Films visionnés en 2024 (classement avec annotation)

Annotation :

Le 12/01 en téléchargement sur la TV

On a longtemps mis en avant la trinité Xavier Dolan, Denis Villeneuve et Jean-Marc Vallée (un peu Denys Arcand aussi pour le cinéma d’auteur) comme les grands cinéastes Québécois. A la vision du sublime les chambres rouges, je me dis que d’autres cinéastes semblent bousculer cet ordre établit.

Car oui, les chambres rouges et l’un des immenses films de 2024. Que ce soit sa mise en scène absolument sublime (ce plan séquence monstrueux dans le palais de justice ou ce jeu de regard tétanisant entre le présumé tueur et l’héroïne), sa gestion magnifique du son, ses comédiens incroyables (magnétique et terrifiante Juliette Gariepy), sa belle gestion du hors champ ou encore sur les thèmes abordés et le malaise que le film provoque, le long métrage est un quasi sans faute.

Car oui, le film navigue constamment en eau trouble avec une héroïne assez insaisissable ce qui crée des moments de malaises et de tension par moment insoutenable surtout dans son dernier acte. De plus, les chambres rouges et peut être le film le plus accompli sur la fascination du public pour les serials killers. Alors oui, le film a quelques petites baisses de régimes au milieu de son intrigue mais c’est tellement peu de chose au vu du résultat final absolument captivant et qui parvient à créer un malaise absolument palpable surtout dans son dernier acte.

Annotation :

Le 07/03 au cinéma

Après avoir savamment présenté l’univers et germer des graines dans le 1er opus, Denis Villeneuve peut enfin lâcher les chiens dans ce deuxième opus. Si je regrette une première partie légèrement longuette sur l’initiation du héros aux rites Fremens dans la première partie du récit, on peut dire que le reste est juste un chef d’œuvre magistrale.

La photographie et la mise en scène est magnifique et plus variées que dans la première partie (mon dieu ce noir et blanc sur la planète Harkonnen !), le récit politique gagne de l’ampleur et devient enfin un récit non Manichéen où chaque nation tente de dominer une autre par rapport aux vices de notre monde (le capitalisme, la terreur ou le fanatisme religieux).

Les personnages gagnent en épaisseurs et les acteurs sont excellents. Une grande fresque politique, un film d’amour et un récit digne de Shakespeare dans un récit parfaitement rythmé et intelligible. Un immense Blockbuster.

Annotation :

Le 21/05 au cinéma
Revu le 05/06 au cinéma

Après avoir révolutionné le film d’action et révolutionné l’industrie Hollywoodienne avec Fury Road comme George Miller pouvait refaire l’exploit avec ce préquel qui serait immédiatement comparé à son aîné ?

La réponse est simple, en réalisant un film totalement différent. Moins avare en action, Furiosa développe davantage son univers et ses personnages et va parler de comment un mythe se crée. Alors oui les CGI sont plus visibles et la photographie encore plus irréelle et pétaradante de couleur saturée à l’extrême.

Mais justement, le film est l’histoire d’un mythe et c’est bien une iconographie mythologique qui est utilisée dans le film. Au-delà de cela son univers est fascinant, les développements de personnage souvent dans le silence ou dans le trop plein de dialogue pour le personne de Hemsworth est d’une grande justesse.

Le rythme est impeccable, les scènes d’actions dantesques et le développement d’un monde capitaliste mourant où les tyrans tente vainement de maintenir leurs positions via le peu de ressources qui reste à leurs dispositions est d’une grande pertinence.

Que dire de ce duel entre Furiosa et Demntus deux faces d’une même pièce entre l’espoir déchu d’un côté contre la désolation de l’autre ?

Si on ajoute à cela des acteurs tous en grande forme on a un film certes qui a quelques défauts visuels et une musique un peu trop recyclé de Fury Road mais qui parvient à se hisser au niveau de son illustre aîné. Très certainement le grand blockbuster Américain de l’année avec Dune 2.

Annotation :

Le 23/05 sur Canal + sur la TV

Les deux premières choses qui frappent quand on visionne le film c’est l’immense beauté de la photographie et de la mise en scène mais aussi que le film est d’une grande radicalité.

