2025 en musique ♫

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Assez néophyte du genre et du groupe (c'est une découverte), j'avoue apprécier l'atmosphère puissante et liturgique de l'album dans son ensemble ainsi que ses accents folkloriques, mais sans transcendance particulière. D'aucuns trouveront l'album peut-être répétitif, je le vois plutôt comme une expérience à part entière qui inviterait à accéder à un état de transe, en quelque sorte. État que je n'ai pas entièrement été capable d'atteindre, mais je reconnais volontiers et salue l'aura mystique de l'album.

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Une autre découverte 2025. À l'affiche du Motocultor de cette année, j'ai eu l'occasion de les découvrir, non pas sur une scène de Carhaix, n'ayant été présent qu'un seul jour – et pas celui où ils passaient – mais dans la playlist officielle du festival. Apparemment le groupe se définit comme doom, mais je les vois davantage comme un mélange de post metal et de drone music à la sauce orientale. Un univers intéressant, souvent instrumental, mais quelques voix féminines ensorceleuses viennent parfois accompagner l'auditeur dans ce paysage musical qui sent le sable chaud du désert. Une découverte singulière, captivante, mais qui ne m'a sans doute pas encore livré tous ses secrets.

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C'est sans grande expectation que je lance la lecture de cet album, et pour cause : je n'avais pas spécialement été convaincu par le premier opus. L'intérêt de ce super-groupe semble justement principalement résider dans le fait que c'est un super-groupe, notamment pour les fans de la première heure de death mélodique de Gothenburg. Pour moi, qui passe plutôt à côté de ce courant en dehors de quelques essais avec Dark Tranquillity, c'est surtout la présence au micro de Mikael Stanne, justement, qui attise ma toute relative curiosité pour ce projet. Il faut dire que j'aime surtout Stanne pour sa voix claire et les rares orientations goth/électro empruntées par DT (Projector, The Absolute), or The Halo Effect semble vouloir emprunter l'autre voie en misant majoritairement sur les growls et le mélodeath plus classique. C'est donc à mon sens un album tout juste intéressant, pas vraiment mauvais dans son exécution, mais sans plus pour moi.

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Dans le contexte tendu du conflit israélo-palestinien, le groupe israélien Orphaned Land s'est toujours positionné pour la paix et le rapprochement des peuples. C'est donc le cœur meurtri qu'ils apprennent les événements du 7 octobre 2023 avec l'attaque du Hamas lors d'un festival de musique en Israël, et les événements meurtriers qui s'en sont suivis. C'est pour rendre hommage à deux de leurs amis, victimes de ces conflits que le groupe propose cet EP, en redonnant vie à leur tout premier titre enregistré, "The beloved's cry", une chanson précisément sur l'amour et le deuil, ici déclinée principalement en deux versions. L'une pour Eden, enlevée le 7 octobre puis tuée en captivité, et l'autre pour Yotam, également otage et tué par erreur par les forces israéliennes alors qu'il tentait de s'échapper. Les deux versions comportent des enregistrements des victimes peu avant leur enlèvement, des versions sans ces enregistrements sont également proposées.

Musicalement, ce sont donc deux versions différentes qui sont proposées, l'une sous forme de ballade, et l'autre où les guitares sont de sortie. Deux revisites intéressantes d'une chanson toujours mélancolique et bouleversante, mais malgré les efforts pour proposer ces deux versions, les réunir dans un EP avec deux autres déclinaisons rend le tout forcément un peu redondant. Au final cela reste à considérer davantage comme un single qu'un EP, et de de point de vue là, c'est un bon single, mais je crois que j'ai tendance à préférer la version originale, plus hantée et spontanée.

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Je n'ai pas trop de recul sur la musique de Wardruna car c'est une découverte récente. Du peu que j'en ai entendu je n'ai pas l'impression que cet album révolutionne le projet ni même le genre. Ça reste qualitatif et plaisant, sans transcendance particulière pour moi.

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Pas forcément facile d'évaluer une compilation, a fortiori lorsqu'il s'agit d'enregistrement s'étalant sur plusieurs années mêlant titres inédits, versions acoustiques, remixes, lives, ou encore démos. Le contenu est hétéroclite par définition et il est futile de rechercher une cohérence à l'ensemble comme pour un album. Du reste, l'ensemble s'écoute bien, n'est pas avare de contenu et les inédites sont pas mal du tout, mais ça reste un objet que je n'écouterai pas souvent dans son entièreté, je pense.

