SÉRIES - Critiques & Annotations

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"Cowboy Bebop" est un animé dans lequel, en 2071, le système solaire a été colonisé après que la Terre soit devenue inhabitable. Le récit se concentre sur l’équipage du Bebop, un vaisseau spatial dirigé par Spike et Jet, deux chasseurs de primes qui parcourent le système à la recherche de gain. Tenu par un fil rouge, l’intérêt réside aussi dans le fait que les épisodes peuvent être vus indépendamment, chacun ayant sa propre histoire. L’univers de l’œuvre est un mélange des genres avec d’innombrables références, et un genre en point d’orgue : le western.

Le genre se mêle adroitement à la science-fiction, mais aussi aux codes du film noir et aux épisodes qui se concentrent sur un style particulier (huis-clos à la "Alien", slasher spatial, post-apocalyptique à la "Mad Max", arts martiaux...). L’ambiance très américaine est renforcée par l’hétérogénéité de la musique, en particulier celle du blues et du jazz. Toute cette hybridation donne un charme suranné et rétro qui contraste avec l’aspect futuriste, incluant des éléments du XXe siècle dans le style high-tech de l’univers.

L’ambiance est à la fois funky et bariolée, mais aussi très mélancolique, donnant ce sentiment de poids du passé qui se loge dans l’œuvre. Autant esthétiquement par son hybridation, que dans le déterminisme des personnages, lesquels vivent en fonction de leurs choix passés. Les morceaux rappelant sans cesse la Terre sont comme un fardeau sur les consciences et une culpabilité qu’il faudrait racheter. Chaque protagoniste porte un mystérieux joug : Spike a dû s’extirper de la triade et recherche une femme qu’il aime ainsi qu’un némésis à abattre, Jet est un ancien policier dont le bras robotique rappelle un passé tourmenté, Faye est une amnésique qui ne connaît pas son passé et Ed est une hackeuse orpheline.

Cela influence le comportement des personnages, tiraillés par la causalité, mais aussi par le hasard, qui dirige souvent la narration de la série. Ils sont aussi les observateurs distanciés de ce monde tourné vers les souvenirs. En constante recherche de leur passé, ils sont comme déjà morts, errant dans le présent et en quête de rédemption pour soigner leurs plaies et leurs regrets. Tous ces thèmes donnent une langoureuse humeur élégiaque à la série, qui stimule de petits instants métaphysiques suspendus dans le temps entre les scènes d’action et les scènes plus légères, rappelant sans cesse que nos vies sont régies par les erreurs du passé et l’inéluctable fin de notre existence.

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Comment filmer les échecs et le génie ? C’est ce que Scott Frank et Allan Scott font dans cette mini-série en sept épisodes. Ce génie, c’est Beth Harmon : de l’orphelinat jusqu’à l’affrontement contre le champion du monde en URSS, nous suivons son parcours tumultueux mais fulgurant. Anya Taylor-Joy incarne avec magnétisme et délicatesse une femme antipathique et froide, addict à une drogue et à l’alcool, mais qui s’ouvre au monde progressivement, comme elle s’est ouverte pour les échecs. Ce jeu devient à la fois une passion et une obsession, un monde de substitution où la curiosité, l’assurance et le doute forment des parties d’échecs rythmées et rigoureuses. Les auteurs réalisent avec beaucoup d’élégance, d’ingéniosité et, à travers de multiples idées de mise en scène et d’un montage à la chorégraphie musicale, les différentes parties qui construisent l’ascension de la joueuse. La série est aussi un carnet de voyage glamour et au vintage léché, qui évolue esthétiquement avec l’époque donnée, même s'il y a un côté trop lisse par moments. L’œuvre, malgré sa mécanique assez sage, est autant une immersion psychique dans la tête d’une héroïne pleine de contradictions que l’émancipation intime d'une femme dans le contexte de la Guerre froide et de la contre-culture.

