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Bien sûr la grille de lecture annoncée par le titre entend épouser la solitude du torero, et la mise en scène de Serra ne fait que ça, découper ce personnage dans le champ pour le montrer constamment seul, seul face à la bête (même si tous les auxiliaires accourent quand il se fait malmener par le taureau) et seul dans ce bus d'après corrida (bien qu'entouré par ses proches, figure qui reviendra). Mais de fait le film opère une autre fonction, en nous exposant à une telle succession de scènes barbares. Ce qui choque tout être normalement constitué à la première exposition, c'est la violence exercée à l'encontre de cette bête et les hectolitres de sang qui se déversent avant qu'elle ne rende l'âme. Aussi horrible que la satisfaction qu'on peut en retirer. Et puis à mesure que l'exposition s'installe, le malaise s'installe, et on est attentif à d'autres choses, la nature du protocole, l'absurdité de la tradition, l'arrogance de la star, l'appel au divertissement, les cris d'appel répétés. Et ce visage ensanglanté serti d'un regard halluciné, évidemment, du sang de la bête, auquel répondent de nombreux gros plans sur un dos ruisselant de sang. D'un côté le souffle de l'animal qui agonise, de l'autre les injures de ses agresseurs. Mais toujours le spectacle sera condamné au hors-champ, Serra y préférant les contorsions des corps et ce flux interminable de mort.

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En toile de fond, surtout au travers d'une voix off synchronisée au montage mais aussi au détour de quelques discussions intimes enregistrées entre deux assauts, une incertitude croissante envahit l'espace. Les soldats interrogés figurent tous parmi les rangs de volontaires et s'illustrent tous par leur espoir en un avenir meilleur où la guerre sera terminée et toutes les ruines seront reconstruites. Mais le journaliste réalisateur ne partage pas cette petite parcelle d'optimisme. En attendant, on serre les garrots et on évacue les corps. Avec un peu de répit, c'est vrai, à l'occasion de quelques portraits d'hommes ayant abandonné leur travail, d'adolescents ayant quitté leur école. On discute du goût du tabac, d'anciennes rivalités. "Le destin, c’est l’excuse des gens qui font les mauvais choix", dira l'un d'eux, quelques mois avant de disparaître.

Excellent travail de mise en scène qui permet tout d'abord de montrer la sauvagerie des affrontements, avec zéro recul, et dans le même mouvement de fortement suggérer le caractère trivial de ce qui s'y joue, la dimension hautement symbolique de l'opération renvoyant inévitablement à son caractère triste et vain. Cette image du chef d'escouade glissant un morceau de bois abîmé, sur lequel il a fixé le drapeau ukrainien, en haut d'une petite bâtisse tenant encore debout comme par miracle, dégage un parfum d'absurdité intense, reflet parfait du conflit — fierté de l'homme ayant accompli sa mission, futilité de l'exploit qui sera annihilé peu de temps après. Quand un soldat ukrainien demande à un prisonnier "qu’est-ce que vous êtes venus foutre ici ?", ce dernier lui répond "je ne sais pas pourquoi on est là"...

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... En opposition, l'autre partie de la fratrie composée d'un frère et de deux autres sœurs semble appartenir à une classe beaucoup plus aisée, très éloignée des problématiques économiques que connaissent les trois protagonistes féminines.

"Left-Handed Girl" s'illustre à ce titre par la clarté de son écriture qui parvient à éviter tous les écueils des drames familiaux classiques, en prenant soin de laisser à bonne distance les clichés et les excès habituels — si l'on omet toutefois une des dernières séquences, lors d'un repas d'anniversaire qui sera le théâtre de révélations intimes détonnant avec le reste en termes de finesse, qui n'ajoute pas énormément au tableau esquissé jusque-là. Un rebondissement qui permet a minima de lire différemment quelques scènes qui précèdent, éclairant d'une lumière nouvelle les relations entre les deux sœurs, l'adolescente et l'enfant. C'est en outre un film qui retranscrit particulièrement bien l'ambiance des célèbres marchés de nuit de Taipei, élément caractéristique de la culture locale, avec ses néons aveuglants, ses stands denses, ses ruelles étroites qui s'en échappent un peu partout. Les trois personnages féminins principaux révèlent en outre trois portraits intéressants, teintés d'émotions propres, soumis à des injonctions spécifiques : la mère et la gestion épineuse du foyer tandis que son ex-mari se trouve en soins palliatifs, l'adolescente et le dur apprentissage de l'indépendance, l'enfant et le bain de péripéties qui infusent durablement sur son comportement.

