Films à l'affiche

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Ildiko Enyedi, cinéaste hongroise en activité depuis 1989 et "Mon XXè siècle" (Caméra d'or à Cannes), tourne assez peu, et ses films n'ont pas tous été distribués en France. Les trois derniers le sont, et c'est une découverte fabuleuse. Les séquences oniriques de "Corps et âme" (2017) étaient déjà puissantes et belles, mais ce nouvel opus est une sorte d'ovni qui surpasse encore les réussites précédentes. Trois temporalités différentes pour un seul lieu : une université allemande au milieu de laquelle se dresse un arbre majestueux, l'ami silencieux du titre. On suit en alternance le professeur hongkongais Wong (Tony Leung, magistral dans tous les sens du terme), spécialiste en neurosciences, notamment dans la perception des bébés, qui va resté isolé sur ce campus pendant la pandémie de Covid-19, Grete, première femme à être admise dans cette université en 1908 après un examen humiliant (et interprétée de façon très moderne par Luna Wedler), et Hannes, un étudiant dans les années 1970 en colocation avec Gundula, qui mène des expériences sur le langage des plantes. Le tout semble d'abord une méditation sur les activités scientifiques et leurs évolutions dans le temps, mais aussi et surtout sur l'observation des vies botaniques. Si les dialogues humains sont relativement parcimonieux, le film est innervé de montées de sève spectaculaires...

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Ce n'est pas le premier film d'Alain Gomis que je vois, mais rien ne me préparait à ce qu'allait offrir celui-ci. L'intrigue semble assez simple, elle tourne autour de deux commémorations : Gloria prépare le mariage de sa fille Nour en région parisienne, et part avec elle en Guinée-Bissau célébrer la mémoire de son père décédé. On s'aperçoit assez vite que le montage va fusionner les deux cérémonies pourtant distinctes par l'espace et par le temps. Le film dure trois heures, mais on n'a aucune envie de le lâcher, tant il nous emporte, et, sans jamais donner de leçons, nous lave de tous les regards essentialistes des courants réacs comme le Printemps républicain ou toute la galaxie d'extrême droite. Il y a des scènes un peu ritualisées, mais aussi d'autres où les personnages de chaque génération peuvent s'interroger sur ce qui les constitue. Certes, dans cette profusion, des commentateurs professionnels malfaisants pourraient isoler un bout de scène, et lui faire dire le contraire de ce que signifie le film (car dans leurs polémiques pourries ils ne savent faire que ça). Le film inclut aussi en son sein des images du casting, réel ou supposé, comme pour créer des moments de recul ou de distanciation, mais c'est bien l'impression d'immersion qui domine (avec une excellente BO), la durée jouant en faveur du film, comme une réponse de dignité face à tous les raccourcis à la mode.

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Il s'agit du dernier film de la compétition officielle cannoise 2025 à sortir sur les écrans français, mais ce n'est pas le moindre. C'est même parmi ce qui se fait le mieux en tant que fiction d'inspiration autobiographique. "Eté 93", premier long métrage de Carla Simon, suivait Frida, une fillette de six ans, au moment où elle perdait ses parents biologiques et était accueillie par ses parents adoptifs. Ce troisième opus met en scène Marina, une jeune fille de dix huit ans, en 2004, adoptée très jeune et qui rencontre la famille de son géniteur (qu'elle n'a jamais connu). Elle souhaite suivre des études de cinéma (une des premières scènes nous la montre caméscope à la main), et pour l'obtention d'une bourse doit établir sa filiation. Si le film est souvent baigné d'une lumière solaire (merci Hélène Louvart), la quête de Marina tient plutôt de l'exploration des zones d'ombre de sa famille biologique, issue de la grande bourgeoisie espagnole, avec ses cadavres laissés dans le placard au nom de l'apparente bienséance (redoutables grands parents "de sang"). De façon plus large, ce sont aussi les drames d'une époque que la jeune femme n'a pas vécue qui remontent à la surface : sans jamais rien souligner, le regard porté a bien une certaine acuité politique...

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Voyant que la guerre génocidaire à Gaza avait tendance à invisibiliser l'intensification de la colonisation en Cisjordanie, Yanis Mhamdi, journaliste pour le média indépendant français Blast, part en reportage deux mois à l'été 2024. Il suit deux situations : d'une part celle d'Alaa Nassar, Palestinien du village de Madama, près de Naplouse, entouré de checkpoints et en proie aux attaques des colons, d'autre part celle d'Alice Kisiya, jeune palestinienne chrétienne et citoyenne israélienne (dans ce régime d'apartheid qui multiplie les doubles standards juridiques) qui se bat pour récupérer le terrain appartenant à sa famille, sur lequel étaient édifiés une maison et un restaurant, et qui a été volé par les colons, protégés par les forces de l'ordre. C'est cette deuxième histoire qui fait naître les scènes les plus fortes. La situation est tout sauf nouvelle, cf les documentaires "Cinq caméras brisées" (2011) ou "No other land" (2024), mais on ne peut s'y habituer, et le film enregistre les conséquences d'une constante injustice et d'une perpétuelle impunité.