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Avec "Copenhagen Cowboy", Refn offre un nouveau bijou sophistiqué et étrange qui centre son histoire sur Miu, une jeune femme stoïque et mutique qui aurait un pouvoir mystique : celui de porter chance (un « porte-bonheur »). Dans sa première partie, l’œuvre explore les méandres du milieu du proxénétisme pour peu à peu progresser vers un somptueux affrontement mythologique.

Comme dans "Too Old to Die Young", l'auteur étire jusqu’au bout les événements pour déployer toute la substance magnétique de ses images. À l’instar d’un Mario Bava, il sculpte ses comédiens avec une dense palette chromatique pour en faire des icônes abstraites. Sa conception du temps, très élastique et congestionnée, délaye toujours dans une exaltante explosion des sens. Les plans deviennent de longues toiles et estampes (accentuées par les grands travellings latéraux et les panoramiques horizontaux) qui, sous l’apparence hiératique de la superficialité, grattent pour voir le secret des apparences.

Son style permet aussi de voir la métamorphose de son protagoniste, qui, au début, paraît d’une grande innocence pour s’apercevoir qu’elle est une surhumaine charismatique aux pouvoirs importants (entre télépathie, lecture dans les pensées et soins miraculeux). Cela va de pair avec la progression du récit, entre polar sombre qui montre le monde criminel de Copenhague régi par des êtres pervertis, glaçants, stupides et violents (un monde de porc), puis vers un mysticisme surnaturel qui mêle plusieurs fétiches mythologiques et fantastiques. L’œuvre expose ainsi indirectement de la sorcellerie, des vampires, des extraterrestres et des démons, procurant un sentiment plus ironique, dérisoire et malicieux au projet du réalisateur.

Ce dernier veut annoncer l’effondrement et la fin du monde avec une forme qui se voudrait lyrique et sublime. C’est pour cela que le film jongle entre les pôles de la réalité et du fantasme, du dégoût et de la beauté, de la pourriture et de la pureté. "Copenhagen Cowboy" fait donc ressentir un sentiment eschatologique qui serait hideusement fleuri et où la dimension fantastique produirait une fable étrangement onirique et cauchemardesque.

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Vu entre le 09/02/26 et le 12/02/26

Une série au concept assez linklatérien, celui d'une histoire d'amour s'étalant sur dix années et à laquelle le spectateur assiste seulement lors de chaque réveillon du Nouvel An et à chaque premier jour de l'année. L'idée est assez savoureuse car chaque début d'épisode nous relance dans l'inconnu puisque nous ne savons pas ce qui s'est déroulé entre le couple lors de l'année venant de s'écouler. C'est donc par touches, lors des festivités, que l'on apprend les événements. Du début de la naissance de leur amour aux doutes jusqu'à la rupture, son amertume et une possible renaissance, "Los años nuevos" veut présenter toutes les facettes de l'amour.

Le style naturaliste de Rodrigo Sorogoyen, qui s'étire sur de longues séquences avec une volonté de donner une impression de suivre en temps réel les situations, permet de créer des tranches de vie très réalistes, proches de la chronique. La mise en scène laisse beaucoup de place à l'expression des comédiens qui tiennent à eux deux quasiment chaque plan des épisodes. C'est une œuvre avec beaucoup de proximité, à la fois intimiste et feutrée, ouvrant à de nombreux questionnements sur ce qu'est l'amour et la conception du couple et comment les histoires intrafamiliales peuvent se répercuter sur la relation. Il n'y a jamais rien de moralisateur et, de ce fait, la série laisse la place pour faire nos propres jugements qui se redéfinissent avec l'évolution des années.

C'est à la fois la qualité et le défaut de la série, car elle arrive à nous donner le sentiment que le temps passe en un claquement de doigts et, en même temps, j'ai eu du mal à ressentir le poids de ces dix années. Le sentiment de l'évolution est bien joué par les comédiens mais le style de la série, en s'enfermant dans son concept, ne permet pas de le concrétiser. Cela reste tout de même une œuvre très juste dans son ton avec des passages touchants de sincérité.