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Avatarium est l'un de ces groupes que je trouve sympa, sans pour autant me laisser une impression impérissable d'album en album. De fait, je suis encore loin de les connaître sur le bout des doigts, et pourtant j'ai l'impression que ce nouvel opus n'apporte pas grand chose. Pas de surprise, donc, mais aussi une impression de répétitivité ; et même si la lourdeur fait partie de leur signature, je la trouve ici presque un peu assommante sur la durée, notamment du fait d'un manque de relief, de mélodie accrocheuse et de variations. Je ne suis pas convaincu que ce cru 2025 soit leur meilleur.

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Je découvre l'univers de Jonathan Hultén en studio, après avoir découvert le personnage en concert (en première partie de Myrkur en 2024). Un univers onirique, tout en délicatesse, dans lequel il est fort plaisant de se glisser. "Eyes of the Living Night" se révèle donc plutôt solide, pour quiconque n'y chercherait pas les sonorités plus agressives de son ancien groupe Tribulation.

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Le retour de Portnoy n'a pas eu totalement l'effet escompté sur moi, on est tout de même loin des grandes heures du groupe. Il y a toutefois des choses intéressantes, des développements d'ambiances sympathiques et des airs que l'on retient. Mais Dream Theater ne serait pas Dream Theater sans les moments de surenchères techniques qui toujours me touchent moins. En définitive, c'est un album average de DT.

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Dans la famille des découvertes Black Metal de l'année, je voudrais... du black folk écossais ! Belle découverte qui plus est. Ce qui frappe sans doute le plus c'est la richesse des compositions : on a du black, du chant clair, des instruments folkloriques (flûtes, cornemuse), des parties vocales féminines... Je salue par ailleurs le fait que la partie folklorique ne soit pas trop clichée et ne sonne en tout cas pas trop festive mais davantage poétique ou mélancolique. Les titres sont souvent longs et le piège est qu'ils peuvent être un peu répétitifs. On a en effet parfois des motifs répétés qui ne fonctionnent pas toujours bien pour moi car soit ils ne sont pas accompagnés d'une montée en puissance (on est déjà au max), soit ils ne sont pas assez atmosphériques pour pouvoir emporter l'auditeur dans une forme de transe. Par ailleurs je trouve aussi que les conclusions de certains morceaux tirent un peu dans dans la grandiloquence. Mais ce n'est pas grand chose, vraiment, on va surtout en retenir du positif !

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J'avoue être assez déçu de ce retour de Marko Hietala en solo. J'avais trouvé son précédent album ("Pyre of the Black Heart", 2019) assez frais et inattendu. Finalement c'est ce "Roses From the Deep" qui correspond à ce à quoi je m'attendais à l'époque, c'est à dire un album dans une veine hard/heavy assez peu originale avec un côté plus fun que touchant comme "Pyre [...]" pouvait l'être. On ne peut pas l'accuser de nous proposer des mélodies peu efficaces, au contraire certaines le sont presque jusqu'à l'overdose (Impatient zero). En bref, cela manque un peu de subtilité pour moi.

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Depuis désormais maintenant 3 albums, Lacuna Coil poursuit son chemin dans l'alternatif aux inspirations djent et hardcore, et je ne sais toujours pas tellement comment me situer dans tout ça. D'un côté je sens que ma préférence ira toujours vers leurs débuts plus gothiques (voire parfois même atmosphériques), mais d'un autre côté je trouve ce virage plus heavy intéressant (on a échappé de peu au virage pop avec "Shalow Life" !) et je trouve que le chant saturé va décidément bien à Andrea Ferro. "Sleepless Empire" fut tout d'abord une sorte de petite déception, déception de voir que le groupe semblait désormais se complaire dans ce style sans chercher à se renouveler plus que ça, mais avec quelques réécoutes l'album passe plutôt bien, c'est efficace et je crois le préférer au précédent ("Black Anima").

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Projet solo de Niklas Sundin (ex-Dark Tranquillity), Mitochondrial Sun délivre un album électronique et minimaliste. On a parfois l'impression d'écouter une musique de jeu-vidéo 8-bits avec des arrangements modernes. C'est assez sympa et ça s'écoute bien mais il manque peut-être un petit quelque chose pour m'emporter totalement.

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La chanteuse d'Oceans of Slumber se lance en solo dans un paysage musical assez varié, empruntant malgré tout toujours beaucoup aux influences southern gothic déjà présentes dans son groupe mais s'autorisant aussi quelques accents darkwave ou dark pop. Si les influences sont variées, la cohérence réside dans le ton plutôt sombre et chill à la fois. L'écoute est plaisante et la voix de Cammie, toujours aussi belle.