Car oui, la Passion de Dodin Bouffant c’est une immense déclaration à l’art culinaire et aux émotions que cela peut procurer. Il est donc normal d’avoir un film où l’on ne voit que des préparations de repas la plupart du temps. Le film est absolument merveilleux. Tout d’abord il parle de tout ce que l’on peut faire avec la cuisine.

Bien entendu souvent on l’a déguste et cela émoustille les papilles mais elle peut servir aussi à déclarer son amour à l’autre (magnifique scène de demande de mariage) ou encore de dévoiler ses secrets et de faire de l’apprentissage auprès d’autrui.

Alors oui il ne se passe pas grand-chose mais entre cette immense déclaration d’amour à l’art culinaire et la beauté de la mise en scène et de la photographie (toujours signifiante) qui rappelle un peu le cinéma de Hou Hsiao-Hsien (on évite de couper au maximum, on laisse exprimer ses comédiens à grand renfort de plan séquence et on essaye de magnifier les décors avec une étude minutieuse de l’arrière-plan), le film donne faim et il met en scène une magnifique histoire d’amour.

Annotation :

Le 23/10 en téléchargement sur la TV

En perte de vitesse depuis un moment, le studio DreamWorks avait pendant un moment mis tout le monde d’accord avec le Chat Potté 2. Une espèce de miracle au milieu des films moyens du studio qui était jusqu’alors le meilleur film du studio d’animation. Malheureusement l’accalmie était de courte durée et le studio était retourné dans ses travers.

Sauf qu’à peine deux ans après, le studio est de nouveau touché par la grâce et réussi l’exploit de reprendre la formule du chat potté 2 en la perfectionnant. On retrouve ainsi le magnifique style pastel au niveau de la forme, et surtout c’est un film simple dans ses thématiques mais d’une humanité qui transpercera le cœur de n’importe qui.

Car oui malgré un scénario que l’on peut juger un brin naïf, le robot sauvage va parler de l’apprentissage d’élever un enfant, de l’amour qu’on lui porte pour qu’il puisse avoir les armes de réussir dans la vie mais plus généralement, c’est un film qui aborde le fait que nous devons tous nous aider les uns et les autres et non nous entre dévorer pour survivre.

Si on ajoute un soupçon d’écologie dans le lot, on a un film terriblement actuel sur le fait que l’on doit tous faire face ensemble pour survivre face à un monde toujours plus hostile. C’est désarmant de sincérité et tout simplement magnifique aussi bien visuellement que dans son scénario. A voir d’urgence.

Annotation :

Le 03/05 en téléchargement sur la TV

Il n’y a pas si longtemps le gouvernement Macron avait vivement critiqué l’institut psychiatrique en se demandant pourquoi elle était défaillante et pourquoi autant de « fou » était en liberté. Etat limite applique ici la meilleure réponse possible à cette invective d’un gouvernement hors sol.

Documentaire absolument édifiant, on voit ici le quotidien de Jamal Abdel Kader seul psychiatre de l’hôpital Beaujon à Clichy qui va aller de patient à patient, de service en service, d’étage en étage pour aider ceux qui souffre au mieux de ses possibilités. Très humain, très cruel le documentaire montre bien un milieu hospitalier au bord du gouffre entre des médecins au bord du burn out par manque de moyen et d’effectif mais qui font preuve d’une empathie rare pour aider comme ils peuvent même si cela les détruit eux.

Car oui si on regarde bien Jamal Abdel Kader a 34 ans et il est déjà brisé d’abord physiquement avec un dos en bouilli (quand tu portes la misère du monde seul sur tes épaules ça se comprend) et avec des cheveux blancs un peu partout. Mais le problème est psychique aussi, cerne très visible yeux vitreux par moment le psychiatre est au bord de la rupture et il a d’ailleurs arrêté depuis.

Si on ajoute à cela un regard assez unique sur les patients qui sont pour la plupart « fou » que par la perception qu’on a du monde ultra capitaliste d’aujourd’hui (comme le dit le film le fou c’est souvent le membre improductif de la société) et une forme caméra à l’épaule qui montre bien l’urgence de la situation, état limite est un immense documentaire qui montre bien la limite dans lequel est le milieu hospitalier mais aussi celui d’un gouvernement dont les actions sont à la limite du tolérable.

Annotation :

Le 17/09 en téléchargement sur la TV

Dupieux c’est finalement un film sur deux que j’apprécie vraiment et ça se confirme ici. En effet, pour les films qui sont sorti cette année, j’avais trouvé Daaaaaali ! sympathique mais sans plus, j’ai un immense coup de cœur pour le deuxième acte.

