Fervent (dé-)succès

Si vous disiez aux gens en 1967 que le groupe maison d’Andy Warhol venait de sortir l’un des albums rock les plus vénérés de tous les temps, ils vous demanderaient comment ils s’appellent, et quand vous leur diriez, ils riraient. Pour le public, il y avait une centaine de groupes capables de connaître ce succès historique dans les années 60, et aucun ne s’appelait The Velvet Underground. Dans une certaine mesure, ils avaient raison. Il a fallu attendre une autre décennie avant que The Velvet Underground & Nico, orné de bananes, ne subisse le contrecoup de la culture pop et plus d’un demi-siècle avant que le groupe avant-gardiste ne reçoive un traitement documentaire définitif par l’un des meilleurs cinéastes vivants. Mais comme l’histoire et ledit documentaire l’ont prouvé, nous aurions le dernier mot dans cet échange. L’ambiance saisissante du film The Velvet Underground du scénariste et réalisateur Todd Haynes, son premier long métrage documentaire mais loin d’être sa première incursion dans le domaine de la musique, peut être résumée par deux œuvres que vous connaissez peut-être déjà. Tout d’abord, « Venus in Furs », le quatrième morceau bohème du premier album du groupe en 1967, connu pour ses provocations sado-masochistes lyriques et son instrumentation lente et bruyante, grâce au bourdonnement de l’alto de John Cale et à la guitare Ostrich innovante de Lou Reed (toutes les cordes sont accordées sur la même note). La cacophonie sonore fait irruption sur la scène sans introduction, établissant le rythme et le ton. Cette musique sombre et hypnotique fait naître le film du néant, tout comme le groupe est soudainement sorti de l’inconnu (et de l’underground) après le succès solo de Reed dans les années 70. Il ancre le doc de Haynes dans la monotonie sonore somptueuse sur laquelle ce groupe a été fondé.

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