Robert Guédiguian - Commentaires

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Ils étaient quatre enfants qui voulaient changer le monde, pas exactement un club, plutôt une tribu. Les années ont passé et leurs idéaux ont grise mine, la cote des valeurs de gauche est tombée au plus bas. En exprimant la mélancolie de cette génération désenchantée, l’auteur observe le déclin d’une certaine tradition ouvrière, d’une mouvance pas seulement communiste, de la mémoire des luttes passées à la posture suicidaire qui leur a succédé. Il signe un film obsédé par la perte et la trahison, réfutant le pittoresque du Sud (le soleil, l’accent, la légèreté) pour privilégier une forme d’amertume contemplative. Mais desservi par une narration erratique et approximative qui ne fixe jamais ses points d’impact, il échoue à insuffler aux personnages et à leur histoire l’émotion qu’ils auraient pu transmettre.

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Une histoire de gens simples, comme on dit des gens qui ont si peu que c’est presque rien. Tour à tour porte-parole et centres d’intérêt privilégiés, représentants du passé et figures sociales de la misère contemporaine, ils manquent tous de quelque chose, argent ou travail, logis ou famille, partenaire (du moins sexuel) ou espoir. Mais ce qui touche est l’évidence que ces gens-là, au plein cœur du dénuement, ne renonceront pas aux commandements de la conscience, que rien à leurs yeux ne justifiera jamais l’abandon des valeurs qui fondent la morale. En sauvant les fictions simples de la culture populaire, en les faisant éclater par une circulation transparente du sentiment, du geste et de la parole, l’auteur entérine son respect chaleureux pour des êtres dont la vie n’est ni un mélodrame ni un conte de fées.

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Guédiguian a deux credos : Marseille (un quartier phocéen gorgé de soleil) et la famille (où les coups de gueule s’apaisent autour d’un aïoli et où les querelles conjugales s’achèvent dans un grand éclat de rire). Ce film-là se sirote comme un pastis serré, se déguste comme un plat de rougets grillés, se hume comme le vent du large, et entérine les vertus pédagogiques et engagées du cinéaste sous une forme aussi modeste que chaleureuse. La précarité de la situation sociale, la valeur de la solidarité face au chômage et à l’injustice font perdurer la foi en un cinéma d’humanisme militant, qui serait exonéré des lourdeurs du misérabilisme. C’est un conte social mâtiné de théâtre de rue, une œuvre tendre et enchantée qui réchauffe le cœur, entre faconde obstinée et dignité lumineuse.

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Dans "Providence", Alain Resnais formalisait de façon vertigineuse les affres de la création littéraire. Toutes proportions gardées, le réalisateur marseillais reprend le dispositif et épouse le travail laborieux, les errances, les coups de gomme et les enthousiasmes forcés de deux scénaristes aux prises avec un script rebelle. Le portrait de ces auteurs en ratés sympathiques et sincères dévoile un côté facétieux tout à fait réjouissant, en plus de pointer avec humour les limites d’un système où la grandeur généreuse du peuple s’oppose invariablement aux bassesses des puissants. L’ensemble, simple comme une leçon de choses et drôle comme une farce consciente de ses facilités, assume sa vocation engagée tout en détournant sa finalité par un éclat de rire, clin d’œil assez gros pour nous rendre complices et heureux.

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Dès le premier plan, la caméra décolle de l’anecdote, sort du microcosme du quartier pour embrasser cette Marseille frappée de maux destructeurs que l’auteur indigné affronte avec une ardeur pathétique. Là où tout pourrait valser en ordre dans un décor folklorique, ruptures et pentes sèches se multiplient selon un désir affolé qu’active l’attente des catastrophes à venir. De l’ouvrière courage accablée par la pression du fatum à l’ado héroïnomane, du docker gréviste devenu taxi au socialiste aveuglé, de l’ex-taulard noir posant les bonnes questions au bistrotier cachant un tueur à gages marmoréen, chaque naufragé de la vie nourrit de sa poignante humanité la mosaïque d’un tissu social calcifié, d’un désenchantement politique dépeints avec une force, une noirceur et une violence à vriller les entrailles.