Le réalisateur avait agacé la presse à Cannes car il avait déclaré que son film était explicite et qu’il n’avait pas d’intérêt à donner des interviews à la presse car son film parle pour lui. A la vision du film je ne peux que confirmer ses propos car tous les messages du Dupieux sont parfaitement compréhensible et il est y allé franco.

En effet, le deuxième acte tire à boulet rouge sur le milieu du cinéma entre acteur starifié qui n’ont plus les pieds sur terre, émergence de l’IA et ingérence des producteurs qui détruisent la créativité et la moindre prise de risque ou encore le phénomène Meetoo et les dérives qu’il a pu engendrer.

Au-delà de cet aspect, Dupieux met en scène un délicieux jeu de massacre où chaque acteur en prend pour son grade avec un timing comique irréprochable et avec une mise en scène hallucinante en témoigne ses sublimes plans séquences en travelling.

Mais au-delà de tout cet aspect c’est bien son message final le plus percutant. Si Vincent Lindon déclame avec une certaine hypocrisie que le cinéma est voué à disparaître car il y a des choses bien plus grave sur terre comme les guerres alors que lui est dans son petit confort bourgeois prêt à se barrer de France pour tourner à l’étranger, Dupieux montre une horreur bien plus proche de nos quotidiens.

L’horreur des petites mains du cinéma qui galère à vivre qui ont des vies bien plus moroses, que le cinéma ne met jamais en avant et dont certains finissent mal. Ce sont eux les premiers à saluer car sans eux l’art cinématographique est mort et ce sont eux qui sont dans les situations les plus précaires. Un grand film certes bourrins dans ses propos mais d’une immense justesse.

Annotation :

Le 01/02 en téléchargement sur la TV

Quasiment 10 ans après le remarqué les combattants, Thomas Cailley revient enfin pour son second long métrage et quel film ! Venant donner une gentille fessée aux majors Américain, il va ici utiliser les codes du film de super héros pour les pervertir.

Pas de combat entre être génétiquement modifié pour sauver le monde mais simplement un film qui parle de l’intolérance de la société face aux êtres différents, de la famille, du deuil mais aussi de la mutation avec en métaphore le corps qui change au passage de l’adolescence.

Un film riche thématiquement et qui peut se targuer d’avoir en plus de cela une photographie absolument magnifique, des effets spéciaux globalement réussis et la prestation tout simplement stupéfiante de Paul Kircher. L’acteur constamment au bord du ridicule par moment ne franchit jamais la ligne rouge.

Son jeu est très étrange mais justement, vu que son corps mute, pas étonnant qu’on lui demande d’avoir un jeu foncièrement décalé par rapport aux autres comédiens. Le résultat final tient à du miracle tant sa prestation pouvait basculer à tout moment dans le too much. Un miracle, un peu comme la présence de ce film dans le paysage cinématographique français.

Annotation :

Le 11/04 en Blu Ray sur la TV

L’invasion des profanateurs version Philip Kaufman est un petit bijou de science-fiction. Le film est riche en tension et une attention particulière est portée sur l’étrangeté du quotidien à savoir que tout paraît normal mais que les personnages sentent que quelque chose cloche.

Si on ajoute à cela une mise en scène sublime, un fond d’un nihilisme saisissant à savoir le remplacement d’une race par une autre dans une discrétion absolue et des acteurs talentueux dont certains sont présents pour le clin d’œil savoureux (Leonard Nimoy le Spoke de Star Trek qui joue un extraterrestre) on a un film somptueux avec un des finals les plus glaçants que j’ai pu voir dont les maigres défauts se résume à quelques problèmes dans les décisions de certains personnages mais ça reste assez brillant.

Annotation :

Le 17/03 sur OCS sur la TV

Dire que Vidéodrome est un film en avance sur son temps est un euphémisme tant il est terriblement actuel aujourd’hui et plutôt incompris quand le film est sorti à l’époque.

Il est question ici de notre fascination pour l’écran, le fait que le réel et la fiction est de moins en moins tangible mais également de notre fascination voyeuriste pour l’extrême que ce soit la violence (le snuff movie arrivera bien après ce film dans l’imaginaire des gens) et la pornographie.

