Guillermo Del Toro, l'enfant conteur du cinéma de genre

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Premier film de Guillermo Del Toro, Cronos nous présentait déjà les thématiques phares de la carrière de l'auteur : le rapport à l'enfance en danger protégée par une figure parentale de substitution, le fantastique qui s'incruste dans le réel pour amener le conte dans l'histoire, ainsi que son rapport particulier à la mort, qui ne représente que très rarement la fin du chemin pour le réalisateur/scénariste. On y découvre sa première collaboration avec le charismatique et atypique Ron Perlman, qui trouve ici un rôle de salaud intéressant. Seulement, le film, premier d'une grande carrière, ne parvient pas à maîtriser véritablement les thématiques dont il traite et livre une photographie décevante, alors que c'est la première chose que l'on cherche dans un film du réalisateur mexicain. Pas mauvais, juste intéressant rétrospectivement.

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Mimic plaçait déjà les jalons de la caméra viscérale de del Toro, qui prouvait déjà tout son talent pour mettre en avant ses décors sombres, humides, crasseux. A l'image de ce qu'on trouvera plus tard dans Blade 2, les souterrains du métro de Mimic représentent une personnalité horrifique à part entière et installèrent déjà le jeune Guillermo parmi les grands réalisateurs en devenir, de ceux capables de livrer un film d'auteur avec une œuvre charcutée par ses producteurs, un certain Harvey Weinstein qui demanda à son faiseur Robert Rodriguez d'en retourner quelques scènes. Le film propose une violence sans concession qui jure avec la survie de certains personnages, incohérences que l'on peut mettre sur le dos des reshoots. Et s'il met encore plus en avant les enfants dans son film (ils sont ceux qui découvrent, combattent et survivent à l'invasion), del Toro laisse de côté le conte enfantin pour nous proposer une oeuvre profondément sombre, violente et cruelle dans sa façon de montrer certaines morts. Le fantastique reste à parfaire avec des effets spéciaux toujours décevants par rapport à ce qui était proposé à son époque.

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L'Échine du diable est à mon sens le premier grand film de l'artiste, qui nous livre ici sa première oeuvre aboutie de bout en bout, personnelle et poétique, et qui n'aura surtout subi aucun dommage de la part des producteurs. Magnifique oeuvre, L'Échine du diable traite très justement des répercussions traumatiques de la.Seconde Guerre Mondiale, le fait de manière neutre et sous le point de vue d'enfants qui se rendront compte du vice des adultes par le prisme d'un orphelin fantôme. En ce sens bien plus juste que Le Labyrinthe de Pan dans sa narration, il nous amène des personnages tous très bien écrits et plus ou moins émouvants, figures représentatives de l'ultraviolence de l'Homme. Fantastique.

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On pouvait difficilement imaginer d'entrée en la matière plus efficace que del Toro partit partager son cinéma au monde par le biais d'Hollywood. Sur la base d'une sympathique série b bien de son époque et stylisant sa violence extrême, il se fait ici pour la première fois plaisir avec les univers culturels underground, qu'ils soient de la culture geek ou à tendance sado-maso. Sa vision des vampires proche du grand fantasque transmet ses influences de cinéphile, les références allant des 12 Salopards à Aliens, et préfigure pour la seconde fois dans sa carrière le monde sous le monde, égouts désaffectés où vivent les vampires selon del Toro, toujours avec un rapport au père, à l'héritage familial, au conte devenu avec Nomak tragédie fantastique. L'on pourrait presque voir, dans sa séquence de combat dans les égouts, une version définitive et améliorée de ce film qu'il n'a jamais contrôlé, Mimic.

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Hellboy représente le film moteur de la carrière de Guillermo del Toro : en plus de l'avoir rendu populaire dans le monde entier (bien plus que Blade 2, qui pâtit aujourd'hui encore d'une réputation de série b sympathique), il contient toutes les thématiques importantes de son cinéma, de l'enfant essentiel à l'intrigue (Hellboy reste un gosse une fois adulte) à la figure paternelle de substitution (excellent John Hurt) en passant par le conte (toute l'introduction, magnifique entrée en matière) et le monde souterrain riche en créatures mythiques (que sa suite fouillera encore plus), tout dans Hellboy sonne del Toro. Il fallait bien que les studios viennent y mettre leur patte en ajoutant à la truelle un triangle amoureux certes révélateur des enfantillages d'Hellboy, mais inutile et allourdissant beaucoup trop une intrigue qui brillait jusqu'ici par sa sobriété et son efficacité. Ce n'est heureusement l'affaire que de quelques scènes, trop peu appuyées pour nous empêcher de profiter du premier film offrant les moyens suffisants aux ambitions démesurées de son auteur. Une page essentielle pour comprendre l'évolution de sa carrière artistique.