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C'est totalement par hasard, dans une story sans aucun rapport avec le groupe, que j'ai découvert ce dernier, au travers d'un extrait aux sonorités progressives qui m'a gentiment titillé l'oreille. On jette alors un œil à leur discographie et tiens donc, il y a justement un album sorti cette même année ! Bon en définitive, c'est sympa et assez qualitatif en soi, mais ça a le "défaut" d'être instrumental, sans vraiment avoir quelque chose qui permet au groupe de se distinguer en contrepartie. J'ai cru comprendre que les précédents albums avaient du chant, il faudrait peut-être que j'essaye.

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Lorsque le single "One more nanosecond" est sorti, j'ai dans un premier temps trouvé la chanson un peu trop rigolote et cela ne m'a pas tellement transcendé. Mais à force d'écoutes je ne peux pas m'empêcher de trouver ce titre finalement très sympa. Puis l'EP est sorti, les autres titres se dévoilent et se révèlent aussi plutôt cools (mention spéciale à "When I die", plus sombre et sans doute mon préféré). Du reste, il est assez difficile d'évaluer un EP de quatre titres, sachant qu'il s'agit du premier opus d'une trilogie d'EP annoncée qui formeront ensemble un album, Je ne peux pas m'empêcher d'y voir un moyen déguisé de sortir plus de la moitié de l'album en single comme le font certains artistes – stratégie marketing qui, semble-il et pour une raison qui m'échappe un peu, semble plus profitable face au développement du streaming mais ruine à mon sens la découverte de l'album. C'est un peu dommage, mais reste que cet EP est donc plutôt réussi en tant que tel !

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Le Power Metal n'est pas (plus) vraiment mon truc, mais je garde une sorte d'attachement à Avantasia, d'une part pour les guests que j'apprécie sur quasi tous les albums (ici : Roy Khan et Tommy Karevik), et d'autre part parce que le projet de Tobias Sammet a su proposer par le passé des choses pertinentes à mes oreilles (notamment l'album "The Scarecrow"). Je garde donc toujours une oreille pour ses nouvelles sorties, mais sans plus vraiment en attendre grand chose. Au final je ne suis ni déçu, ni enthousiaste en écoutant cet album, qui présente tous les ingrédients attendus pour un album d'Avantasia : des mélodies hard-rock efficaces et des refrains grandiloquents qui raviront sans nul doute les fans du genre mais peinent à me faire lever un sourcil (et au contraire me font même un peu crisser des dents). Allez, j'ajouterai même un petit bémol par rapport aux albums précédents : il me semble que dans ces derniers, certains titres avaient des intros qui installaient des ambiances intéressantes, ou même des débuts de chansons que je trouvais sympas au moins jusqu'au refrain ; ici je n'ai pas spécialement retenu d'exemples similaires, à part peut-être un ou deux. Pas vraiment suffisant pour m'y faire revenir.

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Il semblerait que Gleb Kolyadin (pianiste et compositeur au sein du duo de chamber-prog iamthemorning) se refuse à faire deux fois le même album en solo, et c'est tant mieux ! Après un premier essai éponyme (2018) orienté prog rock jazzy, dont s'extirpent quelques titres chantés par des voix connues (Steve Hogarth, Mick Moss), un second album, "Water Movements", empruntera en 2021 la voie plus classique d'un piano seul. Il sera suivi deux ans plus tard par "The Outland", renouant avec le style impro prog/jazz fusion des débuts, mais cette fois-ci sans aucun chant. Et voici qu'en 2025 nous parvient "Mobula", un essai délaissant plutôt drastiquement les démonstrations de virtuosité pour des ambiances plus légères, voire parfois plus minimalistes, mettant un peu plus en avant des claviers en nappes ou en touches cristallines, ou encore des flûtes aériennes. Une approche beaucoup plus atmosphérique, toujours uniquement instrumentale, qui parvient bien à résonner en moi. Beaucoup de morceaux sont juste un peu (trop) courts, dommage, on aurait aimé voir ces paysages sonores se prolonger un peu plus pour nous emporter encore plus loin, mais on s'en délectera d'autant plus, profitant de chaque note volatile comme si c'était la dernière.

