Top 10 Films selon hubertguillaud

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Voyage à Tokyo réussit à faire converger à la fois la modernité et la nipponité dans un portrait de famille d'une simplicité universelle. Une réflexion sur le temps, sur l'amour familial et ses écueils dans une mise en scène d'une telle délicatesse qu'elle touche au sublime.

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"Elle est retrouvée... - Quoi ? - L'éternité !" Potache. Sublime. Décalé. Monstrueux. Libre. Poétique. Eternel, oui. L'amour à tout jamais de Marianne et Ferdinand. Dans Pierrot le fou, Godard a libéré un condensé d'amour et de vie, qu'on peut revoir et revoir encore, en en rencontrant toujours l'étincelle.

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Il y a le cinéma. Et il y a Fanny et Alexandre.

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Entre film ethnographique et minimaliste, l'Ile nue est une ode à la persévérance. La réalisation de Shindô qui tourne en boucle, comme sa lancinante musique et son lourd silence, en font une oeuvre à part, poétique et réelle. Incroyablement humaine, d'une beauté et d'une douleur à couper le souffle. Cette lutte pour l'existence, à même les éléments, n'a rien d'un paradis perdu, au contraire. Sur l'ïle nue, c'est la lutte des hommes pour leur survie qui est mise à nue.

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A revoir ce film hypnotique, 20 ans plus tard, assurément, sa magie est intacte. Mais cet amour impossible, interdit, où qui ne nous est jamais dévoilé, semble ne céder à aucune émotion, autre qu'au détour d'une réminiscence, d'une larme ou d'un secret à jamais enfoui dans le creux d'un arbre. L'envoutement demeure, d'autant que quelque chose nous semble à jamais caché, comme enfoui derrière des ralentis obsédants.

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La fable de Zelig, l'homme caméléon, qui se transfigure pour être aimé, demeure un vrai régal, notamment quand Allen se transfigure lui-même en réalisateur de documentaire, pour mettre en abîme cette recherche impossible de sincérité. Qu'est-ce qu'être soi-même ? Qui sommes-nous d'autres que ce que le regard de l'autre dit de nous ?!

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Les raisins de la colère reste le film terrible et bouleversant de la colère face à l'injustice et la pauvreté. Grandiose !

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L'inventivité cinématographique de Kurosawa vient sublimer cette lutte pour la vie, dans une ode nostalgique et désespérée, qui confine au sublime.

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Qu'est-ce qu'être une femme quand on est encore une enfant ? Comment conquérir sa liberté et échapper à la tradition qui dresse et dispose des corps ? La formidable réponse que livre Deniz Gamze Ergüyen dans son premier film, c'est de le traiter par la joie de vivre et la rébellion, pour ne pas se laisser dompter. Un film solaire, tourbillonnant, radieux, poignant, fougueux et lumineux. Un feu sacré à la liberté.

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Ce qui fait la force du film de Meirelles, n'est pas tant sa mise en scène acidulée et nerveuse, ou sa plongée dans l'histoire de la violence des Favelas de Rio. Non, sa force, finalement, est de répondre parfaitement aux canons du film de voyou. De faire le Il était une fois en Amérique de Rio, avec ses excès et en répondant à toutes les attentes. Archétypal !

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Fenêtres sur cour tient de l'essence du cinéma. La subtilité des déplacements de caméra, le jeu des lumières, cette manière de raconter des histoires dans l'histoire depuis des fenêtres qui mettent le cinémascope en abîme, la simplicité des expressions, l'âme des personnages... En deux heures, Hitchcock montre toute la palette de son talent et cela reste éblouissant !

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Still Life est de ces petits films qui vous bouleversent. Avec une grande subtilité, le taiseux Marsan incarne l'ange gardien des délaissés, ceux qui meurent oubliés. Il les symbolisent tous d'ailleurs, ces gens qui meurent seuls et dont il se fait le dernier compagnon. S'affairant à les faire vivre encore un peu, comme si la solitude dont il tente de les extraire, sans succès, était plus que la sienne : la notre !

