jour, son entraîneur est suspendu soudainement... Les scènes tennistiques bénéficient à plein de l'expérience de son interprète principale Tessa Van den Broeck, jeune tenniswoman professionnelle dans la vraie vie. La mise en scène de ce premier long métrage est remarquable, avec des plans-séquences admirablement composés, aptes à travailler le hors-champ comme les non-dits. La musique originale, composition de vocalises assez étranges signées Caroline Shaw, est utilisée de façon parcimonieuse mais à bon escient, et contribue à l'atmosphère de ce suspense psychologique mâtiné de notes de critique sociale.

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Le grand retour de Jérôme Bonnell (très talentueux dès son coup d'essai "Le Chignon d'Olga" en 2002). Pour la première fois, il livre un film d'époque, librement adapté du roman "Amours" de Léonor de Recondo, qui se passe au début du vingtième siècle. L'histoire est resserrée dans la sphère domestique, autour de quelques personnages : un notaire, son épouse, et leurs domestiques... Si, comme dans ses premiers films, la caméra cadre de façon très précise les personnages, tout en laissant aux interprètes beaucoup de liberté (grâce à la complicité de Pascal Lagriffoul, son fidèle chef opérateur), l'intime créé laisse néanmoins entrer les dynamiques sociales (le titre pourrait être complété par plusieurs adjectifs : sociale, féminine...). Sur le papier, ce long métrage aurait pu consister en un exercice de style chabrolien (une affaire de femmes au sein d'une bourgeoisie dégénérée), mais il en fait autre chose, notamment avec des dialogues finement ciselés, empreints d'une ironie, qui suggère beaucoup sans jamais dire vraiment, comme si elle échappait aux personnages pour nous atteindre. Les rapports de domination sont situés il y a un siècle, mais observés avec un regard pleinement contemporain.

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La dictature militaire brésilienne évoquée à travers le destin de la famille Paiva, nombreuse, joyeuse et heureuse jusqu'à l'arrestation du père, ancien député travailliste. Eunice, la mère, formidablement incarnée par Fernanda Torres, qui se tenait jusque là à l'écart de la politique, va devoir résister au régime en place. Le récit est construit de façon très chronologique. On a ainsi d'abord le temps de s'immerger dans le quotidien de cette famille, avant qu'elle ne soit rattrapée par la réalité de la situation politique. Dans les meilleurs moments, on pense à Kleber Mendonça Filho, autre grand réalisateur brésilien contemporain ("Aquarius"). On pourra cependant trouver plus conventionnel l'épilogue final, après un ultime saut dans le temps...

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Après quelques infidélités, retour du cinéaste au quartier de l'Estaque. On y suit Maria, une aide-ménagère, qui trime chez des petits vieux qu'elle aime, mais qu'elle vole aussi, un billet ou un chèque qu'elle remplit à la place de son propriétaire. Le but de ces larcins ? Sortir la tête de l'eau et offrir de vrais cours de pianos à son petit-fils. Certains cinéastes tournent en caméra subjective. Guédiguian, lui, nous propose une bande-son subjective, la grande musique (des classiques mais aussi des compositions originales de Michel Petrossian à la manière de) qu'écoute à longueur de journée Maria. S'il filme toujours extrêmement bien les rapports de classe, il dépasse, grâce à des plans judicieusement composés, la description sociologique mécaniste pour offrir à ses personnages (Ascaride, Darroussin, Meylan, Boudet dans son dernier rôle, Leprince-Ringuet, Marilou Aussilloux la nouvelle venue) de la dignité, de la sensualité, une bonté et une beauté qui feraient presque office de résistance intime par temps qui s'assombrissent.

