Top 10 - 1960

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Lorsqu’à la fin Hitchcock fait entendre la voix intérieure de son Norman Bates, qui fixe le public droit dans les yeux, la profession de foi est sans équivoque. Nous voyons. Nous voyons et nous savons : au sommet de son art, il vient de signer un hallucinant manifeste, un piège construit en cercles concentriques de plus en plus étroits et profonds, établissant une progression implacable dans l’asphyxie, l’enlisement, sans emphase spectaculaire et sans élision. Un cauchemar d’une pureté absolue.

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Fellini braque sa caméra sur la faune insolite de la Via Veneto, et c’est l’univers entier qui semble au bord du précipice. Sa peinture en scope noir et blanc dévoile le triste pourrissement d’un monde mourant d’un excès de civilisation, fait entendre le cri de la désillusion pour toutes les figures factices et insignifiantes de l’enfer social. Soit, derrière l’opulence baroque et la richesse fantasmagorique des images, une quête effrénée du bonheur qui masque le plus amer des désirs de salut.

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On le sait, ce film a eu besoin de bons avocats. Construit autour du vide et de la nudité figurative, le récit emprunte aux poncifs du drame mondain puis de l’intrigue policière pour s’en détacher très vite, partir à la recherche de la sensation pure, dérober tous les dons du latent à l’apparence, suivre un couple moderne dans des environnements subissant des processus de désertification allégorique. En un mot, enregistrer ce fameux réalisme intérieur qui ne cessera de préoccuper Antonioni.

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Ce Peeping Tom scoptophile est comme un Jack l’Éventreur moderne qui aurait trop vu "Un Chien Andalou" et "Fenêtre sur Cour". Impossible en tout cas de relever toutes les paraboles d’une œuvre qui dans son entier en est une, et où les fantasmes et les codes de représentation sont centrés, explicités, posés au milieu de la table avec la plus grande naïveté ou la plus totale perversité, c’est selon. Un cinéma du je et du jeu, qui confond le Moi et l’œil de la caméra : un cinéma au stade du miroir.

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Horreur clinique, atmosphère envoûtante, poésie de l’étrange faisant intervenir la beauté au sein même du cauchemar, avec une grâce surnaturelle. Le joyau de Franju ne relève pas seulement du cinéma d’épouvante, il retrouve surtout un certain type de stupeur et de sidération propre au cinéma muet, à son grain, à son clignotement médiumnique, à sa lumière d’outre-monde. C’est pourquoi, au-delà des années, sa parfaite alchimie conserve le mystère, la fascination, la profondeur d’un gouffre noir.

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C.C. est un perdant, jamais le premier ni l’éternel second, le troisième en tout comme le signalent d’ailleurs ses initiales. Subordonné aux mécanismes déshumanisants du conformisme et de l’efficacité, il reste pourtant un homme bon, notre frère parmi les intrigues, pièges et tentations du monde des bureaux, où celui qui ne se soumet pas au jeu du pouvoir perd tout espoir de réussite. Un des sommets les plus éblouissants de Wilder, dont le moralisme satirique révèle ici un romantisme inavoué.

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Entre les murs où ils concentrent leur volonté à s’évader, cinq prisonniers coupent, scient, percent le bois, le fer, le sable, le ciment, entaillent un temps méticuleusement compté. Chaque plan a sa densité, chaque geste son poids dramatique, et l’érosion qui a cours est seulement humaine. Tout en précision et en rectitude, ce film sans digression ni ellipse déboule vers le but avec le minimum de feintes, chante le combat de l’homme sur la matière, et y trouve plus que sa morale : sa grandeur.

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Elle et lui, ou l’éternelle histoire d’une passion contrariée. Larry est le type même de l’Américain qui a réussi au prix de renoncement à ses plus hautes aspirations, Maggie celui de la bourgeoise installée dans la quiétude matérielle. Et le film un diamant magnifiquement poli, tout de douceur inexprimable, d’attention aux palpitations du sentiment, du désarroi et du désir, où Kirk laisse sourdre le choc de ses contradictions internes et où la sensuelle Kim prouve que l’érotisme est un regard.

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Chez Minnelli on avance, on danse, on parle comme on est. Ce credo va plus loin que le constat des différences sociales ou culturelles et consiste à montrer à quel point les personnages se nourrissent de leur milieu. Ainsi de cette œuvre flamboyante et tourmentée où le tragique naît moins des affrontements que des tentatives de transplantation : le poète et le chasseur peuvent vivre ensemble, à condition de ne pas vouloir se substituer l’un à l’autre. On ne change impunément sa façon de marcher.

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Séparés par le fleuve, deux mondes, deux époques, deux Amériques irréconciliables s’affrontent et se confrontent. Comme beaucoup de films de Kazan, celui-ci est une réflexion sur les rapports de l’être au temps, dans son étendue historique : enracinement du passé, dynamisme optimiste du présent, conquêtes d’un avenir meilleur mais impliquant maintes pertes compensatoires. Et si tout le monde a ses raisons, c’est la nature qui dicte au récit sa calme transparence et son lyrisme à la Thoreau.