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Des nus et des bateaux : tout le projet du film le plus tragique et douloureux du cinéaste pourrait se résumer à ces deux motifs. Les premiers, hommes et femmes, valent pour l’humanité toute entière ; les seconds, petits ou grands, symbolisent leur destin voyageur, leur besoin d’aller voir ailleurs, leurs pulsions de vie et de mort. Dans l’écrin indigo de la cité aux mille ressacs, une femme blessée d’amour porte en elle ce goût de peau et de larmes qui lui corrode le cœur. Souffrir en aimant encore ou aimer en souffrant encore… Dilemme éternel exploré à même la chair, romance sans issue pour un mélodrame poignant qui ne flamboie pas, remplace les violons par des chansons à deux francs six sous et juxtapose la félicité la plus solaire et la détresse la plus vive. Les acteurs sont au diapason, superbes.

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Guédiguian part loin de son Estaque solidaire, exilé volontaire et fasciné sous les ors de l’Élysée. Ni superproduction ni monument politique, le film prend quelques trains, raconte quelques repas, visite une plage, un jardin, montre des livres, avec une modestie qui n’exclut pas l’acuité. Aussi loin de l’hommage hagiographique que de la charge démystificatrice, le portrait de Mitterrand et de ses derniers jours emplis de péroraisons cyniques, d’observations acides et de déclarations emphatiques dévoile un homme subtil, manipulateur, cultivé, qui médite sur l’ambivalence de son legs politique et sur sa finitude prochaine. Un poil désincarné à force de minimalisme épuré, il prend la forme d’un long monologue sur le pouvoir, le temps, la mort, et doit beaucoup au jeu précis et intense de Bouquet.

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Le cinéma historique labellisé devoir de mémoire n’avait encore jamais figuré dans la filmographie de l’auteur, qui affirme ici une volonté de transcender sans métaphore alambiquée le seul contexte de son sujet sans pour autant le minorer. C’est d’évidence le combat de tous ces anonymes prenant les armes pour défendre leurs légitimités identitaires qui l’intéresse. Il y a donc du cœur, beaucoup d’honnêteté et un certain équilibre entre souci d’objectivité et exaltation idéologique dans cette évocation de la lutte menée par un groupe de résistants immigrés. Et si Guédiguian n’évite pas toujours le didactisme, si l’épisode tragique qu’il relate est un peu trop conforme aux lieux communs de la reconstitution, la sobriété et la rigueur de l’ensemble en font un film assez estimable.

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Si l’on peut reprocher à Guédiguian un léger manichéisme dans la manière dont il prend parti pour sa génération et stigmatise l’individualisme de la suivante, ce beau conte utopique, toujours sous-tendu par l’altruisme lumineux et l’optimisme humaniste qui sont la marque de l'auteur, capte avec justesse le désarroi de ses héros face à l'effilochage progressif du combat social et à la dissolution de la lutte collective. Mais face aux lendemains qui déchantent, le cinéaste parie sur la bonté, cette force permettant d’affronter les dérives de la violence et de la mondialisation. À travers une douloureuse prise de conscience, il rappelle ainsi comment la précarité et la paupérisation peuvent changer les idéaux, tout en réaffirmant sa foi en la nécessité du don et de la générosité désintéressés.

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Le bistro-restaurant dominant la calanque désormais déserte de Marseille, le viaduc sur lequel passe le TGV à heure fixe, le petit port où quelques bateaux ramènent une maigre pêche... et l’humanisme inflexible d’un cinéaste plus que jamais fidèle à ses convictions, sa manière, sa colère face aux injustices du monde. Son art est ici tel un théâtre tchékhovien miniature que le temps passé, les récriminations, les désillusions et les blessures mal cicatrisées auraient recouvert de leur linceul. Mais pour insuffler une vie nouvelle à ces retrouvailles à l’ombre de la mort, pour ranimer les braises de l’espoir et assurer un relais de générations qui passe aussi par la réinvention d’une fratrie, la partition sobre et assurée de Guédiguian transmet une solidarité combattive qui vient à bout de toutes les amertumes.

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La villa du film précédent était une enclave où la générosité et l’utopie étaient préservées de l’accablante hostilité du monde. Le combat collectif n’est désormais plus qu’un souvenir, et son échec n’a fait qu’activer la lutte sans merci des défavorisés entre eux. Sans écorner la solidité d’une dramaturgie aux boulons implacablement serrés, le réalisateur renvoie l’image chorale d’une tribu unie mais déchirée par les liens du sang, minée par le pouvoir corrosif de l’argent, celui qu’amassent les mauvaises gens inféodés à la logique capitaliste, celui qui manque aux pauvres gens macérant dans la misère moderne – de l’ubérisation à l’obsolescence programmée. Et s’il s’impose plus que jamais comme le Ken Loach français, il rappelle aussi avec bonheur ce que son art doit à la grande forme classique de la tragédie.