Le film va d’ailleurs jusqu’à parler à un moment d’un monde où les gens auront d’autres noms dans l’univers télévisuel (inconsciemment on parle ici des surnoms qu’on a sur les réseaux sociaux alors qu’en 1984 internet n’existe tout simplement pas).

Un film d’une grande richesse et perturbant avec d’excellents acteurs. Si à mon sens, le film manque peut-être de vraie fulgurance de mise en scène comme la mouche du même metteur en scène, il n’en reste pas moins un film passionnant et prophétique.

Annotation :

Le 02/10 en DVD sur la TV

Avec le juge et l’assassin, Bertrand Tavernier montre encore une fois qu’il était l’un des réalisateurs Français les plus talentueux de son époque. En effet, alors que la plupart des metteurs en scène auraient simplement fait un film de chasse à l’homme plutôt classique, Tavernier va asséner un regard très critique sur la bourgeoisie à la fin du XIXème siècle. Oui le tueur en série joué par un Michel Galabru en état de grâce est fou.

Mais c’est bien les institutions qui l’ont détruits entre une église qui détruit toute forme de doctrine contestataire mais qui qui effectue des actes répréhensibles (viol sur des enfants), l’armée qui rend les plus fragiles totalement fou mais aussi les instituts psychiatrique qui aggravent l’état des patients au lieu de les guérir pour ensuite les relâcher dans la nature.

Au-delà de cela, Tavernier montre également que le mal est partout et qu’il contamine les hautes classes de la société. Oui le tueur en série a effectué des actes horribles et il a assassiné et violé une douzaine d’enfants.

Sur la même période les bourgeois et les aristocrates ont tué pour s’enrichir 2 500 enfants dans les mines. En ce sens, le personnage du juge (très bon Philippe Noiret) est aussi une pourriture prêt à tout pour avoir sa décoration et son moment de gloire tout comme le procureur Villedieu Aristocrate qui vit dans une bulle qui va bientôt éclater (l’aristocratie est sur le déclin) et qui profite des esclaves des colonies françaises pour assouvir ses envies, on a une belle brochette de salauds.

Si on ajoute à cela une mise en scène d’une précision chirurgicale (une habitude chez Tavernier) on a un film d’une grande noirceur sur des aristocrates/bourgeois qui érigent des institutions dans le but de se maintenir au pouvoir et d’exploiter le reste de la population qui vont soit devenir fou et être puni, soit resté pauvre et mourir par l’exploitation. Glaçant.

Annotation :

Le 08/01 au cinéma

Quelle claque ! En 1h25, Mars express parvient à rendre tangible un univers fascinant et en parlant avec une grande finesse de l’IA à travers un thriller de science-fiction magnifiquement rythmé et qui traite de beaucoup de sujets en filigranes.

Alors oui l’animation n’est pas la plus belle qu’on a vue mais Jérémie Perin privilégie la fluidité de son animation et la richesse dans les détails et le tout combiné rappel par moment le formidable travail que pouvait faire Satoshi Kon. Alors oui le film a des références multiples de tous horizons et sa fin est pour ma part assez frustrante mais il n’empêche que le film a un style bien à lui et qu’il est assez unique.

De ce fait, Mars Express est certainement l’un des tout meilleurs films d’animation de 2023 avec un univers d’une richesse incroyable qui passionne du début à la fin et en plus c’est Français !

Annotation :

Le 21/03 sur OCS sur la TV

Film posthume de Jacques Becker qui décédera peu après la fin du montage du film, le trou reste impressionnant plus de 60 ans après sa réalisation. Très proche du documentaire, Becker tient absolument à viser le réalisme et surtout montrer le monde très procédurier de la prison.

Colis qu’on examine dans les moindre détails, ronde des gardes toutes les 15 minutes, cette authenticité prouve sert justement à créer de la tension lors des scènes où les prisonniers travaillent à s’évader.

Et justement il faut parler du travail sur l’effort quand ils doivent effectuer le fameux trou pour s’évader. Au-delà de montrer l’effort collectif, le film montre bien comment cette tentative d’évasion est difficile et physique.

Si on ajoute à cela une magnifique photo et une mise en scène au cordeau on accouche d’un film de prison anti spectaculaire très réussi.