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Documentaire qui a enfin fait bouger (un peu) les lignes au sein du gratin du cinéma mondial, grâce à sa sélection dans la section parallèle de l'Acid au Festival de Cannes, et dont la principale protagoniste, la photographe palestinienne Fatma (Fatem) Hassona, a été assassinée avant l'ouverture cannoise. L'essentiel du film est constitué de conversations en visio entre la réalisatrice iranienne exilée de longue date en France et la jeune femme, qui malgré son courageux sourire porte une voix palestinienne forte (celle qui est proscrite de nos médias mainstream totalement biaisés), mais également par les photographies qu'elle a prises elle-même et qui témoigne de ce que Israël veut effacer. Certains des aspects relatés sont d'autant plus crédibles qu'ils ont aussi été montrés dans des courts-métrages de l'œuvre collective "From Ground Zero", sortie quelques mois auparavant.

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Huit ans après "Lumière ! L'aventure commence", Thierry Frémaux nous offre une nouvelle anthologie de films de Louis Lumière ou de ses opérateurs, logiquement intitulée "Lumière, l'aventure continue !" Si les oeuvres les plus connues faisaient partie du premier opus, on découvre ici 120 nouvelles "vues", accompagnées par la musique de Gabriel Fauré (contemporaine de l'époque des tournages) et les commentaires, judicieux mais parfois un peu trop présents, du président de l'Institut Lumière. Magnifiquement restaurées, ces scènes nous montrent à quel point, mis à part le montage (elles duraient une cinquantaine de secondes), toute la grammaire du cinéma était déjà là, de la composition des plans aux premiers mouvements de caméra (travellings...). L'expérience régénère notre regard.

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Après le succès public et critique de "La Nuit du 12", Dominik Moll traite une nouvelle fois d'un sujet de société à travers une enquête policière, en l'occurrence celle menée par l'IGPN après des violences policières lors d'une journée de mobilisation des Gilets Jaunes. Le fait que cette enquête soit menée par un personnage intègre (et interprété par Léa Drucker qu'on voit souvent dans ce genre de rôle) peut étonner, mais ne doit pas faire illusion. En ne chargeant pas son personnage principal, le cinéaste n'édulcore pas son propos, car au fil de son récit on voit intervenir tous les effets de structure qui expliquent pourquoi ces violences interviennent et comment l'institution construit l'impunité. Sous des dehors de film-dossier classique, la copie rendue par Dominik Moll est loin d'être si convenue.

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Pour la première fois, le réalisateur jusqu'au-boutiste Albert Serra abandonne la fiction pour le documentaire. Il suit dans sa tournée espagnole le toréador star Andrès Roca Rey et ses équipiers, ceux qui placent les premières banderilles et rivalisent de compliments virilistes. Les extraits de corrida ne sont pas filmés comme un spectacle, en plan général : les caméras suivent en plans rapprochés et en gros plan le toréador et le taureau. De ce fait, les blessures infligées à l'animal sont impressionnantes (rappelons qu'il meurt pour de vrai), même si l'humain est aussi en danger, pendant que les réactions du public, qu'on entend mais qu'on ne voit pas, font froid dans le dos. Le film est-il de nature à changer le regard des aficionados ? En tout cas cette incursion dans le microcosme a une puissance esthétique comme politique impressionnante.

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Elsa a un drôle de don, hérité de sa mère : elle voit des fantômes, plus exactement des personnes récemment décédées, qu'elle accompagne dans l'acceptation de leur mort, et les aide à passer de l'autre côté. Ce don semble prolonger ses compétences professionnelles (elle est médecin à l'hôpital, dans un service de soins palliatifs), mais est embarrassant dans sa vie privée. Jusqu'à ce qu'elle rencontre Oscar... Venu de presque nulle part (Alice Vial a déjà été césarisée pour son court-métrage "Les Bigorneaux"), ce premier long métrage est enthousiasmant à plus d'un titre. D'abord parce qu'il régénère la comédie romantique en la teintant de fantastique, et sans jamais céder à la démagogie. Ensuite parce que simultanément il traite souterrainement de thèmes pas facile à aborder, avec la même élégance, spirituelle à plus d'un sens du terme, en surface (excellente BO) comme en profondeur. Le tout porté par Jonathan Cohen et surtout Magalie Lépine-Blondeau, merveilleuse dans l'humour comme dans l'émotion, entre deux mondes.