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Habituellement, je ne suis pas vraiment un auditeur de Lady Gaga, même si j'aime bien certains de ses tubes et je la respecte pas mal en tant qu'artiste et chanteuse (qui sait vraiment chanter). Mais cet album, annoncé plus sombre, avec une iconographie s'approchant parfois de l'univers du metal, a attisé ma curiosité. Au final, rien de vraiment metal là dedans, même si j'aime assez le titre d'ouverture "Disease" qui sonne assez puissant. Le reste des influences est assez varié et oscille entre synth pop, disco, électro, ballades, etc., avec notamment des morceaux qui ne manqueront pas d'évoquer Prince ou encore Michael Jackson. Ça change de ce que j'écoute au quotidien mais ma foi, c'est efficace et ça s'écoute plutôt bien !

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Cela fait une décennie que Steven Wilson semblait vouloir sortir du carcan du rock progressif dans lequel il s'était enfermé, s'essayant à des choses plus pop-rock, plus modernes, voire plus expérimentales. Des propositions toujours solides, mais qui ne sont jamais parvenues, à titre personnel, à égaler l'impact que "Hand. Cannot. Erase." a eu sur moi en 2015. Un album exceptionnel à bien des égards, effleurant même à mon sens la quintessence du rock progressif, ou du moins l'idée que je m'en fais. C'est donc avec une certaine expectation que j'attendais "The Overview", qui semblait s'annoncer comme un retour en grâce du prog dans la carrière solo du musicien. Et c'est en effet un peu le cas : titres longs, structures changeantes, retour de grosses guitares et de longs passages atmosphériques planants sont là pour le souligner. Mais avec le recul, "The Overview" le bien nommé ressemble un peu à une vue d'ensemble, une synthèse de la carrière de Steven. On a bien le retour de structures progressives, mais on retrouve aussi des lignes de chants efficaces pop-rock ("Meanwhile"), les sonorités plus modernes (surtout dans la seconde grande partie "The Overview"), et un objet global qui reste assez expérimental dans sa structure en deux parties d'une vingtaine de minutes. C'est donc assez varié, mais paradoxalement on à l'impression qu'il ne s'y passe pas grand chose. D'une part il se trouve que l'album est relativement court pour une telle synthèse, et à trop vouloir en faire en trop peu de temps, toutes ces influences s'en trouvent pas si impactantes que ça car elles n'ont pas toujours le temps de prendre corps. Et d'autre part, comme l'album tourne autour de deux thèmes musicaux qui vont plus ou moins se répéter, on reste au final un peu sur notre faim. Aussi, même si le projet était déjà ambitieux, peut-être aurait-il gagné à l'être encore un peu plus et à prendre la forme d'un double album. Finalement, c'est donc encore une fois un travail solide que Steven nous propose, mais pas encore la relève que j'attendais.

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Toujours curieux de jeter une oreille aux aventures musicales de Colin Edwin (ex-Porcupine Tree) au sein de son super-groupe, même si je n'ai jamais eu de coup de cœur particulier jusqu'ici. Encore une fois, l'album semble miser plutôt sur les mélodies efficaces, lorgnant davantage du côté de l'alternative rock, voire même du grunge, que du prog, mais pour ma part manque un peu de contraste pour réellement briller ; à l'exception peut-être du dernier morceau, qui a davantage retenu mon attention. Du haut de ses presque 14 minutes, il adopte pour le coup une structure résolument prog et fait bien varier ses ambiances. D'un point de vue global, il résulte un album sympathique à l'écoute, sans transcendance particulière en dehors du dernier titre que j'ai évoqué, et qui demande peut-être à être creusé un peu malgré tout.

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Epica ne se réinvente pas, mais parvient à opérer un glissement (déjà entamé avec le précédent opus) vers quelque chose de plus moderne et moins surchargé. Pas d'intro, premier titre assez direct : on rentre dans le vif du sujet. Pas d'epic final non plus, et globalement moins de chœurs et aussi moins de grunts, Mark Jansen étant plutôt relégué au second plan. J'apprécie cette absence de surenchère (qui rendait "The Holographic Principle" un peu indigeste), par contre le mixage me semble un peu mou (ici la référence absolue reste l'excellent "Design Your Universe"). De tout cela, il résulte quelque chose d'un peu inégal, où des titres un peu (trop ?) tubesques ("Cross the divide", "Fight to survive") côtoient des morceaux plus oubliables à la première écoute, d'autres un peu plus originaux et très appréciables à mes oreilles ("Obsidian heart", "Metanoia") et quelques titres plus mitigés : "Darkness dies in light" qui malgré ses bonnes idées essuie quelques longueurs qui sont la conséquence du mixage évoqué plus haut, lorsque le groupe tente des passages instrumentaux qui tombent du coup un peu à plat (ce que j'ai envie d'appeler un symptôme "Requiem for the Indifferent"). Ou encore "The grand saga of existence" dont les couplets et ponts développent une atmosphère que j'aime beaucoup, mais dont le refrain, qui se révèle comme une sorte de ritournelle répétitive, est à la limite du supportable. Bon, je dois dire qu'à force d'écoutes j'ai quand même réussi à lisser ces aspérités. Les titres tubesques ont l'effet escompté et deviennent un peu addictifs, les défauts finissement par se gommer, et on retient surtout le bon, ce qui finalement vaut à l'album cette bonne note de ma part. Et puis je crois que je le préfère quand même un peu au précédent !