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Mais le plus passionnant c'est vraiment juste quelques séquences où il pète un boulon, où il parle de manière frontale pour esquisser une personnalité pas très ordinaire (dans l'absolu, mais surtout dans le cadre des portraits souvent archi lisses du cinéma). Une des premières séquences où il liste ses qualités et ses défauts, déjà, pose de manière massive le personnage, c'est assez impressionnant. Quand il gueule contre un journaliste lui ayant fait un sale coup, quand il gueule en panne au bord d'une autoroute, quand il gueule pour dire "moi, c'est pas n'importe quoi les mots", on sent qu'on a affaire à une personnalité pas très commune. Un journal intime très agréable à regarder en dépit de quelques zones de faiblesses remarquées. Certains passages introspectifs casse-gueules comme ceux où il évoque ses angoisses (vieillir, mais aussi l'absence du père ou l'inaccessibilité de sa mère) et ses contradictions (sa condition de bourgeois malgré ses incarnations de prolétaires est marquante) complètent assez bien les moments plus fulgurants ou plus comiques (quand il décrit une scène de "Equalizer" ou sa non-rencontre avec Michael Douglas). Mélange vraiment intéressant de crudité, d'égocentrisme, de solitude, et de lucidité.

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J'ai eu du mal quand même avec cette première partie, à la fois longue et courte, 30 minutes d'exposition mais qui ne donnent pas suffisamment de profondeur au cœur de la thématique de l'insurrection (le romantisme érotique, j'ai trouvé ça assez raté, à l'instar du personnage de Teyana Taylor globalement). Et globalement c'est un film qui marque davantage pour quelques-unes de ses singularités de divertissement que pour son contenu politique, je trouve ça dommage. En substance, on se souviendra avant tout de la prestation de Benicio del Toro en prof de karaté ultra serein dans la tourmente (excellente séquence faite de magasins, de couloirs, d'appartements, de tunnels, et de toits) et de cette fameuse route ondulante où se poursuivent trois voitures. Même si la position d'Anderson reste un peu politisée, du côté de la volotné de démystifier, il recherche davantage la satire et le grand-guignol, y compris jusque dans ses recoins extrêmes — il y a des fois où j'aurais préféré un peu plus de sérieux.

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Après, on classe le film en fantastique mais ça relève pour moi davantage de la métaphore qu'autre chose — métaphore d'une vie qui s'éteint, celle de Tom Hiddleston, et avec elle tout l'univers qu'elle contient, le fameux "I contain multitudes" de Walt Whitman qui sera explicité dans le dernier segment. Le film oscille constamment entre commentaires pertinents et superficiels sur les thèmes de la relativité, des souvenirs, du temps qui passe, et de la brièveté de la vie. En tous cas un film agréable à suivre, plein d'inattendus, invitant à adopter une position différente vis-à-vis du passé, plus joyeuse que mélancolique. Chronique d'une apocalypse dont les ambitions permettent de faire un peu oublier la lourdeur pataude de certains moments. Trop téléguidé pour moi mais j'aurais pleuré si j'avais vu ça à 18 ans.

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Au final j'ai largement raté ici toutes les manigances politiques et les conflits géopolitiques entre Espagne et Portugal (entre autres), je suis passé à côté des revirements de Magellan. En revanche j'ai trouvé très pertinent le recadrage final, que l'on a senti en réalité un peu tout du long, à savoir faire un film sur Enrique, son esclave, acheté à Sumatra pour en faire un interprète. On est très loin du biopic hagiographique et de la figure héroïque de l'explorateur. Il y a un petit côté rectification historique pas déplaisant, en soulignant la sauvagerie de cette expédition de colonisation et d’évangélisation, que j'aurais adoré voir dans un cadre un peu plus adapté à mes goûts.

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On aborde également le traitement médiatique de la catastrophe, avec les fameuses chaînes d'info en continu et leur compte à rebours aussi morbide (l'équipage va-t-il être sauvé avant les 96 heures de réserve d'oxygène ?) que hors-sujet (le sous-marin avait implosé depuis le début). Les aspirations de Stockton Rush qui se voyait comme le Musk ou le Bezos des fonds marins (super les modèles) en proposant des voyages pour millionnaires, et in fine l'ego prenant une place considérable sur la raison.