Annotation :

Le 06/05 sur Arte sur la TV

Quel dommage que la fin soit un peu ratée et qu’elle manque d’ambiguïté car on aurait pu assister à un grand chef d’œuvre. Pourtant assez méconnu, la loi du silence est un grand Hitchcock.

Les acteurs sont excellents, le rythme est parfait et la mise en scène est absolument divine avec en point d’orgue une scène de procès assez estomaquant.

Si on ajoute à cela les multiples thématiques du maître du suspens qui s’agencent parfaitement (les faux coupables, la puissance du regard et aussi le regard comme vecteur de point de vu qui représente presque une caméra) on a affaire à un grand film.

Annotation :

Le 01/06 en téléchargement sur la TV

Le duo derrière la passion Van Gogh reviennent pour nous en mettre encore une fois plein les yeux et réussissent au passage à transformer l’essai en proposant un long métrage d’animation encore meilleur que leur précédent.

Visuellement encore une fois c’est sublime et l’aspect peinture est absolument saisissant de beauté. C’est bien simple on dirait une succession d’œuvre d’art. Heureusement, le film raconte également une belle histoire tragique sur un monde dominé par les hommes où les femmes doivent rester à leurs places.

Beau, tragique et infiniment triste le film n’échappe pas à quelques longueurs mais reste l’un des plus beaux films d’animation de cette année.

Annotation :

Le 27/12 en téléchargement sur la TV

Annotation :

Le 22/01 au cinéma

On peut faire un nombre de reproche incalculable à la dernière œuvre de Lanthimos. Son début en noir et blanc un peu trop arty et qui ne sert que de très gros prologues à son intrigue, son discours parfois un peu trop appuyé et aussi subtil qu’un tractopelle, son dernier acte assez irritant et sans subtilité ou encore ce trop-plein d’idée visuelle et de mise en scène qui déborde presque de l’écran.

Et pourtant, le film est une très belle réussite ! Tout d’abord son fond qui certes parle de féminisme mais qui met surtout en avant l’évolution « d’une créature » qui doit tout apprendre du monde et qui va passer par toutes les étapes avant de devenir une adulte accompli avec sa vision singulière du monde.

C’était casse gueule à souhait de faire cela et pourtant c’est passionnant à suivre et c’est d’une grande justesse. Que dire des comédiens et surtout d’Emma Stone superbe. Comme souvent chez le réalisateur c’est à la frontière du ridicule mais ça marche !

Enfin visuellement le film est somptueux et chaque chapitrage/lieux à une identité visuelle qui leur est propre. Le meilleur film de son passionnant metteur en scène ? Peut-être.

Annotation :

Le 04/02 sur Ciné + sur la TV

Plus de 90 ans après sa réalisation, freaks fonctionne encore magnifiquement aujourd’hui ce qui est une prouesse. Grand film sur la noirceur de l’âme humaine, le film de Tod Browning montre bien que les vrai monstres de la société ce sont ceux qu’on désigne comme étant « normaux » dont l’apparence ravissante n’a d’égale que la noirceur de leur cœur.

En à peine une heure, Tod Browning arrive à caractériser un grand nombre de personnage sans que le spectateur se perde et il parvient à créer quelques scènes qui parvient à créer l’effroi en témoigne l’abjecte scène du banquet de mariage. Si la mise en scène manque malheureusement d’un peu de folie, il n’en reste que freaks n’a pas volé son statut de classique et qu’il fonctionne encore parfaitement aujourd’hui.

Annotation :

Le 04/09 à l'Etrange festival

Dans the crazy family il y a le mari le bon salaryman par excellence qui ne compte pas ses heures et qui ramène l’argent à la maison. Il y a l’épouse qui s’occupe du foyer, le fils aîné qui révise sans cesse pour avoir la meilleure université possible et il y a la cadette qui rêve de devenir chanteuse ou catcheuse voir les deux.

Une famille Japonaise clichée au possible qui va voler en éclat lorsque le grand-père paternel va devoir vivre avec eux. A travers d’une forme absolument brillante et toujours pertinente Sogo Ishii va s’amuser des clichés pour mettre à mal ce modèle familial gangréné dont le salut n’aura lieux qu’après une partie de massacre cauchemardesque puis par la destruction de la maison familiale.

Détruire pour mieux reconstruire c’est le letmotiv de ce film souvent drôle, très inventif et qui s’achève malgré son immense chaos par une sublime séquence d’une douceur sans égal et avec un sublime thème musical.