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Excellente découverte que ce doom teinté de sonorités vintages et psychédéliques ! Avec le recul et après avoir découvert leur précédent opus, celui-ci s'avère moins progressif et plus accessible, mais tout est bien dosé entres mélodies imparables, guitares atmosphériques envoûtantes et solos impressionnants. On est happé du début à la fin par cet univers organique unique !

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Jusqu'à maintenant, depuis leurs débuts et en dépit de leur ascension fulgurante jusqu'au groupe de stade qu'il sont devenus, Ghost était parvenu à toujours rester assez pertinent à mes oreilles, en proposant des mélodies certes de plus en plus efficaces, mais non dénuées d'intérêt. Là où ils pouvaient perdre un peu de leur côté décalé, ils réussissaient à gagner en subtilité, se rapprochant parfois du prog. Malheureusement, je ne peux pas en dire autant de Skeletá, qui semble lisser les deux aspects. Musicalement très consensuel et manquant cruellement de relief je n'en retiens pas grand chose.

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Je ne me suis intéressé que tardivement à Eluveitie, chose assez surprenante au vu de mon appétence historique pour le metal sympho. Peut-être parce que j'imaginais (à tord ou à raison) une musique trop ancrée dans le folk festif alors que j'étais plus attiré par les aspects plus sombres, dramatiques et théâtraux du genre. C'est en les voyant en concert en 2022 avec Amorphis et Dark Tranquillity que je me suis dit que je passais malgré tout un moment plutôt agréable et que la composante death contrebalançait bien le côté folk. "Ànv" est donc le premier album que j'écoute à sa sortie. Et force est de constater qu'avec l'énergie du live en moins, c'est pour moi juste sympa, mais quand même un peu trop axé vers l'efficacité et le folk un peu cliché.

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Second album de Liv Kristine depuis la rupture, tant professionnelle que sentimentale, qu'elle a traversée. On poursuit le retour aux racines plus metal, déjà opéré sur "River of Diamonds" (2023) et même "Vervain" en 2014, en s'orientant ici toutefois vers quelque chose de peut-être plus doom que goth. Dès le second titre, après une intro aux accents mystiques (qui nous renverrait presque aux ambiances de "Deus Ex Machina"), on a le droit à des growls de la part de Monsieur Espenaes et ça fait plutôt plaisir (c'était une attente que j'avais pour le précédent album qui n'avait pas été réalisée), même si ce ne sera que pour un titre. Les influences pop sont toujours là mais se font moins prégnantes à part pour 2 ou 3 titres. En tout cas ce petit glissement me sied globalement bien et l'album me plait au final mieux que le précédent ! Seul petit bémol : la production laisse un petit peu à désirer…

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La curiosité m'a poussé à jeter une oreille sur ce projet de Niklas Sundin (ex-Dark Tranquillity) et Enrico Longhin (The Moor). Bien m'en a pris car j'ai assez vite accroché à cette proposition électro/gothique aux atmosphères captivantes. Dans le genre, j'ai trouvé ça plus intéressant que Cemetery Skyline (avec notamment des membres de Dark Tranquillity, Insomnium, Amorphis et Dimmu Borgir) ou encore Host (Nick Holmes & Greg Mackintosh de Paradise Lost), pour comparer avec des projets récents plus ou moins similaires.

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Tout d'abord il s'agit d'un objet intrigant, ce groupe étant mené par l'actrice Vera Farmiga (connue notamment pour la saga Conjuring). Le premier extrait "The crying room" faisait miroiter un rock/metal atmosphérique prometteur, au final il s'agira davantage de rock alternatif au sens large avec des influences sombres et un peu rétros, voire parfois punk ou psychédéliques. C'est intéressant mais peut-être un peu inégal avec un petit ventre mou en milieu d'album. Ça reste en tout cas assez encourageant pour la suite, s'il y en a une.