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Le Labyrinthe de Pan se place comme une reprise avec plus de budget et de maîtrise de la photographie de son touchant L'Echine du diable jusqu'à rencontrer, à trop se concentrer sur la forme, des difficultés de fond gênantes qu'on pouvait déjà remarquer dans le premier Hellboy : le manichéisme du propos anti-militariste, loin de la justesse de la réflexion sociale de ses premiers films, reprend le sujet pacifiste de l'Echine du diable sans jamais en atteindre la finesse de raisonnement, de développement et d'humanisme de ses hommes tourmentés qui sont prêts à tout pour survivre dans un pays en guerre. Le personnage de l'officier, stéréotypé au point d'en devenir caricatural, jure avec la profondeur du monde conté : l'inversion des tonalités (le monde réel est manichéen, ce qu'aurait du être le monde des fables, beaucoup plus adulte, noir et cruel) ne marche qu'à moitié, puisque le film ne décide jamais quelle direction choisir pour son récit. Doit-il mieux s'axer sur le quotidien dramatique de son héroïne et dévoiler les horreurs de la guerre dans le ton le plus réaliste possible (gâché par la naïveté du propos) ou partir carrément à fond dans la conte, quitte a délaisser la tragédie du monde réel? Il ne trouve malheureusement jamais la réponse à cette question, même dans cette fin qui mêle astucieusement les deux. Un joli film gâché par son fond.

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Première suite de la carrière de del Toro portant sur un de ses propres films (jusqu'ici la seule), Hellboy II : Les Légions d'or maudites se pose pratiquement comme un remake esthétique de ce qu'il avait pu nous offrir avec le premier volet; il fallait s'en douter, quand l'artiste décide de donner suite à son propre travail, ce n'est pas pour le reprendre paresseusement et rafler les billets derrière. Expérience à des années lumières du premier, Les Légions d'or maudites représente un véritable plus pour l'univers du personnage, qu'on voit désormais de façon différente. Exit le triangle amoureux du premier film : on sent dès le départ qu'il est enfin libre de faire ce qu'il veut, et il s'en donne à coeur joie. Visuellement barré, cet ultime opus de ce qui devait être une trilogie pousse la barre imaginative toujours plus loin en repoussant les limites visuelles des bestiaires habituels de l'univers du réalisateur, servi ici par de superbes effets spéciaux donnant le ton pour ses prochaines oeuvres : s'il n'a toujours pas changé les règles de mise en image et de narration de son univers si particulier, del Toro y a ajouté un goût pour le grandiose et un budget conséquent lui permettant de représenter comme il se doit les folies visuelles qui font la sève de son art. Le conte épousait enfin la réalité.

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Qui pouvait se douter, à l'annonce du projet Pacific Rim remplassant Hellboy III, qu'on aurait droit à un chamboulement sans conséquent dans la carrière du réalisateur? Si l'on pouvait déjà voir avec Les Légions d'or maudites une évolution considérable dans sa façon de représenter le fantastique et les contes au cinéma, nul n'était en capacité de prédire la splendeur visuelle des essais de del Toro sur la science-fiction/action, son extraordinaire tendance à faire du spectaculaire sans limite, à réapprendre à ce cinéma moderne amateur de destruction comment on met en scène un blockbuster véritablement honnête avec son public, et, il est impossible de le nier, visuellement très réussi.

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Crimson Peak est une concentration de l'art entier de del Toro : malédiction, fantômes victimes et/ou bourreaux, humains démoniaques, naïfs et idéalistes, romance et esthétique gothique composent cette fable superbe mais imparfaite, dans laquelle le réalisateur partage plus que jamais ses obsessions, qu'elles soient visuelles ou thématiques. Et quand il fait ce qu'il aime en ayant gagné de l'expérience et sans l'étau des studios, avec des moyens supplémentaires et encore plus de maturité, del Toro propose l'une des oeuvres les plus jolies, poétiques et imaginatives de son registre, et certainement la plus personnelle de sa carrière. Il est regrettable que l'écriture ne suive pas le génie de la mise en scène, tant elle manque de folie et d'inventivité.