Certes, le film a quelques longueurs et la farce va parfois un peu loin mais ça reste un très beau film sur le fait de détruire pour mieux reconstruire plutôt que de consolider une base familiale déjà sclérosé.

Annotation :

Le 06/04 sur Netflix sur la TV

Après un détour Hollywoodien où Juan Antonio Bayona parvient à sauver juste par-là force de sa mise en scène Jurassic World 2 et certains épisodes des anneaux de pouvoir, le metteur en scène revient sur un projet un peu plus personnel pour prouver une nouvelle fois qu’il est un metteur en scène de grand talent.

Le cercle des neiges est un film qui ressemble beaucoup à l’un des précédents longs métrages à savoir The Impossible. Dans les deux cas une catastrophe arrive et Bayona nous donne à observer comment les individus arrivent à survivre et à s’entraider dans une situation désespérée. Le film est éprouvant sans aller dans l’ultra glauque et il parvient à montrer la puissance du collectif dans une situation désespérée.

Si on ajoute à cela une photographie absolument splendide et une rythmique ciselée à la perfection on a un grand film catastrophe qui manque peut être parfois d’un brin de caractérisation sur certains personnages mais ça reste vraiment très bon et éprouvant.

Annotation :

Le 19/12 en téléchargement sur la TV

Sean Baker continue de tracer son sillon dans le cinéma indépendant Américain et frappe encore une fois fort avec Anora. Si le metteur en scène continue d’aborder la question du rêve Américain, de la marchandisation du corps et des travailleurs sexe, il va cependant changer la forme de son histoire pour une architecture plus académique via un scénario en rise & fall.

Une idée déjà vu mais intéressante ici car il permet au film de constamment se renouveler, d’être galvanisant tout en étant en accord avec les thématiques que veut aborder Sean Baker. De ce fait, ce qui commence comme un pretty woman plus moderne et trash se transforme progressivement en chasse à l’homme avant d’aborder dans sa dernière partie la désillusion du rêve américain.

Le film est très bien rythmé, les comédiens sont en grande forme (surtout Mickey Madison et Yura Borisov qui ne cesse de m’épater), la mise en scène et le montage sont excellents et le film ne cesse de surprendre en changeant souvent de ton parfois au sein d’une même scène.

De plus, Sean Baker continue d’égratigner le rêve américain où il est extrêmement difficile de se faire une place au soleil alors que parfois, il suffit juste de prétendre à une vie un peu plus simple en témoigne cette dernière scène d’une humanité absolue. Une belle palme d’or qui sonne aussi comme un cri d’alarme d’un cinéma indépendant Américain qui meurt à petit feu face aux grandes machineries hollywoodienne.

Curieux de voir le prochain film du cinéaste car avec cette distinction, Sean Baker qui est l’un des porte étendard d’un cinéma à micro-budget et qui défend les opprimés vient de changer de dimension.

Annotation :

Le 27/05 sur OCS sur la TV

Loin d’être le plus connu des films d’Eastwood, Honkytonk Man est pourtant une petite perle. Film crépusculaire sur la fin d’une vie et d’une époque le film peut se targuer de mélanger parfaitement comédie et drame, d’avoir des comédiens excellents et cerise sur le gâteau, visuellement c’est peut-être le plus beau film que j’ai vu du réalisateur.

Le film n’est pas parfait non plus et le bât blesse un petit peu sur l’écriture des personnages féminins (la misogynie n’est pas loin par moment) mais c’est finalement un petit point noir face à toutes les qualités évidentes de ce beau et crépusculaire long métrage.

Annotation :

Le 24/06 en Blu Ray sur la TV

Considéré comme l’un si ce n’est le meilleur film d’Hitchcock lors de sa période Anglaise, une femme disparaît parvient à trouver un équilibre miraculeux entre le suspens du thriller paranoïaque et l’humour.

C’est simple, non seulement le film a une intrigue captivante mais en plus il est sacrément drôle. Cette performance est due à trois éléments à savoir un film bien rythmé et écrit, des dialogues percutant bien aidés par une galerie de personnage atypique et enfin des acteurs très bons.

En terme de mise en scène c’est peut être l’un des rares petits défauts de l’œuvre en ce sens que c’est bien réalisé et avec quelques idées intéressantes mais on a connu le maître du suspens meilleur dans ce domaine.