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Kazan raconte la douleur à quitter son pays quel que soit les avanies qu'on y subit. Il y raconte l'espoir et le rêve américain quand le monde était encore ouvert et qu'on pouvait trouver refuge pour fuir les nationalismes. America, America est une époustouflante ode à l'émigration, filmé avec un talent qu'on ne connaît plus. Kazan livre une fresque incroyable, habitée, où le but justifie tout, où l'exil et le renouveau est l'identité. AA est au croisement du récit mémoriel, de l'épopée prométhéenne et du mythe intime.

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Fuchun est saisit d'une ampleur immanente, qui mêle l'existence de quelques membres d'une famille au cours du temps, en écho à ses superbes travelling sur Fuyang et ses saisons, comme si la vie elle-même s'en échappait. Xiaogang livre pourtant un film humble et simple, sur les délitements du temps, des hommes. Une chronique sociale de la modernité chinoise et de ses terribles contradictions. Une belle réussite !

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L'oeil humble et résigné de l'âne Balthazar observe l'agitation des hommes. Dans cette transfiguration, cet anti-héros rétrograde contraste avec la mutation de la modernité que nous présente Bresson, comme si plus qu'un médiateur de la passion des hommes, il était le personnage d'un passé perdu qu'il fallait abandonner pour que la violence de la modernité se réalise. Intemporel !

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La grande simplicité dramatique de ce film repose à la fois sur la force de la banalité morale de son propos, le magnétisme incroyable des acteurs et ce mélange de plans entre ampleur et intimisme. On pense à Chaplin sans l'humour et avec plus d'engagement de la part de De Sica, qui signe une merveilleuse ode à la résignation des démunis.

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Avec Gloria, Cassavetes réalise à nouveau sa magie, celle d'une saisie sur le vif de la cruauté de l'existence dont il n'y a nulle échappatoire. Dans ce couple abandonné, qui ne veut pas l'un de l'autre, quelque chose d'absolument palpitant et de déterminé fait jour. Chez les dépossédés d'eux-mêmes, l'alliance pour la survie est le seul chemin, la fuite le seul horizon.

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Ouikiiii !

Qu'on se le dise, c'est un film pour neurasthénique, dont la profonde dépression ne pourra que vous faire hurler de rire. Et en même temps, qu'elle finesse dans la perception des rapports humains, de la solitude et de l'égoïsme. On finit par voir qu'il reste encore un peu d'humanité dans ces robots asociaux que nous sommes tous.

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Malgré ou grâce à une certaine raideur, froideur, épure, l'intensité monte peu à peu dans ce très simple huit-clos féminin. Porté par d'indicibles gestes, regards et silences, le désir envahit l'écran, comme par une métamorphose qui sublime ses actrices comme la condition de ses personnages. Sciamma nous offre des images dont nous nous souviendrons longtemps. Puissamment.

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Témoin à charge demeure l'un de ces grands films des années 50, avec des personnages, des dialogues, un scénario et une mise en scène intemporelles. Simple, généreux, immense. Un film toujours étonnant et qui déclenche toujours ce même plaisir de spectateur, embarqué, soufflé par cette maestria si fine et épaisse à la fois.

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Cette histoire simple, de gens simples, semble nous parler d'un monde disparu, d'une Amérique qui n'existe plus, de Cow-boys fatigués qui n'en sont plus depuis longtemps. Mais de gens décidés à réparer le monde à leur mesure. Lynch donne une ampleur phénoménale à cette histoire de rien, en donnant de l'écho à leurs silences et à leur périple, en s'attachant à ce qu'ils font plus qu'à ce qu'ils disent, au monde qui les entoure plus qu'à eux même. Une histoire vraie est une vraie histoire. Simple et bouleversante.

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Dès son générique et sa première scène, on sait que Vertigo restera hypnotique, obsédant. On découvrira qu'il est également un film troublant et fascinant, dont la complexité parfaitement calibrée est tout autant dans son propos que dans sa forme, ses couleurs, sa musique, ses plans en multiples réminiscences. Et Novak à jamais fascinante. Masterpiece !