deux mille vingt-six

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(janvier) une odyssée de la souffrance dont le retour à Ithaque serait compromis par la pulsion coloniale - d'un charnier à l'autre, Magellan, rongé par la gangrène, claudiquant, erre parmi les morts : malais, philippins, espagnols, portugais ; en cadrant à distance, austérité et lenteur, Diaz met en place un dispositif quasi-ethnographique, qui met à égalité dans le plan colons (filmés dans leur entreprise suicidaire de traversée du pacifique), populations autochtones (dont les rituels mortuaires semblent presque découpés de la trame) et même les animaux (Magellan au début du film semble aussi désemparé que les poulets qui rentrent et sortent du cadre). Il me semble que ce qui intéresse Diaz c'est moins la critique coloniale (trop facile) que la morbidité que l'Europe a répandu au XVe siècle. À ce titre, Magellan est un exemplaire cavalier de l'Apocalypse.

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(janvier) L'Engloutie est passionnant lorsqu'il représente comment la France est venue tirer dans le giron national, républicain et francophone les habitant·es les plus reculées du territoire. Il y a plus qu'une distinction sociale entre l'institutrice et les paysans des montagnes, c'est une différence quasiment anthropologique, entre moderne et autochtone, qui revêt du coup sous certains atours une dimension coloniale (l'institutrice dépose même une statuette de la Marianne chez elle, c'est-à-dire un fétiche symbolique particulier, de la même façon que Magellan dépose statuette de Jésus et croix lorsqu'il débarque dans les Philippines). Cet antagonisme irréconciliable est d'ailleurs représenté dans la mise en scène qui alterne entre plans de montagnes immaculés et lumineux, et intérieur sombre, quasiment peu éclairé. Hélas, l'Engloutie s'embourbe dans une histoire fantastique à laquelle il est difficile de croire, et qui en plus s'épuise en moments de scénario. J'aurais adoré que le film se termine sur son avant-dernière scène, avant le retour dans la vallée, pour faire monter la tension dialectique entre moderne et paysans, mais c'est pas moi qui fait le film.

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(janvier) une enfance dans la Chine rurale juste avant le début de l'industrialisation - le film est centré sur une famille pauvre, étalée sur 3 ou 4 générations, tous étant admirablement représenté.

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(janvier) j'aimerais bien découvrir un peu plus en profondeur le cinéma du western, que j'ai toujours regardé avec un peu de dédain jusqu'à présent : pas sûre que ce film soit le plus approprié pour se lancer tant il est désinvolte et impertinent par rapport à son genre : sur bien des aspects, on dirait un film de vacances, dans lequel Paul Newman et Robert Redford font du vélo, galopent dans les grands espaces, font des blagues aux cheminots, se baladent en Bolivie et font panpan avec leurs pistolets. On a parfois l'impression que le film avance à vue, mais c'est aussi représentatif de la disposition à l'errance des deux personnages, ces entrepreneurs du crime qui refusent de travailler, et qui par conséquent ne peuvent être rien d'autres que des parias.

le rôle féminin au secours

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(janvier) On trouve dans l'Apollonide une touchante attention portée à la quotidienneté et à l'épuisement des travailleuses du sexe, leurs désirs d'évasion, et surtout la répétition du labeur, qui donne à la maison close des allures d'éternité - quand bien même des dynamique de périclitement font sauter les coutures du lieu : les difficultés économiques compromettent l'avenir de la maison, les filles vieillissent et meurent parfois de leur travail.
D'autre part, Bonello s'emploie à explorer le désir de possession des clients de la maison, envers ces femmes toutes disposées à les satisfaire - et honnêtement j'ai trouvé ça un peu lourd, quand c'est pas tout simplement voyeuriste. Les fantasmes des bourgeois valent finalement plus par ce qu'ils permettent comme scènes - parfois truculentes (la geisha) ou sidérantes (la poupée) - que comme signification. Le pire étant certainement cet horrible plan de torture sadique, heureusement très succinct.

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(janvier) précis, drôle et gourmand, j'avoue que je ne m'attendais pas à trouver le cinéma de Lanthimos dans ces coordonnées, et pourtant : en revenant à un dispositif minimaliste (trois personnages, un lieu, et des poussières), en jouant à fond la carte des dialogues truculents, avec ce qu'il faut de regard désabusé (mais pertinent) sur le monde, on obtient un petit film qui fait beaucoup avec peu. Même les scènes de séquestration et de torture qui me faisaient peur avant le visionnage sont ok : pas de torture porn à l'horizon.

entre The Curse, Eddington et Bugonia, 2025 c'est pour moi la grande découverte de Emma Stone

du coup par défaut mon film préféré de Lanthimos

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(janvier) peut-on faire tenir une séquence nekketsu épique en 10 secondes ? 100 mètres prouve bien que oui - et c'est assez fascinant de regarder une à une les scènes de courses pour voir tous les éléments trouvés pour rendre chacune d'entre elles uniques, et notamment des séquences d'animation vraiment exceptionnels - hélas de nombreux bavardages creux rendent le film longuet