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"The Mastermind" brille par sa capacité à dépeindre une banlieue comme anesthésiée du Massachusetts, avec d'un côté Josh O'Connor et ses déboires interminables (figure de proue des pieds nickelés du cambriolage, cavale marquée par les rejets successifs de ses proches, même si le cortège de personnages secondaires participent également à cette ambiance, avec Alana Haim en épouse délaissée et John Magaro en ancien pote) et de l'autre le tableau de l'époque (guerre du Vietnam, mouvement pour les droits des femmes). Le film vire en réalité rapidement à la chronique d'une déchéance et d'une incompétence, peuplée de séquences mi-comiques mi-navrantes dans lesquelles le héros fait prendre des risques inconsidérés à ses proches — mais il subira lui-même le résultat de ce manque de lucidité et d'empathie lorsque la violence policière le punira en conclusion : il aurait mieux fait de lever les yeux que de voler l'argent d'une petite vieille. Un film d'ambiance, clairement, qui fonctionne bien mieux à ce niveau que dans son intrigue un peu (et bien que volontairement) amorphe.

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Mais la bonne volonté de Sérgio ne suffit pas, et c'est sans doute le sujet principal du film sur le thème de la néocolonisation. Il a beau être à l'écoute et être disposé à l'autocritique, il se fait le vecteur malgré lui d'agressions. Pour l'accompagner dans cette prise de conscience, le scénario le fait croiser la route de divers personnages dont notamment Diára et Gui. Thématique de l'Afrique queer, déconstruction à go go (autant les postures coloniales que patriarcales) : clairement le film suit sa route sans trop didactisme et sous un angle singulier, en prenant le soin de déjouer les attentes.

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Finalement, tout le film semble agir comme une illustration, une parmi des centaines de milliers, de ces lettres de détenus accusés "à tort" par le régime. Évidemment sa quête de justice ne conduira qu'à une chose : sa perte. Loznitsa filme cela avec toute la froideur et le minimalisme qu'on lui connaît, dans un sens de l'inéluctable constituant une des qualités du film. Aleksandr Kuznetsov parvient à donner corps au personnage principal sacrificiel, notamment au travers de sa gueule douce et cassée, et son regard à la fois timide, candide et insistant. On sent bien que lors de certaines discussions, le choix des mots conditionne sa survie ou au contraire sa condamnation (sans qu'il ne s'en rende compte). Mais malgré tout j'ai trouvé cette fable un peu trop rivée à sa simplicité, comme s'il avait fallu produire quelque chose de parfaitement lisible aujourd'hui, au détriment de la complexité de ce cauchemar gagnant en densité.

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Resteront quoi qu'il en soit le visage rayonnant et le sourire immaculé de Fatma, jusqu'à la veille de son assassinat, heureuse d'envisager un futur plus heureux et de rêver à un voyage pour la présentation du film. Elle qui souhaitait montrer aux générations futures ce à quoi elle avait survécu. "Put Your Soul on Your Hand and Walk" donne dans cette perspective un aperçu de la situation de Gaza de l'intérieur et de l'extérieur en simultané, dans une démarche qui brille malgré tout par sa sobriété sans atténuer les sentiments d'impuissance, de faim et de peur.

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En réalité on a vite fait de ne plus avoir rien à faire de l'histoire de vandalisme, sur fond de délires paranoïaques Russie / Chine, et dans ces conditions il devient difficile d'apprécier les expérimentations corporelles du cinéaste — au bout d'un moment sa fascination pour la mutilation du corps de Diane Kruger tourne à vide, le thème de la dualité avec cette histoire de sœur jumelle ne mène nulle-part tout comme cette assistante IA, et le mauvais goût / humour macabre échoue à faire son effet (le coup des hanches qui se cassent en plein coït par exemple). Le film se perd en dialogues extensifs, la mise en scène joue sur un fil minimaliste dangereux partagé entre le classieux et le vide, et on se perd sur la deuxième moitié dans un mélodrame pachydermique. Pourtant, Cronenberg sait encore tisser des imaginaires captivants et des poésies intéressantes... J'aurais préféré un film focalisé sur la pourriture des chairs ou l'érotisme de la mutilation, la désacralisation des corps ou la conjuration de la mort, expurgé de tout les délires d'espionnage et de complot.