Si on ajoute à cela un début peut être un brin longuet, on a un film tout de même très bon, ludique et amusant et finalement peut être annonciateur malgré lui de la seconde guerre mondiale au vu de la finalité de l’œuvre.

Annotation :

Le 08/07 sur Arte sur la TV

Il est intéressant qu'Arte diffuse le même soir deux des films emblématiques de Friedkin à savoir l'Exorciste et French connection. En effet, malgré deux genres bien différents (l'horreur et le policier) les deux films traitent du même sujet à savoir le mal.

Si c'est plus explicite pour l'exorciste, French connection traite bien de ce thème que ce soit par le comportement de son personnage principal qui devient de plus en plus dangereux au fil de son investigation ou de manière plus implicite par la manière dont New York est dépeint à savoir une ville où victime de la société (pauvre, petite frappe de la mafia, drogué...) côtoie les riches qui vivent dans l'opulence et qui pour la plupart n'ont pas gagné leurs fortunes en toute légalité.

Au milieu de tout cela c'est bien la police un brin désemparé mais déterminé qui doit faire la loi. Au delà de ce traitement vraiment subtil sur le mal, french connection se démarque également par sa mise en scène et son montage très énergique qui manie à la perfection les brusques changement de rythme entre planque et interpellation musclée avec en point d'orgue une magnifique course poursuite entre une voiture et un train. Un film policier qui a plus de 50 ans mais qui reste d'une redoutable efficacité.

Annotation :

Le 12/04 au cinéma

Alex Garland ne choisit jamais la facilité quand il s’attaque à un genre et c’est le cas ici. En effet, ce n’est pas réellement la guerre civile et l’étude d’un pays morcelé idéologiquement qui intéresse le réalisateur dans le pourtant nommé Civil War.

Dans Civil War, Garland analyse à la fois la puissance de l’image et ce qu’elle peut signifier aussi bien pour celui qui la prend que celui qui la reçoit, mais le film parle également du passage de flambeau au moment où un pays connaît un tournant dans son histoire.

En ce sens, le film est clairement divisé en deux parties (ce que l’on peut observer lors d’un brusque changement de scope) et ce n’est pas pour rien que ce changement de scope intervient lors d’une scène où nos héros traversent une espèce de petit parc d’attraction improvisé qui peut rappeler dans un sens du Alice aux pays des merveilles.

Car oui si la première partie est ultra réaliste, la deuxième elle bien plus fantasmé sans vraiment quitter le côté réaliste détonne et montre encore une fois que l’image a une signification et un impact mais qu’elle n’est pas toujours reçu de la même manière entre celui qui la délivre et celui qui la reçoit. En ce sens les deux dernières minutes radicales et qui a laissé la salle pantoise montre aussi bien un passage de flambeau que la limite de l’image et de la morale.

Car si la jeune Jessie parvient à cet instant précis à devenir enfin comme son idole, cette dernière fatigué et qui a perdu foi en son art et qui n’y vois plus de sens ne parvient plus à prendre de photo et surtout sa morale là rattrape lors d’une scène où elle supprime la photographie de son mentor décédé.

Un film d’une richesse thématique infinie qui est couplé avec une mise en scène aux petits oignons, des acteurs investis (mention à la partition terrifiante de Jesse Plemons) et une soundtrack variée et efficace. Bien entendu devant une telle radicalité, tout ne fonctionne pas à la perfection et l’excès de métaphore ne fonctionne pas toujours sur certains choix scénaristiques. Reste que Garland confirme qu’il est définitivement un cinéaste passionnant.

Annotation :

Le 14/08 sur Arte sur la TV

A mon sens, les enchaînés a deux petits défauts qui l’empêche d’être un immense film. Dans un premier temps, le long métrage mais un certain temps à démarrer même si cela permet à Hitchcock de placer l’ensemble des éléments dont il aura besoin pour la suite du récit.

Dans un second temps, même si c’est le rôle qui l’exige, le jeu un peu monolithique de Cary Grant le dessert un peu dans le film alors qu’en face il y a une sublime Ingrid Bergman.

Hormis cela, le film est une très belle réussite avec un mélange de thriller et de romance d’une grande efficacité, couplé à un suspens du plus bel effet et d’une mise en scène toujours au cordeau mais c’est une habitude chez Hitchcock.