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Le film commence par la convocation au lycée des parents de Daisy, qui est renvoyée. Le père Dan, ouvrier de travaux publics, a lui aussi ses accès de colère et de chagrin, mais est invité par Rita, qui l'a observé dans la rue, à rejoindre un groupe qui s'avère une troupe de théâtre amateur. Si on devine assez rapidement la sorte d'épreuve que doit supporter cette famille, rien n'est donné d'emblée. L'écriture de Kelly O'Sullivan, autrice du scénario et coréalisatrice du film, a toute la pudeur qu'il faut. Et les interprètes sont au diapason de cette délicatesse, la particularité étant qu'ils ont les mêmes liens familiaux que leurs personnages (les rôles du père, de la mère et de la fille sont respectivement assurés par Keith Kupferer, Tara Mallen et Katherine Mallen Kupferer). Une belle production indépendante qui, elle aussi, n'est pas sans lien avec le travail théâtral des personnages qui donne lieu à des scènes attachantes et parfois inattendues.

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En apparence, Francesca Comencini rend hommage à son père, le cinéaste Luigi Comencini. Moins formaliste que Fellini, moins radical que Pasolini, il est peu cité dans les histoires du cinéma, à part pour "L'Incompris", film autour d'une enfance dramatique. Ici est reconstitué le tournage, joyeux pour les enfants, de son Pinocchio. Il avait une pratique qu'on pourrait qualifier d'humaniste (on l'entend prioriser "D'abord la vie, ensuite le cinéma"). Il ne voulait pas trop diriger, d'où, par parenthèse, des acteurs parfois en roue libre, mais Bette Davis, Alberto Sordi et Silvana Mangano cabotinent juste ce qu'il faut dans "L'Argent de la vieille". Mais en fait, malgré des cerises pour cinéphiles (des extraits de "L'Enfance nue" de Pialat ou "Païsa" de Rossellini), le gâteau proposé par Francesca Comencini est goûteux pour tout le monde. Quand bien même le point de départ serait le nombril de la réalisatrice, le film va vers les autres, et ses vraies thématiques, autour de la transmission et de l'émancipation, résonnent de façon universelle.

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Réalisateur de divertissements spectaculaires qui ont connu de gros succès au box-office chinois (mais non distribués en France), Hu Guan nous livre un film d'une toute autre teneur : on y suit Lang, un ancien motard récemment sorti de prison en liberté conditionnelle, qui retrouve sa ville natale, Chixia, en bordure du très cinégénique désert de Gobi. On est à la veille des JO de 2008, et les autorités locales veulent se débarrasser des chiens errants, l'un d'entre eux étant suspecté d'être enragé. Avec des séquences magistralement filmées, le film semble convoquer autant le classicisme hollywoodien ("Le Vent" de Victor Sjöstrom, "Paris, Texas" de Wim Wenders), que l'enregistrement des mutations contemporaines chinoises par Jia Zhangke (qui interprète ici un chef de clan) ou encore "White God" du hongrois Kornel Munduczo pour intégrer des personnages canins comme personnages à part entière qui font avancer le récit.

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Ukraine 1942. Une mère juive confie son fils Hugo, 12 ans, à une amie, Mariana, prostituée dans une maison close. Cette dernière le cache aux yeux de tous en l'installant dans un placard de sa chambre. Les mois passent... Dans une grande partie du film, la réalité du monde extérieur n'est vue qu'à travers le champ de vision restreint de l'enfant, mais à ces observations se mêlent également des souvenirs de sa vie d'avant et des rêves concernant sa famille. Après une réussite majeure ("La Douleur"), Emmanuel Finkiel poursuit sa collaboration avec Mélanie Thierry, très convaincante dans un rôle de composition qui aurait pu être casse-gueule. Et continue d'aborder sans se répéter ni fausses notes ses thèmes de toujours : la Seconde guerre mondiale, l'antisémitisme du continent européen, les résistances...