Captations

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Comédie-Française, 1970
Mise en scène de Jacques Charon (8/10)
http://youtu.be/jQpZ_92ukew

Feydeau. J'ai beaucoup trop d'amour pour ce bonhomme pour être objectif, ça m'ennuie vraiment mais j'aime l'aimer. Ajoutez Jean Piat et Robert Hirsch, et oui, je suis conquis. Pourtant, en 70, il y plein de "petites choses" irritantes (ARRÊTEZ D'APPLAUDIR !), mais le talent et le professionnalisme sont là (le plus grand danger d'une mise en scène de Feydeau est l'amateurisme, ça peut très vite tourner à quelque chose de ridicule, comme disait Murat "il faut monter Feydeau très sérieusement"), la complicité est exemplaire, le clownesque s'immisce avec grâce (Hirsch immortalisé), le texte glisse et on s'autorise de très belles choses. À voir aussi, la mise en scène de Deschamps de 2010 avec Christian Hecq, toute aussi risquée. Le risque est de mise chez Feydeau, le spectateur peut vite soupçonner une complaisance dans le comique, surtout si on est peu friand de vaudeville ou de comique en général. Le travail de Charon est en cela renversant, puisqu'il n'a presque pas vieilli, et donne le meilleur que peut donner la Comédie-Française - quelle belle troupe que celle de ce Fil ! - qui sait aussi très bien se louper (elle est parfois industrieuse, à produire et reproduire ses classiques, avouons-le).

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Théâtre de la Ville, 2006
Mise en scène d'Emmanuel Demarcy-Mota (7/10)

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Odéon-Théâtre de l'Europe, 2007
Mise en scène d'André Engel (7/10)

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Théâtre National de Bretagne, 2011
Mise en scène de Patrice Chéreau (8/10)

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Odéon-Théâtre de l'Europe, 2012
Mise en scène d'Olivier Py (7/10)
(En vrai c'est mieux; c'est 8)

Chez Py, ça saute, ça remue. L'écume des mots shakespeariens est ici complètement offerte à la jeunesse, puisque Roméo et Juliette parle avant tout de jeunesse (et après d'amour, ça me semble indéniable, inutile de chercher une lecture plus littéraire ou ésotérique), et Py l'a très bien compris, dans sa traduction génialement odieuse (et pourtant, oui, fidèle) comme dans son boulot avec le scénographe Pierre-André Weitz qui roule des espaces géométriques, angulaires, verticaux, horizontaux, diagonaux. On provoque les nouveaux nobles, les nouveaux occupants des balcons de nos nouveaux théâtres du Globe, on ne ramène pas des entrailles sur scène mais, littéralement, les attributs assimilés à la hardiesse, allègrement posés sur la table, venus secouer l'assistance, dans une bonne humeur et un élancement qui aident énormément au drame de la seconde partie. Drame parfois un rien maladroit, (que veut-on, ça a 4 siècles, même si c'est intemporel) toujours entier et traité au plus profond (Philippe Girard, le frère Laurent qu'on veut voir).

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Odéon-Théâtre de l'Europe, 2007
Mise en scène d'Olivier Py (6/10)

6 surtout pour Agamemon, avec une première moitié de pièce d'une qualité renversante, notamment esthétique (chez Py, c'est souvent impeccable de ce côté, car il fait du beau dans le laid, du sublime dans le grotesque et inversement #Hugo) mais beaucoup de déception sur la suite de la pièce, répétitive et mal rythmée, défauts retrouvés dès le début des Choéphores qui m'a spolié l'envie de voir le cycle en entier et de tenter, devant mon écran, l'aventure du public de l'Odéon de vivre L'Orestie d'Eschyle en une journée. Au théâtre peut-être cela aurait gagné (ne le nions pas, ça gagne toujours). Le mysticisme était là, le texte du chœur chanté en grec (bordel ça fait du bien) d'une grande beauté, les jeux de (non-)couleurs et de matière puissants, mais Dieu que c'est long, on prend un temps fou pas toujours pertinent et on perd un public pourtant patient. L'actrice de Clytemnestre ne tient pas son texte, Egisthe est immonde et tant mieux mais un peu caricatural, seul le Coryphée, le Choeur et Agamemnon se dégagent de tout ça et nous captivent. Peut-être que ça lorgnait trop vers l'opéra (que Py adore), chose très risquée au théâtre, car limité en musique...

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Comédie-Française, 1976
Mise en scène d'Antoine Vitez (7/10)

Vitez ne laisse aucun répit : des figures mondaines qui se mordillent, le pont d'un bateau de croisière, la sueur latente des visages, un plateau presque nu loin des scénographies oversubventionnées, une Chine tout juste suggérée, une maison de campagne, un fusil ; le texte de Claudel est respecté comme rarement (comprendre : exploité à fond), on joue sur ses versets, les pauses, les regards, l'étrangeté, et on donne un mystère moderne à ce texte occulte. Les acteurs ne flanchent jamais, et s'ils tremblent, ils en deviennent d'autant plus beaux... leur travail est monstrueux. Peut-être ce que pourrait être une mise en scène idéale du Partage (bien que l'enregistrement soit incomplet) ; a le génie du moins de donner très envie d'en voir une mise en scène aujourd'hui. Le plus : on comprend le topo, ce qui n'est pas toujours donné chez l'auteur.