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Dans un village du Nigeria, deux jeunes garçons attendent le retour de leur mère. Le plus âgé d'entre eux veut suivre leur père, trop souvent absent et qui s'apprête à partir à Lagos. Le titre très générique, choisi par le distributeur français pour ce premier long métrage qui a obtenu la mention de la Caméra d'or au festival de Cannes 2025, renvoie donc à une journée particulière, à la fois pour les personnages et pour leur pays tout entier. La mise en scène est réalisée à hauteur d'enfants, de telle sorte que l'on découvre des aspects de la vie de ce père au même rythme que ses fils. Pour beaucoup de spectateurs occidentaux, il en sera de même pour le contexte local de ce moment charnière en 1993, qui se dévoile progressivement, sans prendre le pas sur des moments de partage familial qu'on devine rares. Le film, d'inspiration semi-autobiographique, est un coup d'essai très prometteur.

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La surdité est un thème qui a déjà donné lieu à des films mémorables, essentiellement dans le documentaire ("Le Pays des sourds" de Nicolas Philibert, "J'avancerai vers toi avec les yeux d'un sourd" de Laetitia Carton), mais aussi dans la fiction ("Sound of metal" de Darius Marder). L'originalité de ce film-ci réside dans le fait qu'il croise ce thème avec celui de la parentalité. En effet, l'héroïne Angela, interprétée par Miriam Garlo, propre soeur de la réalisatrice, est une jeune femme sourde qui attend un enfant de son compagnon Hector, entendant avec qui elle vit harmonieusement. L'arrivée du bébé, qui se révèlera entendant lui-aussi, va compliquer les choses. La mise en scène est d'abord classique, voire sage, avant de basculer dans le dernier mouvement vers une expérience plus sensorielle...

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Dans un chantier de travaux en Afrique de l'Ouest, le responsable des lieux s'apprête à recevoir sa compagne. Mais un homme noir, Alboury, s'approche des grilles du site et réclame qu'on lui restitue le corps de son frère, décédé au cours des travaux déjà réalisés. Claire Denis réussit bien à mettre en scène les divers rapports de force qui s'établissent entre les personnages, en adaptant la pièce "Combat de nègre et de chiens" de Bernard-Marie Koltès, en particulier les doubles standards et la violence du colonialisme sous-jacent. Mais, contrairement à ses meilleurs réalisations, elle n'arrive pas à produire d'images réellement mémorables, comme si elles restaient en partie prisonnières de l'origine théâtrale du projet.

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Pour son premier documentaire, la réalisatrice Lucrecia Martel ("La Ciénaga") filme le procès tenu en 2018 des assassins de Javier Chocobar, une figure de la communauté des Chuschagasta. Derrière cet assassinat se joue l'enjeu de la récupération par cette communauté autochtone des terres dont ils ont été dépossédés par le colonialisme. Le film progresse petit à petit comme une enquête (au départ on ne comprend pas bien de quoi il s'agit). En montrant que son point de départ est situé (à l'extérieur du peuple opprimé), la cinéaste fait preuve d'honnêteté. Le choix de filmer des scènes de la vie quotidienne par drones semble quand même incongru, alors qu'elle touche mieux du doigt les sables mouvants administratifs.

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Le premier long métrage de la réalisatrice belge Catherine Cosme est l'histoire d'une femme photographe (ayant du mal à parler en évitant des drôles d'anglicisme) qui est appelée par son frère pour venir au chevet de sa mère, beaucoup plus malade qu'ils croyaient. Elle fait une autre découverte : sa mère avait usurpé son identité pour contracter des crédits au nom de sa fille. D'inspiration autobiographique, le film mélange le thème de la fin de vie et celui du surendettement. Ce mélange est peut-être un peu bancal, le deuxième sujet étant traité plus superficiellement que le premier, mais dans un registre mi-comique mi-dramatique, Vimala Pons s'emploie avec efficacité.

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Après une longue absence et quelques films mitigés ("Harvey Milk", en 2009, est à mes yeux sa dernière grande réussite), Gus Van Sant revient avec la reconstitution d'un fait divers survenu en 1977 à Indianapolis, dans lequel un propriétaire, étranglé par les dettes de son emprunt immobilier, prend en otage le fils du courtier responsable de ce contrat, en le menaçant d'un fusil attaché à son cou. Pour plaider sa cause, il souhaite médiatiser son geste, en tentant de contacter l'animateur d'une radio locale. La reconstitution est soignée, et peut faire penser au récent "The Mastermind" de Kelly Reichardt. Mais l'esprit semble plutôt lorgner vers l'ironie des frères Coen, même si le regard semble peu audacieux politiquement. Cependant, dans le rôle du ravisseur, Bill Skarsgard assure...

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Kôji Fukada, réalisateur japonais, place son intrigue dans le milieu de la J-pop (pendant japonais de la K-pop). On suit plus particulièrement cinq jeunes filles qui forment le groupe Happy Fanfare. Tout leur univers est très formaté, elles n'ont aucune autonomie, des shows jusqu'aux rencontres minutées avec les fans. Il leur est d'ailleurs interdit par contrat d'avoir des relations amoureuses. Filmé assez à plat, ce long métrage questionne une société de contrôle et de surveillance, où est de plus en plus poreuse la séparation entre vie publique et vie privée...

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Pour son troisième film, mais le premier à sortir en salles en France, le réalisateur japonais Akio Fujimoto raconte l'histoire d'une famille de Rohingyas, quittant leur camp de réfugiés au Bangladesh, pays où ils sont persécutés après l'avoir été en Birmanie, pour rejoindre un autre membre de la famille en Malaisie. Le périple est essentiellement filmé à hauteur de deux enfants : Shafi, petit garçon de 4 ans, et Somira, sa soeur de 9 ans. La réalisation mime le style documentaire façon cinéma-vérité, mais avec l'inconvénient de ne pas ouvrir de perspectives plus analytiques.