En cela, les enchaînés fait certainement parti des meilleurs films du maître du suspens qui a le mérite en plus de traiter avec finesse la course à l’arme atomique.

Annotation :

Le 14/09 à l'Etrange festival

Escape from the 21th century n’aurait pu être qu’un film pop corn et décérébré, généreux avec beaucoup d’idée de mise en scène (changement da ratio de cadre et de colorimétrie selon les époques) et sans temps mort pendant plus d’une heure trente. Franchement je n’aurai pas été contre.

Cependant, le miracle de Escape from the 21th century c’est qu’il arrive à dépasser son statut de divertissement pour proposer une belle morale sur notre époque. Ce n’est pas pour rien que la date de 1999 a été choisie dans ce film. Au-delà de montrer une époque encore d’insouciance de nos trois héros encore insouciant, c’est aussi une époque où l’espoir était encore possible avec juste à l’horizon un possible bug de l’an 2000.

Entre 1999 et 2019, il y a eu les deux tours, le déclenchement de multiple guerre et plus proche de la Chine, une guerre froide qui s’est resserré entre les deux Corées.

Ce que nous dicte le film c’est que oui l’époque est dur, oui quand on grandit l’insouciance fait face aux problèmes mais c’est à chacun de nous de poser une pierre à l’édifice pour rendre le monde un tout petit peu meilleur.

Honnêtement proposer ça dans un film souvent très (trop parfois) con mais d’une générosité dans l’action et dans les bons sentiments, ça tient par moment à du miracle.

Annotation :

Le 27/10 en Blu Ray sur la TV

Adaptant le récit biblique de Cain et Abel, Lino Brocka en tire un sublime drame digne d’un Shakespeare. En ce sens, la première scène voyant deux jeunes frères se disputant annonce le drame à venir entre leur père et leur oncle.

Avec une mise en scène millimétrée, Brocka filme chaque étape qui va précéder l’explosion de violence à venir entre les deux frères dont tout oppose et qui vont s’entredéchirer jusqu’à la guérilla urbaine.

C’est violent, d’une grande maîtrise formelle et avec des scènes qui déchire le cœur comme celle de l’enterrement de la mère celle qui a détruit la famille mais qui était le seul lien des deux frères meurtries par cette mort. Un grand film.

Annotation :

Le 09/06 en Blu Ray sur la TV

Quentin Tarantino est un immense cinéphile et quelques années après les Wachowski avec la saga Matrix, il décide à son tour de rendre hommage à un cinéma qu’il affectionne beaucoup, le cinéma Asiatique.

En résulte, un film pop est ultra généreux qui mélange les codes du cinéma US et celui du cinéma Asiatique. Certes, il y a parfois un trop plein d’idée et de référence qui rendent par moment le film too much mais comment bouder une telle générosité.

C’est parfaitement jouer, parfaitement rythmée avec une mise en scène impeccable et le film trouve souvent ses plus belles idées à travers des contraintes à savoir une séquence animée splendide et une utilisation du noir et blanc ou du clair-obscur pour les séquences vraiment gores afin d’atténuer légèrement la violence et éviter une trop grande restriction dans les cinémas. Très fun, ludique et rythmé un des meilleurs Tarantino assurément.

Annotation :

Le 18/07 au cinéma

Evacuons tout de suite le petit défaut handicapant du comte de Monte-Cristo à savoir son scénario un peu didactique par moment surtout au début. On nous montre parfois des éléments superflus alors qu'on avait déjà compris les intentions d'un personnage.

Si on ajoute à cela quelques flashback peu utile et à l'inverse un scénario qui n'insiste pas assez sur des éléments importants, on a un scénario qui n'est pas parfaitement huilé. Cependant, c'est un petit point noir sur cette belle œuvre populaire qui devrait ravir une large partie public.

Rythme parfait alors que le film dure 3 heures, comédiens investit, photographie magnifique et scénario tragique qui fonctionne bien, il y a tout pour enthousiasmer le spectateur.

Quand on sait que c'est quasiment la même technique que pour le diptyque les trois mousquetaires, on ne peut qu'applaudir le travail de Matthieu Delaporte et Alexandre De La Pattelière qui offrent un film sacrément plus réussi que ce que Martin Bourboulon avait pu faire précédemment. Comme quoi il suffit parfois juste d'une vision pour changer radicalement un film.