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(janvier) trois histoires de famille communicant avec un ensemble de signes - j'ai trouvé ça assez vain, même si j'avoue que je fonds un peu pour l'esthétique chic et clinquante de Jarmusch - je retiens surtout les plans de voiture dans Paris à la force documentaire assez inouïe

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(janvier) exploration méthodique d'un quartier de classe moyenne qui succombe peu à peu à un délire sécuritaire, quand bien même il ne se passe pas grand chose dans le quartier - le film ne m'a personnellement pas trop captivé, mais j'ai apprécié la façon dont Filho multipliait les points de vue pour nous donner une vision sous tous les angles et coutures du quartier

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(janvier) malgré un montage médiocre, télévisuel, et un ton mielleux qui peut agacer, les plans documentaires rassemblés dans ce film sont ébouriffants - on voit rarement (jamais ?) d'aussi près, et sur un temps aussi long (2 ans) la militarisation des institutions publiques et l'affaissement des mentalités.

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(janvier) une travailleuse du sexe trans tout juste sortie de prison se lance à la poursuite de son copain et de la meuf avec laquelle il l'a trompé - la mise en scène explosive, filmée à l'iphone 5, accompagne à merveille la colère de son héroïne, prête à tout pour obtenir des explications, malgré tous les obstacles matériels qui lui font face : il est difficile de se déplacer dans Los Angeles quand on n'a qu'une paire de talon et un sac à main / le va-et-vient entre lenteur et vitesse donne à Tangerine un rythme irrésistible

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(janvier) des punks aux cheveux décolorés tentent de lutter contre la diffusion de muzak en produisant des cassettes audio terroristes qui incitent celleux qui l'écoutent à se révolter contre l'ordre - c'est quasiment un film d'ambiance, le scénario est à peine esquissé, presque décousu, comme dans un roman de Burroughs (en caméo dans le film), et surtout un prétexte à l'exploration d'une esthétique post-punk qui communique de façon étonnante avec notre contemporanéité - on y retrouve notamment des musiques de Einstürzende Neubauten et de Genesis P-Orridge

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(février) une française en exil en Corée du sud tente de survivre en donnant des cours de langue d'une façon très surprenante mais qui lui attire l'amitié de tous ceux qu'elle croise - ce qui étonne, c'est de voir le personnage incarné par Isabelle Huppert osciller entre des archétypes de séductrice sans-le-sou et de moine taoïste sans que l'on sache au final à quelle catégorie elle appartient réellement. Je note également un plan magnifique où une mère nourrit son fils dont elle a peur qu'il succombe au charme de Isabelle Huppert, filmé dans le dos du garçon et donne à voir un jeu d'émotions dans le regard de la mère.

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(février) deux personnes atteintes d'handicap vont s'entraider au sein d'une petite enterprise familiale et développer une amitié - ce qui impressionne, c'est l'incroyable douceur du film, qui doit beaucoup au jeu enlevé de Mone Kamishiraishi qui retranscrit à merveille la générosité sans borne de son personnage. Jusqu'à l'aube est si léger et empathique qu'on ressent à peine l'empreinte profonde qu'il imprime en soi.

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(février)

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(février)

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(février) formidable film sur la crise de la classe moyenne, laquelle, une fois acculée par l'évolution du capitalisme, sors les armes pour défendre ses maigres privilèges et s'entre-dévore - Park Chan-Wook est beaucoup moins cynique ici qu'il n'est réaliste en documentant la fascisation de la société - sa mise en scène de prouveur est elle-même représentative de cette classe moyenne en déshérence

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(février) River of Grass est intéressant parce qu'il permet de voir en creux toutes les thématiques à venir de son cinéma : l'irresponsabilité des hommes, la marge, l'inadéquation à la société, la revisite des genres de cinéma, des mythes américains, etc etc - mais ça reste un premier film, et on s'ennuie beaucoup

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(février) Reichardt se radicalise en quelque sorte à mesure que ses héros marginaux deviennent de plus en plus malaimables - mais contrairement à Showing Up qui mettait en avant une figure douce-amère de l'artiste réaliste et convaincante, ici c'est la ligne de fuite d'un homme irresponsable qui tire le film dans le néant de sa cavale. Il est si nul et médiocre que bientôt ça tourne à vide, et qu'on est obligé de supporter une métaphore bébête sur le non-engagement politique sur fond kitsch de la guerre du Vietnam.

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(février) simple et magnifique

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(février) relecture de Crime et châtiment au diapason de l'histoire philippine - la longueur du film ne doit pas décourager tant il est riche tant d'un point de vue formel et discursif. Le rythme est certes lent, mais les plans sont magnifiques et passionnants à observer. La lenteur est juste celle qu'il faut pour avoir le sentiment de s'aligner au quotidien des personnages et juger des enjeux moraux et politiques qui courent sur chaque scène. Ça donne envie de s'intéresser plus en profondeur à l'histoire des Philippines, ainsi bien sûr, qu'au cinéma de Lav Diaz.

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(février) décousu et inconséquent

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(février)

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(mars)

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(mars)